Stephan Doitschinoff aka Calma

30/4/2006

Stephan Doitschinoff aka Calma (www.stephandoit.com.br) es un ilustrador, pintor y artista urbano de São Paulo (Brasil) que tuvimos la ocasión de conocer hace un par de años durante nuestra visita a aquella inquietante y apasionante ciudad. Ya por entonces era un artista solicitado para eventos, exposiciones, marcas… pero desde entonces su carrera internacional ha despegado de un modo imparable. Durante estos últimos años, Stephan no ha parado de viajar a Estados Unidos y Europa para participar en multitud de proyectos haciendo que su personalísimo universo visual, poblado de referentes religiosos y frases en latín, empiece a ser reconocido en todo el mundo. Por tan solo mencionar dos de los más recientes hitos en su trayectoria profesional, podemos destacar que el conocido grupo musical Sepultura le ha encargado una serie de ilustraciones para su más reciente trabajo discográfico y la prestigiosa revista americana de arte Juxtapoz ha dedicado toda una página de su último número a reproducir un cuadro del artista con el que éste participó en la reciente colectiva de aniversario de la también destacada galería californiana BLK/MRKT Gallery. Aprovechamos para anunciaros que Stephan realizará una exposición en Subaquatica a primeros del 2007 y, mientras tanto, hemos mantenido con él una entrevista en la que nos habla de su trabajo y momento actual.

¿Cuándo, dónde, cómo y por qué empezaste a realizar trabajos en la calle?

Comencé en São Paulo cuando tenía 14 o 15 años haciendo plantillas con motivos relacionados con la estética Punk-Rock como las barras de Black Flag y posteriormente con mis propios dibujos. En aquel momento todo lo que me importaba era el Skate, tocar con mi grupo y pasarlo bien o coger un bote de spray y salir a bombardear con plantillas, por ejemplo, con palabras totalmente aleatorias.

São Paulo es una ciudad con una larga tradición, primero a través del Pixação y más tarde con escritores de Graffiti como Os Gemeos o recientemente con artistas urbanos que usan otras técnicas como tú que usas pósters y plantillas, que también trascendéis y sois conocidos fuera de Brasil.
Déjame que te pregunte un poco por SP:

¿Piensas que, a pesar de que muchos artistas de allí sois conocidos en otras partes del mundo, la gente que no ha estado allí se hace cargo de cómo es la situación y lo especial que es esa ciudad?

“Ars Mori” 2004. Técnica mixta sobre pared. Porto alegre, Brasil.

No estoy muy seguro pero imagino que es difícil hacerse una idea precisa sin haber ido. ¿Cómo se puede explicar el ambiente que hay en el mundillo artístico? Hay que ir y verlo por uno mismo.

Y a ti en particular, ¿cómo crees que ha afectado en tu obra esa ciudad y de qué manera esperas afectar tú a la ciudad y a sus habitantes con tus intervenciones en la calle?

Creo que São Paulo me ha influenciado muchísimo. Es donde crecí y donde están mis raíces. Desde los pixos al Candomble y la cultura Umbanda hasta el Museo de Artes Sacras (uno de mis lugares favoritos de la ciudad) o la escena Punk/Hardcore local y por supuesto mis amigos. No sé si realmente espero afectar con lo que hago la ciudad o sus gentes pero me alegra mucho cada vez que veo que obtengo una respuesta positiva.

“Help Me!!!”. 2006. Técnica mixta sobre frigorífico Electrolux. Instalación en Contact Theater, Manchester, RU.

Últimamente has participado en muchas exposiciones por todo el mundo y has tenido muchos encargos pero, volviendo a tus orígenes, ¿cuando dirias que te empezaste a plantear o a sentir que podrías tener un futuro profesional como artista?

Fue en el año 2000 cuando, tras dejar mi trabajo de entonces, decidí que podía ganarme la vida como ilustrador. Por supuesto, tenía miedo a fracasar y tener que trabajar en una oficina otra vez. De hecho tuve que coger algunos trabajos en sitios como un autolavado y un supermercado. Pero es una sensación muy diferente cuando tienes un trabajo así pero sabes que no es más que una manera de salir adelante mientras estás intentando que diferentes clientes miren tu portfolio y conseguir encargos como ilustrador.

En tu trabajo hay siempre presente una serie de elementos muy religiosos, ¿me podrías decir de dónde vienen?

