Primero, una pregunta que le hacemos siempre a todo el mundo para estas entrevistas: ¿Cuando, donde, como y porqué empezaste a trabajar en la calle…?

Empezé a pintar en la calle porque siempre me ha llamado la atencion todo lo que es “under”, todo lo que era fuera de lo normal me gustaba. El pintar en la calle me da la oportunidad y la libertad de espacio, puedo pintar cosas enormes y pasar lo que siento a todas las clases. Empeze a pintar con Calma y Asa, teniamos una crew (Faca), pero percibi que era mejor hacer mi camino sola y lo hice.

Las acciones en la calle exigen una dedicación muy especial y cierto nivel de sacrificio, por lo que veo viajas mucho a eventos y festivales en todo el mundo en los que pintas en directo y además tienes una actividad como artista musical ¿Cómo haces compatible todo eso?

Lo que mas se necesita tener es equilibrio con todo ( cosa que no tengo mucho, pero lo busco). Para todas la profesiones se necesita dedicación. El ser artista te da la oportunidad de ser completamente libre y siendo libre, puedes ser todo. El trabajo musical y artistico son como hermanos, se puede. Lo que mas se necesita en esto es tener mucha energía y hacer de eso algo divertido y aprovechar cada simple segundo que te da la vida y más que nada no dejar que el “estrellato” te llegue a la cabeza. En un momento dado todos empiezan a tratarte como la perfeccion del mundo, y la verdad es que nadie es mejor que nadie, no se puede confundir uno. Si existe una cierta dedicacion a la pintura y música… si no crees en ti, no lo haces.

Y todas esas actividades ¿es parte de una misma actividad creativa o realmente para cada medio tienes un alter ego distinto y un discurso diferente?

En la pintura hago monstruos que representan mis rabias, miedos, sueños… en la música hablo de la mierda que es el gobierno de mi país, hablo sobre la gente que quiere chuparte la energía y ganar dinero con tu creatividad. Soy una persona ultrapasional y todo lo que hago tiene mucha intensidad. sea buena o mala, por eso lo de “Lil Monsta“, y lo de Fefe es porque en Brasil siempre se hace el diminutivo del nombre de alguien, si te llamas Mariana te llaman de Mari, si te llamas Camila te llmana de Caca, si te llamas Fernanda te llaman de Fefe.

Tu trabajo plástico está principalmente poblado por seres monstruosos ¿qué tipo de reacciones esperas que tengas los espectadores antes tus seres? ¿son esos seres peligrosos o en realidad sólo en apariencia?

Hahaha, no espero nada del espectador, solo que entienda lo que intento pasar, pero si no entiende… no me importa. Lo hago más para mi que para los otros, el espectador siempre espera cosas nuevas, y critica siempre lo que hace uno o lo que es uno, el secreto esta en no preocuparte con el espectador, y sí en la satisfaccion de hacer lo que te gusta. Mis monstruos no son malos, ni peligrosos, no quieren aparentar algo, ellos son parte de mi ego negativo.

Durante mucho tiempo todo el trabajo tuyo que veía eran seres pero siempre construido por letras y ahora ya no ¿Puedes explicar de donde viene el uso de las letras y como ha sido la evolución hasta lo que haces ahora?

Hacer monstruos de letras, al principio era muy “cool” pues nadie lo había hecho antes. Siempre tuve una adoración por la tipografía y queria hacer de las letras no palabras sino dibujos, pues así las veo, las letras forman palabras, frases, poesias, pero también dibujos. A las letras la gente las toma muy en serio y hay que verlas con ojos de niño y jugar con ellas pero al pasar el tiempo, fui percibiendo que a la gente le gustaba mucho, y los monstruos de letras se estaban volviendo algo muy comercial, muy fácil de hacer, y fui perdiendo el gusto de hacerlos, ya se estaba volviendo un problema para mi. Cortar letras se fue volviendo un infierno, pasaba más tiempo cortandolas que creando. Ahi empecé a cambiar a lo que más me gusta que es pintar. Así fui buscando mis raices, y encontré algo que es muy importante para mi vida y estilo que es unir mis dos culturas, la indigena mexicana y indigena brasileña.

Mural por Fefe Talavera y Remed

Tú vienes de São Paulo de donde están saliendo muchos artistas que están teniendo mucho éxito fuera de Brasil. ¿Qué elementos se han dado en esa ciudad a esta generación de artistas para que haya tanto talento y sorprenda y guste tanto fuera?

La ciudad de São Paulo es una ciudad muy fea, esta enferma. Para los artistas no hay otra que mostrar lo bello que existe en cada uno y lo que tiene de interesante esa ciudad son los muros, son enormes y buenos para poder expresar y por lo menos todavía tenemos la chance de expresar en la calle, aún que se diga que es ilegal hacerlo. Lo que me gusta del artista brasileño es que encontró su personalidad, desde hacía mucho tiempo no se escuchaba hablar del artista brasileño fuera, estaban muy dentro del circulo vicioso de la galería tradicional. Ahora con eso de estar en la moda el Graffiti, se abrieron las puertas a los artistas más underground, y con la internet entonces… mucho mejor.

