Archivo de: June, 2006
Apenas a 5 minutos del centro de Manhattan, al otro lado del Queens Midtown Tunnel, se sitúa el barrio conocido como Long Island City. Para poder acceder a él basta tomar las líneas E, V o 7 de metro y a una sola parada ya estamos allí. Si tomamos las dos primeras, iremos por el subsuelo sin ver lo que sucede por encima de nosotros, pero si tomamos la línea 7, una vez atravesado el túnel las vías salen a la superficie y si esperamos dos paradas más la vista desde el metro elevado es espectacular… Llegando a la estación de 45th Road-Court House Square, el metro pasa por encima de un edificio literalmente cubierto de Graffitis. La vista impresiona bastante, Manhattan se recorta al fondo con el East River y por un momento solo se ven Graffitis y en ocasiones grupos de chavales en los tejados con escaleras y andamios para poder llegar a sitios de otra manera inalcanzables.
Este edificio recibe el nombre de 5 Pointz, nombre tomado en honor a los cinco “boroughs” de NYC: Manhattan, Bronx, Queens, Brooklyn y Staten Island. 5 Pointz empezó a funcionar bajo este nombre en el año 2001 cuando tomó cargo de su mantenimiento y gestión Jonathan Cohen, más conocido por Meres. No obstante la historia de este edificio se remonta unos cuantos años atrás, a mediados de los anos 90, cuando Pat DiLillo, encargado de eliminar Graffitis en los establecimientos que así se lo requerían, se dio cuenta de la perdida que suponía para el mundo del arte en general eliminar estas piezas de arte urbano. Así decidió pedir “prestadas” al dueño algunas de las fachadas cuya limpieza le había sido encomendada para permitir a los artistas del Graffiti poder terminar sus obras e incluso desarrollar proyectos que pudiesen ser conservados. De este modo los artistas adquirían espacios donde pintar y el edificio prestigio y publicidad al convertirse en uno de los centros principales de peregrinaje del mundo Graffiti en la ciudad. Nace así “The Phun Factory”, un proyecto que duró un total de 6 años, de 1994 a 2001, año en el que tras una disputa con el dueño del edificio, Pat DiLillo decide dar por terminado y cerrar un proyecto que llegó a recibir una media de 20 chavales por semana en invierno y de 100 a 150 en verano. Es en ese año cuando Meres toma el cargo y así se inician una serie de cambios. En primer lugar el espacio cambia de nombre y pasa a llamarse 5Pointz. La selección de artistas también se ve afectada; Meres, con 20 años pintando en las calles neoyorquinas, atrae a un tipo diferente de artistas y público que Pat, que no pertenecía a la escena artística sino que actuaba como mero mecenas.
Por otro lado Meres llega a diferentes acuerdos con el dueño del edificio para la adquisición total de todas las fachadas, de arriba a abajo, y no solo de una parte, dando así mayor cobijo a un mayor numero de artistas. Las cosas no son fáciles a pesar de todo, pues algunos de los propietarios de los loft interiores, artistas en su gran mayoría, sorprendentemente, están descontentos con las pintadas y empiezan una serie de disputas, con policía incluida, y por unos meses el proyecto vuelve a pararse. Después de 6 meses de parón, acuerdos y dolores de cabeza, Meres decide retomar el edificio y convertirlo en el proyecto que es hoy en día.
Y, ¿en qué consiste exactamente el proyecto 5Pointz? Entre otras cosas el proyecto reúne a una media de 15 a 20 chavales que cada domingo, de 12 a 3 de la tarde se acercan allí a aprender nuevas técnicas con el aerosol a la vez que ayudan a Meres a reconstruir todo el espacio, repintando fachadas, limpiando antiguas pinturas, vigilando la zona… La duración total de estas clases es de cuatro semanas y luego los chavales rotan y se unen al grupo nuevos alumnos. Los más aventajados tendrán un lugar especial en futuros proyectos con Meres. Por otra parte está la oportunidad de pintar allí para cualquiera que así lo solicite. Esa es una de las normas en este edificio, todo el mundo está invitado siempre y cuando pida permiso, si alguien empieza a pintar y no ha obtenido el consentimiento de Meres, el Graffiti será borrado inmediatamente.