Crecí en un ambiente religioso muy estricto ya que mi padre era un pastor protestante y me crié pasando mucho tiempo en la iglesia y se suponía que tenía que estar siempre allí, ir a los campamentos religiosos de verano y todo ese tipo de cosas. Era una situación muy dura ya que estaba sujeto a todo tipo de reglas y a mucha presión. No pasó mucho antes de que decidiera rebelarme contra todo ese control y esas ideas y cuando tenía alrededor de 14 años empecé a ir mucho con los skaters de mi barrio y a interesarme por el Punk y el Skate o también los comics underground. Fue entonces cuando vi el trabajo del dibujante de cómics brasileño underground Francisco Marcatti y me interesé por primera vez por el dibujo de cómics como posible carrera.

A veces tu obra parece mostrar una visión muy oscura de esa imaginería religiosa. ¿Es tu trabajo crítico con la religión? ¿Te consideras una persona religiosa o espiritual?

“Todo es vanidad”. 2005. 60 x 60 cm. Técnica mixta sobre lienzo.

El arte religioso me inspira muchísimo. Desde Ars-moriendi a las imágenes del Budismo tibetano o el Vudú, todas las iconografías simbólico-espirituales y el arte mitológico siempre han sido para mi una verdadera pasión y mi principal influencia. Y en cierta manera es eso lo que intento hacer yo también. Y sí, me considero una persona espiritual y parte de lo que ves en mi trabajo es crítico sobre todo con la comercialización de la religión y cómo el poder espiritual mantenido por las iglesias es usado para controlar a la gente e incluso apoyar gobiernos corruptos.

En uno de tus cuadros, “La anunciación”, hay dos personajes. Imagino que uno es una virgen y el otro un ángel o arcángel pero entre ambos se aprecia una actitud perturbadora por ejemplo por la manera en que el ángel muerde la mano de la virgen o elementos como la espada que atraviesa su cabeza, el diamante y el nombre “Abraxas”, una deidad dual, buena y mala a la vez. Todo ello parece indicativo precisamente de esa misma dualidad presente no ya en la naturaleza humana sino también en el ámbito de lo divino como si todo positivo tuviera que tener su contrapartida negativa. Parece una visión desmitificadora y crítica, quizás con la hipocresía de las iglesias. ¿Podrías darme tu interpretación?

“La anunciación”. 2005. 60 x 60 cm. Técnica mixta sobre lienzo.

Claro. Empezando por el mensaje que trae el angel Abraxas: “Lasciate orni mediocritá” que en latín significa “Deja atrás tu mediocridad”. Se cree que Abraxas es el nombre de un dios que sintetizaba la maldad y la bondad, el mito de la naturaleza dual de lo divino. Abraxas ha sido, como otras “amenazas paganas” como las diosas o Bafomet, declarado por la iglesia como manifestación de Satán y por tanto ha acabado por desaparecer de la cultura popular. En “La divina comedia” el ángel aparece cada vez que uno ha pagado por sus pecados y está listo para pasar al siguiente nivel del purgatorio, como metáfora de que se han dejado atrás maneras de pensar mediocres. La dificultad en dar este paso y desechar elementos de uno mismo es lo que se muestra con la virgen sosteniendo con fuerza el pájaro de la culpa, la vergüenza y la frustración. El mensaje y presencia del ángel proyectan su sombra (sombra en el sentido psicológico) y revelan el diamante, que representa el camino hacia el alma, y que es el objeto de la anunciación. Es la manera de expresar que la vía para encontrar la iluminación sería encontrar, aceptar e incorporar la sombra para encontrar el huevo de luz.

En otra de tus pinturas “Parrilla espiritual/Buffet libre de hostias de carne” pareces mostrar una imagen de Cristo también rodeado de elementos opuestos y contradictorios como lo trágico y lo cómico, lo místico y lo corpóreo. Estas combinaciones que chocan al ser observadas parecen también tema común en tu obra. Quizás podrías hablar un poco sobre esto.

“Parrilla espiritual/ Buffet libre de hostias de carne”

Esta pintura es sobre la apropiación indebida y la comercialización de los ancestrales rituales sagrados, en este caso el ritual de la comunión, referente a comer el cuerpo de Cristo. La mitología cristiana ha tomado este acto de comer la entidad sagrada de religiones más antiguas como una manera de incorporar el espíritu del dios al cuerpo humano mediante este ritual. La pintura muestra a Jesús como un toro listo para ser troceado para la barbacoa y en las frases que le rodean se lee “ex gutta melis, generatur flumina fellis” (como una gota de miel que generó un río de bilis). Así, de la gota de miel original, esto es, Cristo y la idea cristiana de amor incondicional, respeto y altruismo, viene el río de bilis, es decir, la iglesia que representa cientos de años de genocidio, mentiras, la inquisición, etc…

Has realizado también muchos trabajos de encargos, normalmente ilustraciones, para diferentes grupos y artistas musicales, recientemente para Sepultura. ¿Cómo te planteas tu trabajo en estas ocasiones y de qué manera la propia música condiciona tu trabajo?