Más allá de São Paulo hay muchísimas personas de más o menos la misma generación que desarrollan una actividad plástica creativa en la calle en todo el mundo. Hay una enorme heterogeneidad de estilos y enfoques de técnicas, de referentes e incluso éticos pero parece que hay una actitud ante el arte común. ¿Donde dirias que te situas tú en ese sentido? ¿Qué encuentras cuando viajas por todo el mundo? ¿Qué es lo que más te sorprende de otros artistas que conoces?

No me gusta situarme en un único lugar o nombre, la verdad es que cuando uno es artista, es artista. ¿Por qué tenemos que dictar nombres, o ser parte de una crew? Veo que cada uno busca su banda que se indentifica, pero… ¿si alguien me cae bien, por qué no ser su amigo? ¿Solo porque no hace lo mismo que yo? Cada uno tiene su tiempo, su flow, su cultura, eso es lo que más me gusta cuando viajo por el mundo, conocer lo maximo que puedo de cada ciudad, amo la musica el arte y la gente que esta abierta a conocerme. Lo que mas me sorprende del artista es que cada uno a su modo es ultra sensible, asi existe una comunicación muy parecida entre nosotros.

¿Tienes un trabajo de estudio además del que haces en la calle que te permita acceder al mundo de las galerías y al mercado del arte?

Estudie en bellas artes, pero ¿sabes qué? He aprendido mucho más en la calle que en la escuela, mil veces más. Y exponer en galerias si es bueno, pero tienes que someterte a ciertas cosas que no son tan agradables, hay mucha mentira, es un mundo muy diferente del mundo de las calles, hay limites, hay arrogancia, intolerancia pero al final, vendes tu obra. Cada uno ha de escojer lo que quiere.

¿Cual es tu experiencia en el mundo de las exposiciones en centro de arte, galerias y similares y que dificultades, virtudes y defectos encuentras en ese sentido?

La gran experiencia es conocer lugares que no conoces y gente que no conoces y hablando de galerías… todas son muy parecidas. Lo más importante no es vender en galerías, sino amar lo que haces. El artista de hoy esta hambirento de ser conocido, famoso, pero la verdad es que eso no vale nada, es muy futil. Hay que encontrar la mejor manera de que te reconozcan y te respeten por tu arte… nada más que eso.

¿Que andas haciendo ultimamente?

Canto, pinto, bailo y viajo.

¿Algún plan para el futuro que nos quieras y puedas adelantar?

Hay un principio de proyecto de exponer en la ciudad de Mexico con Doze de nuevo. Y Japón para el proximo año a cantar.

Fefe Talavera y Doze Green

¿Que proyecto no te han propuesto aún y quisieras que lo hicieran?

Pues todo lo que no he hecho que tiene que ver con arte y música es bienvenido siempre. He conseguido todo lo que quise en mi vida, basta tener determinación y no depender de otros para conseguir lo que deseas. Es simple y difícil al mismo tiempo.

¿Algún artista o iniciativa que quieras recomendarnos?

Pues artistas hay mogollon que amo. Recomiendo a Remed que tiene un trabajo muy caracteristico de el, sus obras son gráficas y su tipografía es increible…todo muy bien hecho y muy pensado. Raquel Chembri, una gran artista de Belo Horizonte. Ereo mucho en su arte, joven y muy talentosa. El Ciro, Ramon Martins, Debens, Zosen, Eltono, 3ttman, Nano4814, Mister, Speto, Flip, Guillermo Zoria, Titi Freak, Zezao, Seleka, Turbo, Jagdish, Kafre.
Y a mi nuevo mestre de la pintura Doze Green. Su trabajo es increiblemente deslumbrante, tiene una fuerza que te llega en los ojos pasa por el corazón, baja al estomago lo digieres y te sale como un pedo.

Intervención de Lucia Yela

¿Qué papel crees que puede y debe jugar el mundo universitario en torno en todo el espectro de manifestaciones de arte en la calle, especialmente estas no legales?

Esta clase forma parte de la licenciatura en bellas artes. Se trata de formar artistas, es decir, gente lúcida que proponga una visión personal de la realidad. Al final el quid está en ser capaz de poner todo en duda, de no estar satisfecho con la visión establecida de las cosas, de volver a mirarlas. En esta dirección, el proyecto que se desarrolla en la clase es un ejercicio muy útil. El alumno tiene que situarse en el entorno, reevaluarlo, localizar un aspecto de su interés, y proponer una intervención que constituya un diálogo con tal aspecto y con el entorno en general. Más allá de la calidad de los resultados, la importancia está en este proceso, en esta puesta en práctica de la segunda mirada. Reevaluando el entorno inmediato, la parte de la realidad física a la vez más cercana y más obviada, atacamos de raíz la concepción establecida de las cosas que hay instalada en nuestros cerebros. Se trata de una idea cercana a la deriva situacionista. Poner en práctica un proyecto de intervención urbana implica recorrer la ciudad en base a nuevos parámetros de navegación, muy diferentes a los establecidos. Con ellos la ciudad se tranforma súbitamente: lo que fuera un escenario predecible e inerte aparece como un terreno de juego lleno de sorpresas.

