Gary Baseman (www.garybaseman.com) es, por edad, lugar de residencia (California) y por su obra, un artista encuadrable dentro del llamado arte Lowbrow junto a otros artistas como Tim Biskup, Mark Ryden,
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Este libro está disponible en Subaquatica y también aquí en nuestra tienda online.
19/8/2008
Fundada en 1994 por el artista Robert Williams, la revista “Juxtapoz” (www.juxtapoz.com) se ha convertido desde entonces en un referente imprescindible del arte “alternativo”. La atención de “Juxtapoz” se centraba en sus orígines en el arte underground y “lowbrow” californiano en la estela del propio Williams para progresívamente extender hasta su mirada hacia otras manifestaciones artísticas en los límites de los circuitos establecidos y procedentes de todo el mundo.
Recientemente los editores de “Juxtapoz” se han animado a publicar dos libros que representan en gran medida dos facetas de aquello que la revista representa: El arte plástico más visual y arraigado en la ilustración y el comic y el trabajo de la más reciente generación de artistas del Tattoo. Lo primero se nos presenta bajo el título “Juxtapoz Illustration” y nos introduce al arte de una selección de artistas internacionales que si bien no son estrictamente ilustradores o al menos no únicamente, sí que trabajan en esa disciplina. De cada artista encontramos una breve biografía y entre 6 y 9 páginas con imágenes de su obra más “ilustrativa”. Entre los artistas que se presentan encontramos una mayoría de norteamericanos como Mike Giant, Evan Hecox, David Choe, Jeff Soto o Travis Millard y artistas internacionales como el suizo Grotesk, el francés Mode 2 o el mismísimo San.
El mundo del Tattoo ha cambiado en las últimas 2 décadas, incorporando a su tradicional iconografía influencias visuales diversas, desde las étnicas o las folclóricas a las procedentes del mundo del Graffiti o de la cultura de las pandillas por citar sólo algunas. Fruto de este encuentro entre tradición y nuevas formas el Tattoo se ha consolidado como una forma de expresión creativa muy particular y que bien merece un libro como “Juxtapoz Tatto” donde se recopilan imágenes del trabajo de los más destacados miembros de esta nueva generación de artistas del Tattoo como Mister Cartoon, Steve Boltz, Scott Campbell, Patrick Conlon, Bert Krak, Troy Penning, Alex McWatt, Brian Randolph, Chris O’Donnell de New York Adorned, Daniel Trocchio, Henry Lewis, Joseph Ari Aloi, Jason Schroder o Eli Quinters entre algunos otros.
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“Juxtapoz Illustration” está disponible en Subaquatica y también aquí en nuestra tienda online.
“Juxtapoz Tatto” está disponible en Subaquatica y también aquí en nuestra tienda online.
12/8/2008
Stephen Smith Lloyd es la mente maestra, el hombre tras la consola de control, del misterioso Neasden Control Centre (www.neasdencontrolcentre.com), un lugar en una localización secreta, un poco como nuestra propia base submarina. Neasden Control Centre es también el lugar de origen de intrigantes visuales, arte, instalaciones, videos… He aquí la transcripción de una conversación interceptada con el responsable último de todo ello.
Antes de nada: ¿Por qué, dónde, cómo… te convertiste en un artista?
Es difícil recordar cuando tomé esa decisión, si es que ha llegado a ocurrir. Hasta donde puedo recordar todo lo que he querído hacer tenía que ver con mi pasión por dibujar y hacer cosas… eso y no caer en la rutina de un trabajo de oficina.
Has publicado ya 3 libros con tu trabajo y ninguno de ellos tiene ni un poco de texto sobre tí o tu trabajo, sólo imágenes. Además en una entrevista que te hacían que he encontrado por ahí le pides al entrevistador que no te pregunte ni por tus influencias ni por no se cuantas cosas más. ¿Eres, como muchos otros artistas, del tipo al que le revienta hablar acerca de tu arte porque este ya contiene todo lo que quieres expresar?
No espero nada ni intento dar una opinión a través de mi trabajo y es por eso por lo que no hay textos en los libros de NCC. Lo visual provoca refracciones en las profundidades del cerebro. Es por eso que no me gusta tener que decirle a la gente qué pensar cuando ya son bastante capaces de hacerlo por si mismos. Sí que he encontrado a algunos críticos de arte andantes y parlantes a lo largo del camino.
Supongo entonces que no te gusta cultivar la estrategia del star system como parte de tus planteamientos de marketing y RRPP ¿no? ;)
Pues no.
Me da la impresión de que en gran medida tu universo visual debe mucho a la iconografía propia de la segunda mitad del siglo XX . Por ejemplo hay imágenes de un proyecto tuyo en tu web llamado ” The sixties “, una especie de collage de elementos de los sesenta y el caso es que a pesar de que aquí hay una intención muy clara, no desentona nada con el resto de tu trabajo. ¿Eres un tanto nostálgico… quizás incluso de una época que no has vivido en primera persona?