Normalmente le pregunto al grupo acerca de su concepto para el disco, si es que lo hay. Para el disco de Sepultura el LP estába inspirado en “La divina comedia” de Dante así que estudié los tres tomos e investigué acerca de la vida de Dante y su época. En otros casos, como cuando trabajé para el grupo Saves the Day, Chris (el cantante y autor principal) me escribió un e-mail larguísimo explicándome cómo sentía y sobre qué trataban las canciones.

“Paraíso de la droga”. 2005. 60 x 60 cm. Técnica mixta sobre lienzo.

Da la impresión de que tienes mucho trabajo de este tipo. Encargos, ya sean de discográficas, marcas, tiendas… y si comparamos esa obra con la que haces para galerías y demás no parece que cuando se trata de trabajos de encargo haya excesivas diferencias. Imagino que es debido a que tienes mucha libertad por parte de los clientes para hacer lo que te parezca adecuado. Quería que me explicaras si es así y dónde crees que reside la clave para obtener esa libertad que muchos otros artistas se quejan de no conseguir.

No se cuál es esa clave, pero elegir con cuidado a los clientes y en qué punto te quieres situar es un buen comienzo. En realidad soy muy afortunado de trabajar con gente que me dé esa libertad creativa pero creo que en general hay bastante libertad en la industria de la música. Los músicos gozan de libertad a la hora de escribir y tocar su música así que si les gusta lo que haces te dan esa misma libertad. Cuando se trata de un trabajo con una marca, y normalmente en estos casos es a través de una agencia de publicidad, trabajas con gente que se dedica a ser creativa visualmente y que por lo general ya sabe lo que quiere cuando habla contigo.

Has estado viajando mucho durante los últimos años, después de que nos conociéramos y has estado exponiendo en BLK MRKT en California, en NY, en Pittsburgh y recientemente en Manchester. ¿Cómo piensas que todo esto te está afectando no tanto a nivel profesional sino creativo, comparado con cómo hubiera evolucionado tu obra si te hubieras quedado en SP todo este tiempo?

Sí que imagino que todo esto me influencia pero todavía no sabría decirte cómo. Lo que si puedo decirte es que ha sido un gran honor exponer mi trabajo junto al de artistas de los que he sido un fan desde hace tiempo, Espo, Kinsey o Tiffany Bozic.

Aunque Internet parece jugar un gran papel haciendo que la información circule más rápido y uno podría pensar que esto hace que las diferencias culturales entre unos lugares y otros tienden a disminuir, me gustaría saber qué diferencias ves entre el mundo del arte más urbano, joven y alternativo en Estados Unidos y Europa, y dónde encajan Brasil y Latinoamérica.

“Salud mental” 2006. Técnica mixta sobre puerta. Manchester, RU.

Las “maquinarias” del arte europea y americana parecen funcionar bastante bien, incluso en lo que se refiere a la escena del arte más urbano o “lowbrow”, ya que esta escena tiene presencia en galerías e incluso museos y en los medios de comunicación, pero si lo comparas con Sudamérica allí todo es aún muy underground y la escena es más pequeña aunque sí que hay mucha gente haciendo cosas y moviéndose.

¿Cómo surgieron todas estas oportunidades para participar en exposiciones y en qué manera piensas que te ha sido mucho más fácil ese salto internacional a pesar de las distancias por haber estado presente en webs como woostercollective.com? ¿Cómo piensas que Internet ha cambiado la manera en que un artista se relaciona con el mundo del arte y con su público?

Sí que se puede decir que a mí me ha ayudado mucho, especialmente haciendo que las distancias no sean un problema. Viviendo en Brasil todo parece estar muy lejos. Hay además una barrera económica muy importante. Por ejemplo, un billete de avión comprado en Brasil para ir a Europa o EE.UU. es mucho más caro que al revés y además está toda la problemática para conseguir visados y todo eso. A través de mi propia web y otras webs que me han apoyado como Wooster, Shift Japan, BrasilInspired y Ekosystem he tenido la oportunidad de contactar con artistas y galerías de otros países.

“Ani Aeurora, Diosa del sexo y la leche”. 2005.

¿Algún proyecto nuevo que nos puedas adelantar?

Bueno, ahora mismo estoy trabajando en una serie de lienzos para la exposición “All Star Hustlaz” en la galería White Walls Gallery (SF) y también en nuevos trabajos para exposiciones en Melborune y Berlín.

¿Y algún proyecto que quieras hacer pero que aún no te hayan propuesto?

Quiero pintar un barco enorme y dejar que navegue por el océano.

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