Intervención de Carlos Jimenez

La clase es principalmente teórica. Estudiamos a fondo las corrientes principales de lo que llamo arte público autónomo. Es el arte que ocurre en el espacio público de manera independiente y sin control, y cuyos resultados físicos se abandonan a su suerte para que formen parte del entorno. Hablamos sobre todo de Graffiti, Postgraffiti, intervención urbana y activismo creativo. Este contenido es del todo necesario en el contexto de unos estudios de arte. No se puede pretender entender la realidad si se ignoran fenómenos que ocupan desde hace cuarenta años el primer plano del escenario social, y últimamente también del artístico. Tengo la suerte de conocerlos de primera mano desde que empezaran a surgir en Europa, lo que unido a mi formación académica me coloca en una situación privilegiada para hacerlos entender. Por otro lado, si bien creo fundamental que un estudiante de arte entienda el Graffiti, no creo que tenga sentido que aprenda en clase a ejecutarlo. El Graffiti es un juego que se aprende en la calle, a través de años de práctica y de contacto con otros participantes más experimentados, de modo que sería imposible aprenderlo en el tiempo de una asignatura. Pero sobre todo, está totalmente fuera de lugar en la universidad, entre otras cosas por su ilegalidad.

Intervención de Sara Esteves

¿Qué dice la “autoridad” universitaria de que déis cobijo a una serie de actividades como poco de dudosa legalidad?

En la situación actual tengo una gran libertad para plantear el contenido de la clase. Las autoridades universitarias no han comentado nada acerca de la legalidad de los proyectos desarrollados. Pero lo cierto es que sólo algunos de ellos rozan la ilegalidad. El principal parámetro que impongo al los alumnos es el civismo. Insisto mucho en la idea de que actuar en la calle es actuar en la casa de los demás sin que los demás lo hayan solicitado, y que haciéndolo adquirimos una responsabilidad social. Esta idea se ha de tener siempre en cuenta. De modo que las intervenciones no pueden significar daños, ni tampoco pueden ser invasivas. En general han de ser socialmente constructivas. Sin embargo actuar en la calle sin permiso es por definición ilegal e invasivo, de modo que nos movemos en un terreno delicado. Me preocupo de mostrar a los alumnos ejemplos de intervenciones urbanas sutiles, que no significan apenas daño y que mantienen la invasividad al mínimo sin sacrificar potencia artística. Observando los resultados de la clase queda claro que existen muchas posibilidades en este sentido.

Intervención de Jamina Merkus

¿No supone esta experiencia un choque entre lo espontáneo y libre de ataduras del arte en la calle al encuadrarlo en una institución que forma parte del “establishment”?

Aunque la asignatura tiene lugar en un marco oficial, los proyectos son del todo independientes. Los alumnos los desarrollan, en gran medida, de la misma manera que si lo hicieran por su cuenta fuera de la universidad. La diferencia está en que hay un profesor que tutoriza y que impone ciertos límites éticos de actuación. La gran diferencia entre el arte público autónomo y el arte público a secas radica en la libertad artística. Cuando actúa por su cuenta, el artista puede hacer y decir lo que quiera. Cuando actúa a través de los estamentos ha de adecuar su discurso y su manera de actuar a los deseos de éstos. Desde este punto de vista, nuestra clase está mas cercana a la experiencia artística independiente que otras formas de domesticación del arte urbano como festivales y eventos que a veces se convierten en simples muestras de muralismo. Con la clara excepción de Outsides, ese experimento de vandalismo esponsorizado cuya ética es como mínimo dudosa.

Intervención de Alicia Calle

Hablamos de Tom Sachs (www.tomsachs.org) con motivo del enorme catálogo editado por Fondazione Prada (ver aquí). Un enorme libro, muy completo, pero con un precio acorde. Recientemente, y con ocasión de su exposición en 2007 en el Desmoines Art Center se ha publicado un libro, a modo de catálogo, sobre este artista a un precio más que asequible y no por ello carente de contenido. Logjam, su título, es una referencia a la caja donde el artista va guardando las piezas sobrantes de la construcción de alguna de sus obras y que denomina de esta manera. El libro recopila creaciones del artitsa desde alrededor de 1996 hasta 2007 e incluye un glosario visual de las herramientas que Sachs usa en su taller.Para aquellos que no estén familiarizados con Tom Sachs diremos que sus obras son reconstrucciones exageradas, llevadas al extremo, de elementos de la esfera de lo público y lo comercial pero realizados con procedimientos artesanos. En ellas quedan difusas las líneas que delimitan lo producido en serie y lo artesano y queda en evidencia lo inutil de muchos elementos que nos rodean.

Este libro está disponible en Subaquatica y también aquí en nuestra tienda online.

Las figuras de la serie Bamboozoo, de la marca Kidrobot, acaban de llegar a Subaquatica. Se trata de una serie de simpáticos monstruos diseñados por el duo británico de ilustradores David y Jodie conocidos como Peskimo (www.peskimo.com/). Es una serie que viene en caja sorpresa. Hay 14 figuras “oficiales” y 2 sorpresa y vienen acompañadas de una pegatina y en algunos casos de pequeños seres diminutos que pueden ser engullidos por el monstruo al que acompañan.

Las figuras de la serie Bamboozoo están disponibles en Subaquatica y también aquí en nuestra tienda online.

Primero, una pregunta que le hacemos siempre a todo el mundo para estas entrevistas: ¿Cuando, donde, como y porqué empezaste a pensar en ti mismo como un artista y diseñador?

Mi estatuto de diseñador es fácil de fechar y localizar, lo conseguí cuando me diplomé en la Escuela Nacional Superior de Creación Industrial “Les Ateliers” en París en 1992. Luego, cuando entendí que tener mucho ego no era necesariamente negativo, asumí el estatuto de artista.