En verano se organizan barbacoas y se instala un suelo de linóleo para bailar breakdance, y algunos de los más reconocidos escritores de Graffiti vienen a firmar libros y a estar con los chavales. Aquí viene gente de toda Nueva York y no solo de allí sino también de Holanda, Louisiana, California… Cada vez más este lugar va adquiriendo prestigio y revistas como Glamour o grandes firmas como H&M han empezado a introducir en sus páginas artículos sobre él o a incluirlo en sus catálogos como fondo. A su vez, 5Pointz se encuentra a apenas tres pasos del P.S.1, hermana rebelde del Museum of Modern Art (MoMA), donde van a parar las obras mas vanguardistas del famoso museo. 5Pointz está negociando organizar exposiciones con las obras más emblemáticas del edificio y así dar un mayor respaldo informativo a toda la gente que está contribuyendo a que este proyecto sea algo pionero y emblemático dentro de la escena Graffiti.
Patricia Yague
28/6/2006 01:26am
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La revista Cream es una de las muchas y variadas facetas del trabajo del colectivo de Hong Kong Silly Thing. Su número más reciente, el correspondiente a la primavera de 2006, es un volumen especial monográfico dedicado a la marca de moda japonesa Under Cover. La edición es un verdadero lujo, con tapas duras forradas de terciopelo bajo una sobrecubierta blanca impresa en su reverso, canto dorado, separata en sobre cosido…. y realmente estamos más ante un libro que ante una revista ya que además de lo sofisticado de su presentación este número no lleva secciones fijas ni publicidad, ni ningún otro contenido no referido a Under Cover. Esta marca es la creación del diseñador de moda Jun Takahashi, conocido hoy en dia a traves de sus diseños bajo este nombre pero con una trayectoria vital que incluye la creación de una marca de camisetas, Nowhere, en sus años de estudiante de moda, nada menos que con Nigo (propietario y creador de la marca de culto A Bathing Ape) de socio, su pertenencia al famoso grupo Tokyo Sex Pistols o sus proyectos de arte con el artista Madsaki.
Este libro está disponible en Subaquatica y también aquí en nuestra tienda online.
25/6/2006 11:11pm
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Blu comenzó su carrera artística sin un rumbo determinado, simplemente siguiendo su pasión por el dibujo, el arte en la calle, especialmente el no autorizado. Su trabajo se desarrolla en dos etapas y espacios: Se origina primero en forma de bocetos en su bloc de trabajo, una especie de diario artístico pero también el contenedor de los dibujos que sirven como esqueleto de su trabajo en una segunda fase: el mural. El verdadero trabajo comienza delante de un edificio, con los elementos de la pared a la que se enfrenta en un esfuerzo en conseguir una continuidad entre su trabajo pictórico y la arquitectura que lo rodea. Blu se dota de las herramientas tradicionales y esenciales: brochas, rodillo, pértigas, uno o dos colores (a menudo sólo blanco y negro)… y a menudo toma prestadas técnicas del mundo de la escenografía. El lenguaje adoptado es el propio de un dibujante, con influencias de los comics o el mundo de la animación aunque asume de manera evidente algunos de los parámetros conceptuales del Graffiti. El trabajo finalmente, es efímero en el mural, que acaba siendo borrado o sencillamente va deteriorándose, pero permanece en papel. Blu trabaja y vive en Bolonia (Italia) y ha preparado para su exposición en Subaquatica, bajo el título genérico de “La nada”, una serie de dibujos inéditos hasta la fecha en la que se aprecia su infinito mundo interior.
Más información sobre el artista aquí: www.blublu.org
22/6/2006 05:29pm
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Desde su llegada a Nueva York en 1979, el artista holandés Ari Marcopoulos ha tenido la habilidad de introducirse en las escenas culturales más alternativas de aquel país y capturar con sus fotografías a los personajes claves del mundo del Skate, el Snowboard, el Hip Hop… Pero su mérito no se reduce a coleccionar retratos de nombres que posteriormente serían célebres y que van desde Basquiat a los Beastie Boys sino a su mirada en profundidad sobre los aspectos menos visibles de la sociedad del país que le acogía.
El reconocimiento que se merece comenzó a concretarse con su exposición de 2002 en el Whitney Biennial y desde entonces se ha plasmado también en las más recientes muestras “Even the President of the United States Sometimes Has Got to Stand Naked” celebrada entre octubre de 2005 hasta enero de 2006 en el PS1/MoMa de NY o la más reciente “Flow” en el espacio MU de Eindhoven. A raiz de cada una de estas exposiciones se han publicado sendos catálogos que hemos recibido en Subaquatica. El primero, “Even the President…” se desvía del trabajo habitual de Marcopoulos y se centra en retratar el modo de vida de la familia americana contemporánea fuera también del habitat al que nos tiene acostumbrado (la ciudad). “Flow” por su parte muestra una selección restrospectiva del trabajo del fotógrafo, principálmente de sus retratos, incluyendo fotografías de entre 1986 hasta la actualidad.