El ejemplo al que te refieres es un trabajo para un cliente. Y sí, las cosas tienen mejor pinta según pasa el tiempo. Estoy decidido a remover el pasado, pudiendo revolver y escoger de entre décadas de creación con una especie de aparato visual en forma de ojo escrudiñador girante con foco suave. Admiro el trabajo de las generaciones precedentes, su gusto por lo artesanal y especialmente los paisajes oníricos utópico-fantásticos empapados de ácido y ahogados en un álbum conceptual con la guitarra melódica con el pedal fuzz borrada.
Una de los aspectos que encuentro más interesantes de tu trabajo es la manera en que mezclas lo analógico con lo digital haciendo que se integren en un mismo todo y como de igual manera tanto tus trabajos más personales como los de encargo tienen una coherencia y forman parte de un mismo discurso. ¿Es intencionada la manera en que todo el cuerpo de tu obra no diferencia entre soportes, técnicas, etc…?
Para mi es todo parte de lo mismo. Yo no he definido unos límites y por tanto no tengo que regirme por ellos… si es que hay reglas realmente para esto. Es bueno mezclar las cosas, experimentar, jugar, probar diferentes materiales y modos de trabajo y es eso lo que lo hace todo interesante. Mi obra… es algo que ocurre organicamente pero la expansión hacia nuevas formas de crear sucede tanto con el trabajo personal como con el de encargo. Sólo acepto un número limitado de clientes cada año para intentar equilibrar el conjunto de lo que hago: exposiciones, video, trabajo impreso, instalaciones… y siempre intentando mantenerlo fresco.
Volviendo a lo analógico vs. lo digital, diría que todo tu trabajo tiende hacia lo primero y que lo digital es más bien una herramienta pero al mismo tiempo me da la impresión de que tu trabajo sería diferente si hubieras nacido hace 30 años y no contaras con la tecnología que tenemos ahora (otras consideraciones del cambio temporal aparte) ¿no te parece?
Ummm, la pregunta de lo analógico y lo digital… Para mí es una cuestión de usar los medios a mi alcance en este momento para crear. La cuestión de analógico vs. digital la intento olvidar ya que no es una variable en la equación. Y acerca de lo que dices de que mi trabajo sería diferente hace 30 años creo que sería similar pero ¿quién sabe? y ya entonces ser habitual usar las técnicas y soportes disponibles entonces: copiadoras de planos, Letraset, fotocopiadoras, máquinas PMT, impresión tipográfica, serigrafía… y podría seguir. Y es que todo ha sido hecho con anterioridad (en esta o en una vida previa).
Y en cuanto a cómo te las apañas para compaginar el trabajo más de diseño con el más artístico…
Es algo que ocurre de manera natural. El resto de mi tiempo lo reparto entre la preparación de exposiciones, trabajo impreso, trabajo más personal… paseando al “pre-verbal” perro.
Y en cuanto a los clientes que tienes, ¿encuentras que sus requisitos condicionan tu creatividad o que por el contrario la potencian por el reto que puedan suponer?
No es un problema. Tengo suerte de poder hacer muchas cosas distintas y los briefs de los clientes suelen ser muy flexibles y abiertos… incluso demasiado vagos a veces. Es más, la gente siempre espera algo nuevo, trabajo con un punto de naturaleza experimental.
Quizás tu trabajo es tan conocido que tus clientes no quieren otra cosa que no sea lo que ya conocen de tu trabajo personal
Está bien sorprender a la gente haciendo que las cosas progresen.
Me gustaría que nos hablaras de tu proceso creativo y en particular del equilibrio entre la importancia del proceso y la necesidad de llegar a determinado resultado.
La mayoría de lo que hago comienza como un boceto en un papel o en algún otro soporte y a partir de este boceto trabajo, elaboro, fotocopio… lo dejo reposar y lo digiero hasta el punto en que o pide ser convertido en otra cosa o muere. Este proceso puede ser muy rápido o llevar mucho tiempo. Realmente no tengo establecida una rutina de trabajo… me gusta pintar en el suelo, trabajar de noche y temprano de madrugada. Pienso que tienes que tener tu propio termómetro o barómetro dentro de ti que te dice cuando algo está ya acabado o no lo está (a veces es fácil dejarse llevar y dejar que un buen plato quede demasiado cocinado)… es una especie de mapa de direcciones o GPS de tu zona interior. Además en el estudio algo puede quedarse parado, en un lado y de pronto reaparecer justo cuando no lo buscas o revuelves entre demás cosas cubiertas de polvo. Desorden feo y bello… Thelonius Monk el grande estaba en lo cierto.