Y en tu caso una segunda parte: ¿Cómo surgió la necesidad en llevar tu trabajo a la calle?

Por aquí empecé. De adolescente prepúber tenía una pandilla de plantilleros en el colegio. Corrían los años 80, vivía en las afueras de París y se llevaba imitar a Blek, Kriki, Bergu y otros activistas parisinos. Cortaba las plantillas y mis colegas compraban los sprays, llegamos a forrar el instituto el año que nos largamos sin que nadie diese el chivatazo. Entré en la escuela de diseño con un dossier exclusivamente ilustrado con plantillas. Antes de llegar a la calle ya tenía las paredes de mi habitación manchadas, se quedó pequeña, las torres, los parkings y el tren de cercanías que pasaban por mi barrio de La Défense llamaban a gritos un poco de color. Más tarde cuando me saqué el carnet de conducir empecé a recuperar viejas neveras de diseño cincuentón con el coche de mi madre que cogía a escondidas por la noche. Desmontaba el compresor, vaciaba el interior y pintaba la carcasa. Era el proceso inverso, sacar de las calles elementos y pintarlos en casa. El Cartel llegó más tarde cuando me instalé en Madrid. En principio había sacado un nº “en la calle” de mi fanzine “¡Qué suerte!”, un afiche que pegaba encima del panfleto de extrema derecha: La Voz De España . A Mutis le pareció buena idea y propuso retomarla entre 4 dibujantes. Así nació El Cartel, junto con César Fernández Arias y Eneko; Jaques Le Biscuit llegó más tarde.

Tu actividad creativa es ejemplo de multidisciplinariedad, eres poco menos que un artista del Renacimiento pero en malasañero de adopción: Eres, además de ilustrador, autor de comics, editor y artista plástico un hacedor de máquinas sonoras, un grabador de linograbados, artista callejero y por si fuera poco un músico. La pregunta es ¿hasta que punto estas disciplinas contaminan la una a la otra? o dicho de otra manera ¿Ves todo ello como parte de una misma actividad como individuo creativo? ¿Hay un discurso que atraviesa todas las propuestas o eres tú el único nexo?

¡Viva el Renacimiento! Es divertido probar distintos soportes a ver lo que sale. La persona sigue siendo la misma pero se adapta el mensaje a la técnica. Por ejemplo, las historietas que publico en el Mondo Brutto están dirigidas al público bizarro que lee esta revista; lo que cuento en El Cartel es más universal, los lectores son mucho más variados y casuales, la denuncia más a pie de calle. Con la música me importa un pepino que se entienda. Me limito a hacer ruido, tocar con gente con quien me siento a gusto. La calidad musical y el género lo pone el hipotético oyente lo suficientemente curioso como para acercarse a nuestros conciertos o comprar los discos. Tengo obsesiones recurrentes que suelen reflejarse en todo mi trabajo gráfico, como ser el enemigo personal de Dios en todas sus vertientes religiosas y de la renuncia a la libertad de expresión a favor del borreguismo.

En ese mismo sentido parece que hay una generación de artistas plásticos que lo mismo reciben encargos de marcas y agencias como también hay diseñadores gráficos que presentan su trabajo en galerías de arte. Al final la distinción queda no tanto en como se considere cada uno sino en si el trabajo realizado responde a un encargo y unas necesidades de comunicación o puramente a las necesidades e inquietudes expresivas propias del creador detrás de ese trabajo. Más allá de la disciplina que utilices ¿Existe en tu caso una distinción clara entre la producción creativa que sea trabajo puramente personal y los encargos que recibes?

¡Claro hombre!, si aceptas un encargo tienes que satisfacer al cliente, aunque muchas veces en el trabajo artístico también se puede colar el insidioso deseo de agradar al comprador, al fin y al cabo no es tan distinto. Sospecho que existen artistas que exponen para vender. No tengo tanta ocasión de confrontarme con este dilema. La mayoría de mi trabajo es un encargo personal de Olaf Ladousse al bohemio situacionista que pretendo ser.

Cuanto más conocido es tu trabajo y te salgan más encargos de clientes que han visto lo que haces por una parte tendrás más libertad y por otra parte imagino que te encontrarás con aquellos clientes que quieran que repitas para ellos algo que ya has hecho antes ¿Cómo haces para conseguir explorar nuevas posibilidades con cada encargo sin que el cliente no se decepcione porque le presentas algo que no se asemeje a lo que ha visto de tu trabajo?

Es parte del trabajo defender las propuestas que presentas al cliente, si tienes la suerte de encontrarle. Muchas veces los encargos provienen de una agencia de diseño, grafismo, publicidad… que tratan con el cliente. Es un filtro difícil de evitar, nunca sabrás cómo defiende tu trabajo el representante de la agencia. Pero en fin, el cliente en este caso es la agencia y no la marca final. A veces sospecho que me piden unos bocetos para presentarlo como propuesta radical a fin de colar un proyecto menos extremo que la agencia quiere desarrollar. Por eso procuro acordar un precio para todas las propuestas que se renegocian si el trabajo cuaja con el cliente. Obviamente te llaman por lo que conocen de tu trabajo y es muy difícil intentar pasar algo distinto, a menos que te llamen por tu buen nombre, en este caso es más importante la firma que el dibujo. Todavía no llegué a este nivel.