Estos libros están disponibles en Subaquatica y también aquí en el caso de “Even The President….” y aquí en el caso de “Flow” en nuestra tienda online.
21/6/2006 10:42am
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Afortunadamente cada vez es más frecuente la presencia de artistas procedentes del arte en la calle en galerías y centros de arte madrileños. En esta ocasión la sala Cruce en la calle Doctor Fourquet nos presenta una exposición colectiva, de la que te hablábamos hace unos días anunciando su inauguración, con la presencia de tres habituales: Nuria, Nano4814 y Eltono y dos visitantes galos: Olivier Kosta-Théfaine (aka Stak) y Samuel François (aka Sam, del colectivo Inkostruction). Cada uno de los artistas ha definido su propio espacio dentro de la galería, principalmente mediante la elaboración de obra in situ.
Nada más entrar, la ciudad, como temática omnipresente, nos recibe en forma de una maqueta de papel y madera de Samuel François en la que una diminuta casa unifamiliar, iluminada (y por tanto imaginamos que habitada), ha quedado totalmente rodeada por grandes edificios. Una sencilla pero efectiva metáfora del conflicto entre la expresión individual y la alienación en la urbe (un suponer, vaya). Junto a la maqueta, una serie de diminutos dibujos completan la aportación de este artista francés en una zona de la pared que él mismo ha decorado con infinidad de pequeños círculos de colores. Enmarcados pero con los cristales protectores rotos, los dibujos, de colores vivos presentan otro contraste entre lo bello y lo vandálico.
Samuel François
Justamente el vandalismo parece ser la línea conductora del trabajo que en el piso superior ha realizado su compatriota Stak. Su particular visión de la vertiente plástica de dicho vandalismo se hace con un lugar en esta muestra a través de la elaboración de un rosetón en el techo mediante la técnica habitual en cuartos de baño del dibujo “al mechero”, ennegreciendo las zonas afectadas o también con la conseguida instalación de botellas de cóctel molotov pintadas de colores. Su visión irónica del lado más gamberro y destructivo de las sociedades urbanas contemporáneas se complementa con un icono de la cultura hooligan y la reivindicación de lo periférico mediante la bufanda de un equipo de fútbol ficticio que ha elaborado con el nombre de una ciudad dormitorio de las afueras de París.
Olivier Kosta-Théfanie
Olivier Kosta-Théfanie
En esta ocasión Tono y Nuria se han mostrado más visuales que en recientes ocasiones. En lugar de optar por la referencia directa o documental a su trabajo exterior han querido manifestar su necesidad de usar soportes texturados y con una funcionalidad original diferente a la de ser pintados. Para ello han tomado de la calle un elemento tremendamente interesante: La caja de madera usada para el transporte de frutas. Decoradas normalmente con motivos de colores y resultando casi una anomalía temporal al estar hechas de madera, estas cajas suponen un adecuado substituto de los espacios que la pareja de artistas gusta de intervenir en las calles. Claro está, tras ser recicladas y trasladadas al interior conformando un poliedro a cuyo interior vacío nos podemos asomar y que ha sido pintado en su exterior por los dos artistas.
Eltono y Nuria
Nano4814 es quizás de todos ellos el que ha definido de forma más clara su espacio, que, ya de entrada, queda “vallado” por una pared de tablones de madera extraídos del paisaje visual de este artista y franquean la entrada a dicho universo. El resto de elementos resultan familiares al conocedor de la obra de Nano: Señores barbudos, caras con pasamontañas, dedos cortados, brazos anudados… Eso sí, en una variedad de técnicas en dos y tres dimensiones que van desde los elementos en tela a la pintura mural y entre las que destaca, por su novedad, la composición mediante botes de spray. Da la impresión que a Nano4814 el espacio-tiempo se le queda pequeño y que los tablones rotos muestran un mundo deseoso de salir.
Nano4814
Nano4814
Nano4814
Lo dicho: Hasta el 15 de Julio en Cruce (Doctor Fourquet 5, Madrid. Metro: Atocha)
17/6/2006 12:08pm
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