Hay una generación de artistas de todo el mundo que comparten cierta actitud y a veces también una estética con elementos en común. Algunos vienen del mundo del arte en la calle, otros, como tú, contribuyen a hacer difusas las barreras entre diseño, ilustración, arte…¿Qué dirías que compartes con otros artistas de esta misma “escena”?
Para mí es una actitud de háztelo tú mismo y crear algo diferente sin dejar de tener presente que eres parte de algo más amplio a lo que estás vinculado por la propia naturaleza de lo que haces, por el humor, la conexión, el hambre y deseo de luchar por lo que crees, mantenerse a cierta distancia del sistema con mayúsculas…
Hay una cuestión que me intriga de muchos artistas y en tu caso no quería dejar de preguntarte: ¿Cuánto de tu arte dirías que tiene su raiz en tu infancia?
Probablemente más de lo que yo pueda pensar. Solía tener estos sueños en blanco y negro, animados, con imágenes que se movían extremadamente rápidas, casi al estilo del manga pero diferentes y que aparecieron de la nada un buen día. Cuando era niño me encantaba dibujar trajes espaciales, construir cosas, lo normal pero siempre en modo “soñando despierto”.
¿En qué has estado trabajando recientemente?
En un video para Cineplexx, mi contribución a la exposición de 5º aniversario de Helium cowboy y desarrollando cosas nuevas para una exposición individual que tendré en la galería Calm and Punk en Tokio antes de que acabe el año y además en otras cosas que debo acabar en los próximos meses.
¿Algún proyecto nuevo del que nos puedas hablar?
Liberar mi cabeza de la confusión entre el trabajo de NCC, ya sea impreso, animado… y los proyectos personales como las instalaciones y la obra que realizo para exponer. Presentaré mi trabajo más personal a través de www.stephensmithlloyd.com a partir de ahora.
¿Y algún proyecto que quisieras hacer pero que no te hayan dado aún la posibilidad de llevar a cabo?
Un festival itinerante consistente en una carpa geo-disco sobre ruedas con un show de sonido y visuales estilo libre.
¿Algún artista o propuesta que nos quieras recomendar?
Si me atrevo a hacer una lista me dejaré a gente fuera seguro… hay tanta gente haciendo cosas interesantes…. Mebike en Amsterdam en septiembre tiene buena pinta.
Añade comentario 2/8/2008
En 1992, bajo el título “Purple Prose” comenzaba la andadura de la editorial francesa Purple (www.purple.fr/). Desde entonces estos inquietos parisinos han hecho que la marca “Purple” sea el nexo común de una serie de otras propuestas editoriales en forma de revista: “Purple Fiction”, “Purple Sexe”, “Purple” (a secas), “The Purple Journal” o de modo más destacado “Purple Fashion”. Con motivo de su 15 aniversario se ha publicado recientemente un completo volumen a modo de retrospectiva de la trayectoria de Purple. En el libro se incluyen textos de colaboradores y los responsables de Purple y sobre todo una amplísima colección de imágenes de las portadas y páginas interiores presentadas en capítulos año a año desde 1992 a 2006.
Desde 2004 y hasta la fecha Purple se asocia en la mente de muchos en particular con su actual revista de moda, “Purple Fashion” (que venimos ofreciendo en Subaquatica). Y es que a través de las páginas de “Purple Fashion” se ha definido y consolidado una determinada manera de entender la fotografía de moda y un enfoque de la moda muy cercano al mundo del arte. Desde sus inicios la revista ha encargado sus reportajes de moda a fotógrafos como Terry Richardson, Richard Kern, Juergen Teller o Richard Prince y ha contado con colaboraciones de otros artistas como Vanessa Beecroft, Rita Ackermann o la presencia habitual de personajes como Kim Gordon o Chloë Sevigny. “Purple Anthology” es una buena muestra de todo ello y una propuesta de viaje en el tiempo por uno de los aspectos más interesantes de una década que hasta ahora seguramente no estábamos en condiciones de empezar a ver con perspectiva: Los 90.
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30/7/2008
Hace ya tiempo que conocemos a la gente de la revista Rojo®. Ya no son tan sólo una revista sino también una editorial, una potente web y la verdad es que no paran. Cuando hace cosa de un año nos contaron que pensaban impulsar una red de espacios de arte afines para coordinar acciones y no sé cuantas cosas más les dije que me tuvieran al tanto. Viendo el listado de espacios asociados en todo el mundo y la manera en que se mueven en Rojo® no ha sido difícil no aceptar la invitación para que Subaquatica formara parte de esta red. Esto se concretará en el futuro en projectos concretos y en una ayuda mútua desde ya mismo para aprovechar aquello tan sobado de la sinergia. Os tendremos informados. De momento aquí tenéis más información sobre el ROJO® art network:
23/7/2008
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