Volviendo a las actividades menos lucrativas, además del arte en la calle y la música, claramente nada con lo que vayas a mudarte a un palacete, está la edición del fanzine “¡Qué suerte!” con el que llevas, con sus pausas, desde 1992 ¿no?. Bueno, esto sí que es amor al arte. ¿Cómo consigues mantener la motivación para andar persiguiendo a artistas de todo el mundo para que te manden sus colaboraciones, a los de las tiendas para que te lo vendan y te paguen lo vendido…? ¿Qué lugar ves que tiene “¡Qué suerte!” en el panorama del comic actual donde lo que se ve que funciona es tan diferente a lo que ofrece esta propuesta? Ya era marciano en el 92, ahora en la era del manga…

El “¡Qué suerte!” es una aventura gráfica bastante bonita y satisfactoria. Empecé cuando movía mi book de diseño por las agencias, encontré muchos dibujantes buenos y les propuse colaborar en el fanzine. El primer número era el nº Huevo, si cuajaba el resultado me comprometía a sacar el nº Pollo, si salía una mierda sería una tortilla. Gustó y fuimos a por el pollo. Se apuntaron más dibujantes, profesionales, novatos, músicos y niños. Cuando me topaba con un dibujante que me gustaba en otros fanzines, les invitaba al siguiente nº . En su mayoría aceptaban. La calidad de la revista la ponen sus colaboradores, yo me limito a editar e invitar a los autores. Publico toda la gente que contacto. Gracias al fanzine conocí a artistas muy buenos, con algunos llevo años escribiéndome por correo postal sin nunca haberles visto el careto. Es como el Myspace sin computadora y con sellos. Mientras haya gente dispuesta a dibujar en “¡Qué suerte!”, seguiré. Saco 500 copias fotocopiadas de cada número. Cuido la impresión de la portada en linóleo. Es un ejercicio llevadero económica y manualmente una vez al año. Cuesta tanto como sacar un single. Cobrar a las tiendas y conseguir una distribución decente es mucho más complicado, una parte del trabajo que tengo bastante descuidada. Puede parecer un fanzine marciano en el panorama nacional pero te aseguro que hay muchas cosas parecidas circulando por el mundo.

Por un lado eres editor pero también eres autor de muchos comics. El proceso de creación de una historieta de comic tiene una vertiente visual y otra narrativa ¿Qué tipo de historias son las que sientes necesidad de contar? ¿Está ese contenido narrativo presente en tus otras actividades creativas que no son en esencia narrativas?

Soy un mercenario de la historieta. Sólo dibujo por encargo, no tengo ninguna página inédita. Me ayuda que me den un tema concreto, así no tengo que preocuparme demasiado de buscar una idea. Los géneros tienen sus guiones típico-tópicos, sean de superhéroes, manga… todas las historias básicamente cuentan lo mismo. Cambia el personaje, puede llegar a cambiar la estructura narrativa pero los recursos siempre son iguales. Mi guión típico es de un personaje que pasea, cae, se levanta enfadado, cae otra vez y muere. No me van los finales felices. Si es para el Mondo Brutto lleno este guión de verborrea bruttesca y si es para el “¡Qué suerte!” se queda mudo. Quizás si un día me pasase algo tremendamente impactante cambiaría de guión. Con la música pasa lo mismo, los músicos del grupo son los personajes de las historietas y siempre solemos contar la misma historia, vía los 3 acordes básicos que el diablo enseñó a Robert Johnson en un cruce de caminos.

Además de todas esas facetas la actividad que resulta más conocida o al menos nos resulta más cercana es la puramente plástica. Además de los comics, las ilustraciones de encargos, lo de “El cartel”, no sé hasta que punto tienes una actividad como artista de estudio. Sé que haces los grabados de linóleo pero no sé hasta que punto los mueves, si expones mucho o poco en galerías o si te atreves con la pintura o trabajos en formatos más grandes. En otras palabras ¿Qué hay de tu actividad como artista plástico propiamente dicho?

Suelo exponer mis grabados en las exposiciones colectivas que me contactan, son fáciles de enviar por correo y bonitos colgados con una chincheta. También me gusta exponer los doorags (los instrumentos musicales que fabrico cortocircuitando juguetes) pero es mucho más difícil encontrar una galería interesada en una exposición sonora. El Cartel se expone en la calle, en su hábitat natural. Me gusta mucho trabajar con el neón, realicé un par hasta ahora. Es un formato que me fascina, mezclan tecnología, dibujo, escultura, luz y calle. Estoy abducido por las cruces de farmacia. Por desgracia son caros de producir y sólo puedo realizarlos por encargo. Cuando sea famoso os voy a cegar a todos.

Por la forma en que trabajas con los linóleos o cómo haces los Doorags parece que te gusta complicarte la vida. Esto me lleva a nada menos que a 3 preguntas.
La primera es doble: ¿Cuanto hay de artesano en el Olaf artista y cuanto de artista en el Olaf artesano?

Soy artesano antes que artista. Mi formación es técnica, aprendí a manejar maquinaria industrial y me acerqué al dibujo vía los planos técnicos. No soy buen dibujante pero bastante hábil con las manos, por eso procuro que la parte manual compense mi menor habilidad visual. Considero que los objetos que fabrico son mejores que los dibujos.

Y la segunda es múltiple: Me interesa mucho la manera en que diferentes artistas se enfrentan al proceso creativo. En tu caso: ¿es más importante el proceso que el resultado? ¿es un tipo de proceso impulsivo o planeado, racional o instintivo…?

En general me importa más la intención de una obra de arte que su resolución final. Por eso me fascina el arte bruto, donde los artistas crean su obra por necesidades e impulso. Una vez realizada, se acabó la obra, la parte contemplativa no incumbe al artista sino al público.

La tercera, parte de la segunda pero que merece capítulo aparte: Está claro que eres más amigo de lo analógico que de lo digital. ¿Revindicas lo analógico como valor en sí mismo o es por contrario una opción en cuanto al proceso?

Procuro no hacerle caso a las últimas tendencias, demasiados marketing e intereses en que utilicemos el último filtro del Photoshop. Entiendo que se pueda pensar que soy un aficionado a lo analógico porque utilizo técnicas de producción y de realización aparentemente en desuso, pero no estoy de acuerdo. Si te fijas en los doorags que fabrico, están hechos de objetos reciclados porque es más práctico, barato y divertido desviar su identidad. Pero el interior es ultramoderno, son los últimos micro-chips fabricados de manera masiva en China que suelo chapucear. Francamente, un ampli de válvulas, un disco de vinilo, suenan mucho mejor que un mp3.

Y ya por último una tanda de preguntas cortas finales:
¿Que andas haciendo últimamente?

Estoy practicando japonés. Me voy de gira a Japón con LCCD: Los Caballos De Dusseldorf (www.myspace.com/lcdd), sigo pegando carteles por las calles de Madrid y preparando el próximo nº Molécula del “¡Qué suerte!”

¿Algún plan para el futuro que nos quieras y puedas adelantar?

Este año quiero fabricar otro neón, publicar una nueva versión del manual “Coser y Cantar” (para fabricar los doorags) con más trucos, seguir tocando fuera del estado, encontrar un buen sello discográfico para el 2º disco de LCDD, grabar con Las Solex. Si todo eso se cumple en el 2008, habré trabajado lo suficiente.

¿Que proyecto no te han propuesto aún y quisieras que lo hicieran?

Más neones. Más viajes. Publicar otro libro tan bonito como aquel “Equilicuá” editado por Le Dernier Cri (www.lederniercri.org), por desgracia no abunda tanta buena editorial por estos lares.

¿Algún artista o iniciativa que quieras recomendarnos?

Visitar, aplaudir y bailar con Fela Borbone (www.myspace.com/felaborbone) si lo tenéis a vuestro alcance. Tomutonttu (www.kemiallisetystavat.com/tomutonttu/) dibuja unas portadas tan preciosas como la música y sus discos. Los tres comuneros Eltono, Nano4814, 3ttman no necesitan más publicidad pero pienso que si les reseño me invitarán a su próxima fiesta. Y visite nuestra web: www.olafladousse.com

Afortunadamente cuando uno pasa tanto tiempo sumergido en este mundo submarino hay ocasiones en las que parece que estamos en una diminuta pecera y otras en las que te quedas maravillado por la inmensidad del océano y las nuevas criaturas marinas que descubres. En uno de esos momentos en los que estaba en el ciclo pecera se me cruza en mi camino el libro “Neo Utopia: The art and work of Superblast” y descubro a este artista alemán cuyo trabajo me sonaba vagamente. Su trabajo anda a camino entre el Graffiti, pero desde una estética nada ortodoxa, a la chita callando y con cierta cercanía con la cultura Skate. Su planteamiento creativo-conceptual demuestra que Manuel (así conocen en su casa al tal Superblast) le ha dedicado un par de reflexiones acerca de lo que ocurre a su alrededor y en particular en las paredes de las calles que le rodean. No se trata de un descubrimiento que vaya a revolucionar las profundidades abisales pero lo cierto es que Superblast (www.superblast.de) es un artista que vale la pena conocer y este monográfico sobre su trabajo un libro de lo más majete. Ya está. Hoy tocaba una reseña pelín desenfadada. Y en serio: El libro no está nada mal.

Este libro está disponible en Subaquatica y también aquí en nuestra tienda online.

Evan Hecox (www.evanhecox.com) es un artista norteamericano cuya obra se caracteriza por presentarnos con una serie de sosegados retratos de paisajes urbanos y elementos de nuestro pasado reciente. Su técnica es elegante, su estilo refinado y su visión poética. Con una producción más cercana al diseño y sobre todo a la ilustración que a la pintura y encargos de marcas de Skate o del mundo de la música su trabajo tiene sin embargo más en común con fotógrafos de su generación que con ilustradores o pintores. No a modo de retrospectiva sino quizás sí de pausa para recopilar lo más significativo de su trabajo reciente “Urban Abstract” es el primer libro monográfico de cierta envergadura en torno a Hecox y resulta totalmente recomendable.

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Antes de nada ¿cuándo, cómo, dónde, por qué…. empezaste a hacer arte en la calle?

Empecé a pintar en la calle alrededor del 88 u 89 más que nada por conocer a los que hacian aquello en aquella época en Toronto. No entendía com o aparecían las firmas y todo el Graffiti de un día para otro sin que nadie les viera. Me intrigaba mucho y quise averiguar quienes eran.

Haces trabnajo “exterior” pero también haces esos grabados con linóleo y haces trabajo de estudio como el que muestras en tu página Flickr. ¿Es todo parte de un mismo discurso creativo o mantienes diferentes planteamientos fuera y dentro?

El trabajo exterior es a través del cual me interesé por el arte. A menudo encuentro el arte “interior” un tanto pretencioso y limitado a un público que tiene un interés inicial hacia el arte que se encuentra tras paredes, fuera del alcance. Cuando era más joven me intimidaba entrar en una galería. ME parecía un lugar tranquilo y especial pero en el que se hablaba un lenguaje que no podía entender en lo que se refería al arte o a lo que fuera, ese lenguaje intelectual de mierda que intenta explicar todo de una manera que no es comprensible para nadie que no tenga estudios universitarios en teoría del arte. Mi trabajo de estudio es pura práctica para el exterior. Me da dinero para poderme permitir liarla ahí fuera.

Sé que viajas mucho. ¿Dirías que tu arte es de alguna manera diferente de si te hubieras quedado en Canadá todo este tiempo?

Sí que viajo mucho. No se en este momento si mis viajes han aportado algún tipo de cambio positivo a mi arte. Me hace sentir desapego y perdido del sentimiento de pertenencia a un hogar y todo ello es una temática que ha estado muy presente en mi trabajo más reciente. Imagino que eso es bueno pero lo cierto es que he dejado de viajar tanto y me estoy intentando fijar en mi entorno, donde crecí y esta tierra extraña que es Canadá. Es de aquí de donde obtengo más energía que de cualquier otro sitio.

Y al final te vas a ir a Australia una temporada. ¿Cómo es eso?

En realidad lo he cancelado. ¿Quién querría renunciar a un viaje gratis a Australia? Bueno, pues yo lo he hecho..

Y por causa de todos estos viajes has colaborado con muchos otros artistas de un montón de lugares. ¿Que compartes con todos esos artistas?

Bueno, cuando viajo a esos paises pinto más en la calle y eso es algo a lo que no estoy tan acostumbrado. Soy sobre todo un pintor del sistema ferroviario de América del norte así que me da la sensación de hacer algo nuevo y diferente.

Justamente eres uno de los pocos artistas que conozco que no siguen un estilo muy al uso en cuanto al Graffiti y que está activo pintando trenes de carga. En ese mundo hay muchos escritores de Graffiti y no sé si sigue habiendo arte de vagabundos con ceras y tiza que viene siendo una tradición en aquel contienente (el llamado arte “Hobo” en trenes de carga) ¿Cómo te metiste en esto en primer lugar?

El sistema de trenes de carga norteamericano está repleto de arte, desde México a EE.UU. y Canadá. Las firmas y marcas de la tradición Hobo, que es una cultura que ha existido desde el siglo XIX como señal de las personas que viajaban de polizontes en trenes de carga o de los trabajadores ferroviarios, ya no tiene mucho espacio donde mostrarse excepto las esquinas de los vagones contenedores o en los vagones y trenes que no interesan a la gente que trabaja con spray. Yo me adentré en lo de pintar trenes hace 15 años en Toronto a través de un amigo al que les fascinaba como estos trenes viajaban miles de kilómetros por toda Norteamérica.

Tu uso del color puede llegar a dar una sensación positiva y vital en tu trabajo. ¿Es algo que buscas?

Bueno, sí que es muy colorido pero creo que la gente no aprecia del todo lo que intento ya que por lo general mi obra es hosca y dura. En los trenes no uso mucho el color. Me gustaría pero es difícil ver bien en la oscuridad de los andenes donde dejan los trenes por la noche.

En tu trabajo también veo abundantes personajes con cabezas desproporcionadas respecto a sus cuerpos. ¿Algún sentido que le podamos dar?

Imagino que es porque me gusta quedarme mirando fijamente a la gente. Me meto en lios por esto y el caso es que me gustan las expresiones faciales. No le presto mucha atención sin embargo a los cuerpos. Sólo me fijo en las caras cuando observo a la gente que pasa por la calle.

Hay un tema que me interesa en particular de todos los artistas y es cuanto de su infancia permanece en su identidad como artistas. ¿Qué porcentaje del niño dentro de ti dirías que hay en tu yo artista

Cuando pienso en la voz dentro de mí… bueno, esa voz interior me suena igual ahora que cuando era más joven así que imagino que es un 100% de quien soy ahora.

Como no soy artista siempre tengo la curiosidad de saber cómo son los procesos creativos, si son planeados de antemano o impulsivos, si lo importante no es el proceso sino el resultado, etc… ¿Cómo lo describirías en tu caso?

Bueno, los trenes hay que pintarlos rápido ya que no están parados mucho tiempo, están en un lugar oscuro y a veces se mueven de mientras los estás pintado o hay gente por allí. Todo eso entra en juego respecto de cómo es el resultado. Puede que llueva o que haya multitud de mosquitos. M i trabajo de estudio es más marathoniano. No hago otra cosa que pintar durante todo el día o como mucho mirar el e-mail y hablar con alguien pero de repente siento la necesidad y trabajo de manera intensa durante horas hasta que tengo que parar para hacer otra cosa. Me lleva mucho tiempo acabar una pintura. Es un proceso que me deja un tanto agotado mentalmente, al contrario de la libertad que siento pintando fuera.

¿En qué has estado trabajando recientemente?

Lo mismo de siempre.

¿Y algún proyecto a la vista interesante que nos puedas contar?

Bueno, He recibido una beca del gobierno canadiense para hacer un libro en una tirada muy pequeña, de 100 ejemplares, a mano. Un proyecto muy laborioso. Eso y pintar trenes.

¿Algún proyecto que quisieras hacer pero que aún no has podido o no te han ofrecido?

Me encanta pintar murales enormes pero rara vez tengo la oportunidad.

¿Quieres recomendarnos algunos artistas que creas que nos puede interesar?

No soy un gran fan del arte… Rara vez consigo inspirarme por algo visual, la música es mucho más interesante.

El jueves 8 de mayo de 2008 justo hizo 5 años que inauguramos Subaquatica. Aquel 8 de mayo de 2003 apenas hacía unos meses que habíamos empezado a acondicionar el espacio de c/ Caballero de gracia 9 y abrimos un tanto en precario. A lo largo de estos años hemos ido haciendo pequeñas mejoras tanto en el espacio como en otros aspectos, en parte acercándonos a la idea que teníamos y en parte dejando que la criatura fuera tomando vida propia.

Con motivo de este quinto aniversario hemos preparado una exposición colectiva en la que participan muchos de los artistas que o bien colaboraron de alguna manera con nosotros durante este tiempo o bien nos resultan cercanos por algún motivo. A cada participante se le ha pedido que comprara una postal de la ciudad en la que vive y que nos la enviara tras haberla personalizado interviniendo sobre ella como estimase oportuno. Como no estarán firmadas por delante nadie sabrá que artista es el autor de cada postal salvo que reconozca su estilo (lo que en muchos casos será inevitable). Entre los artistas que participan: Eltono, Rinzen, Jon Burgerman, Boris Hoppek, Nano4814, San, Remed, Troy Lovegates “Other”, Influenza, Suso33, Neasden Control Centre, Rubenimichi, Sean Mackaoui, Ezba, Derrick Hodgson, Fefe Talavera, SpY, Zosen, Microbo, Bfree o Serial Cut además de muchos otros.

Hemos incluido en esta exposición, además de las postales que hemos recibido, una selección de nuestra colección con piezas que han pasado por Subaquatica durante estos años y que hemos comprado para nuestra colección particular (y que no estarán a la venta).

Para nosotros es una ocasión especial ya que no ha sido fácil llegar a cumplir estos 5 años de andadura pero si lo hemos hecho ha sido gracias a todos vosotros por lo que os invitamos a que compartáis con nosotros esta exposición.

¡Ah! y cuando pasen las celebraciones volveremos a la normalidad y nos pondremos al día con esta web con la entrevista al artista del mes. Un poco de paciencia.

El número de artistas y propuestas de arte en la calle se ha multiplicado por todo el planeta de una manera especialmente intensa durante la última década y sobre todo en su segunda mitad. Durante este último lustro de manera paralela han ido publicándose un importante número de títulos, de desigual interés, sobre este fenómeno que se ha dado en llamar el Street art y aquí, en Subaquatica, os hemos ido dando cumplida noticia de aquellos libros que nos parecían más interesantes. Parece que ha llegado un punto en que es difícil aportar algo nuevo a esta selección de publicaciones, por mucho que por diferenciarse las nuevas propuestas editoriales se ciñan a paises, ciudades, artistas o estilos concretos.

Aún así, nos tomamos la molestia de echar un ojo a las diferentes novedades que van apareciendo en el mercado y lo cierto es que hace poco han sido publicados dos títulos que complementan lo ya existente. Acotan su contenido a un sitio o a una mirada hacia delante. Se trata de “Urban Art Photography” y “Street Renegades”.

El el caso de “Urban Art Photography” nos encontramos con un libro que de un primer momento no llega más lejos de lo que el título ofrece: Fotografías de arte en la calle. Pero el interés, el elemento que dota de interés al libro es la manera en la que aporta una importante cantidad de fotografías de las calles de un lugar que se ha llegado a convertir en parada obligatoria para todo “artista callejero” que se precio: Berlín. La capital alemana, sin duda como efecto de tantos años como reducto bohemio de la antigua Alemania occidental, aún retiene cierto aire de libertad y apertura a las propuestas artísticas. Como consecuencia de ello son muchos los artistas locales e internacionales, procedentes del Graffiti o adscritos a la libertad de técnicas y estilos, que han dejado su marca allí. Y este libro aporta una importantísima cantidad de fotografias que documentan el efecto de estas intervenciones en Berlín durante los últimos años que no será fácil de encontrar de otra manera.

“Street renegades” nos propone una mirada al arte en la calle maduro, consciente del entorno, que transciende a la bidimensionalidad de pegatinas y posters para ir más allá. Se ofrecen textos y fotografías del trabajo de una selección de artistas o colectivos cuyo discurso va más allá de las primeras impresiones y pone en verdadero valor el espacio en el que se enmarca: Eltono, Faile, Influenza, Invader, Samuel François, Dan Witz, Truth, Thought Police, Mark Jenkins, Graffiti Research Lab o Adam Neate entre otros. Entre ellos viejos desconocidos, nuevas pistas que seguir y una selección tan discutible como cualquier otra pero en resumen un libro que mira hacia adelante.

El libro “Urban Art Photography” está disponible en Subaquatica y también aquí en nuestra tienda online.

El libro “Street Renegades” está disponible en Subaquatica y también aquí en nuestra tienda online.