Archivo de: July, 2007

Steven Harrington

Este mes nuestro artista invitado es el diseñador e ilustrador californiano Steven Harrington (www.stevenharrington.com). Debido a su iconografía vitalista, colorida y con un aire setentero se podría decir que Harrington es un idealista con un estilo retro que quizás se aleja de los tiempos agridulces que corren para la vida y el arte pero en Subaquatica vemos la obra de este artista como algo treméndamente refrescante y hemos decidido entrevistarle.

Antes de nada, ¿Porqué, dónde, cómo… acabaste por ser un artista?

Tengo distintas teorías. Puede que empezara el día en que me dieron mis primeras ceras de colores o quizás fue el arbol de imprenta casera que hice cuando tenía 5 años. Siempre me gustó construir imágenes y jugar con los colores y por algún motivo he seguido haciéndolo, incluso en secundaria o en el instituto y hasta llegar a decidir tomármelo en serio en la universidad. Se puede decir que fue entonces cuando se hizo realidad. Conocí a Justin Krietemeyer en la facultad de bellas artes y poco después de acabar montamos (www.nationalforest.com), un estudio de diseño en el que colaboramos y nos especializamos en dirección de arte y diseño editorial. Con National Forest estoy muy ocupado pero aún así, de alguna manera, consigo encontrar tiempo para trabajar en mi obra artística personal, grabados y demás. Ha ido ocurriendo todo de una manera natural.

Parece que mucho de tu mundo visual sale de tu infancia. Y diría que hay influencias de los 70 o de la era hippy y psicodélica. ¿Qué hay de ello en tu obra?

Mi infancia ha tenido una influencia enorme en mi trabajo personal. Constantemente me encuentro a mi mismo explorando mis archivos de memoria para sacar ideas e inspirarme. Creo que la gente más joven tiene la habilidad natural de ver el mundo animado que nos rodea: Se relacionan con los objetos como si tuvieran personalidad y estuviesen vivos. Luego te enseñan justo lo contrario: La madera está muerta, la fruta no respira, el viento no es una persona… los únicos seres relevantes son los humanos. Supongo que ando buscando la manera de volver a pensar como lo hacía cuando era más joven. Quiero volver a ver el mundo como era antes de que me enseñaran que la razón, la lógica y la ciencia eran las que explicaban todo en el universo. Me parece que en algún momento la cultura occidental ha perdido la noción del fuego, las montañas, el agua, las piedrs y toda la naturaleza como un todo, un organismo dinámico y vivo.

Y también hay una serie de elementos que aparecen de manera recurrente en tu obra: triángulos, círculos, cuadrados, guiños, animales… Supongo que quieres que cada cual aporte su propia interpretación pero ¿podrías darnos alguna pista del significado que todo ello tiene para tí?

Me gusta utilizar una iconografía recurrente. Los triángulos, círculos y cuadrados son fáciles. De acuerdo con Ed Emberly, todos los elementos visuales parten de estas tres formas básicas y yo estoy de acuerdo con él. Y en cuanto a las otras cosas, me gusta darme a mi mismo tiempo para desarrollar y explorar ideas de lo más sencillas. Muchos de los elementos que uso tienen mucho que ver con la multiplicidad. Una pieza de un puzzle representa la conectividad y la comunidad porque su identidad se forma cuando se conecta con otra pieza. Un guiño es una expresión con diferentes significados dependiendo del receptor, del emisor y del contexto en que se da. Un círculo, un cuadrado y un triángulo significan mucho más juntos y formando formas más complejas que por si solos.

Me he dado cuenta de que no sólo hay muchos animales en tu obra sino elementos de la naturaleza en general. No se si vienes de una zona rural pero ahora vives en Los Angeles, una megaurbe. ¿Cómo es tu relación con esa dualidad urbano-rural y como se refleja en tu trabajo?

Crecí yendo mucho de camping con mis padres a sitios como Big Sur, Yosemite, San Elijo, El Capitan… casi todos los parques naturales de California así que me encanta la naturaleza y la el aire libre. Pero no te hagas una idea equivocada, las zonas urbanas tienen mucho que ofrecer en cuanto a cultura: arte, música, cine… Aunque me gusta vivir y trabajar en Los Angeles preferiría rodearme de cielo, montañas, océnano y bosques. Me resulta más agradable y es por eso que todo ello aparece en mi trabajo.

Imagino que podrías decir que eres un artista aunque fuera tan sólo porque te definieras como tal pero también porque realizas trabajo creativo puramente personal y lo muestras en galerías de arte. Por otro lado tienes el estudio de diseño National Forest, con tu socio Justin Krietemeyer. La pregunta obvia es: ¿Cómo mantienes un equilibrio entre tu trabajo personal y el comercial?

Es difícil mantener un equilibrio en la vida en general pero tienes que buscar la manera de encontrar tiempo para las cosas importantes. Si todo es importante, tendrás que encontrar tiempo para todo. Buscar la manera de mantener un equilibrio entre National Forest y mi trabajo como artista es lo fácil. Lo difícil es además encontrar la manera de encajar el tiempo para la familia, la novia, las cervezas, las fiestas, cocinar, el tiempo de amar, el tiempo saludable, el tiempo feliz….

Y en cuanto a tu trabajo en National Forest, tus clientes ¿te piden normalmente que hagas para sus proyectos el mismo tipo de trabajo que quizás han visto en tu trabajo comercial? ¿Quizás depende del cliente? ¿Es algo a lo que aspiras, a que tengas la misma libertad creativa, con trabajos de clientes y tu obra como artista o el trabajo para clientes es un tipo de reto diferente que te enriquece?

Depende mucho del cliente. A veces los clientes quieren un trabajo artístico firmado y a veces lo que buscas es alguien que les hagan un diseño o una dirección de arte. Me gustan ambas cosas y el equilibrio entre ambas es importante. No me imagino hacer sólo trabajo de encargo o sólo trabajo personal. Lo uno alimenta lo otro. Las restricciones del trabajo comercial pueden estar muy bien porque tienden a forzarme fuera de los límites de mi “zona de comfort”. Me gusta que me fuerce a hacer cosas que normalmente no hago. Al mismo tiempo me gusta el reto de hacer trabajo personal ya que soy mi cliente más exigente. Trabajar para mi mismo me enseña mucho de como soy y en cierto sentido es un proceso de auto realización.

Me gustaría que nos contaras un poco acerca de tu proceso creativo, del equilibrio entre lo analógico y lo digital, entre el proceso y el resultado…

Realmente todo lo que me hace falta es un rotulador y un pedazo de papel para comenzar un proyecto. Algunas ideas son sólo garabatos en una libreta que tengo junto a la cama. La mayoría del trabajo que hago en National Forest la creo con el ordenador así que disfruto de la posibilidad de hacer cosas para mi mismo con las manos. Para cuando llego a casa para trabajar en lo más personal pillo un lápiz antes que el teclado. No digo que no use el ordenador para el trabajo personal pero recientemente he decidido hacer el esfuerzo de dibujar más. Y el equilibrio entre lo analógico y lo digital esta separado por una línea muy fina. En cualquier caso creo que es importante que el receptor vea que hay un ser humano tras el trabajo.

¿En qué has estado trabajando recientemente?

Lenta pero firmemente he estado trabajando en material nuevo para una exposición que tengo en noviembre. También haciendo cosas para Sixpack en Francia y contribuciones para algunas publicaciones nuevas: dos libros nuevos de Die Gestalten Verlag, un libro grande de Victionary y varios libros para Maomao. Sacaré una serigrafía de tres colores con Youworkforthem pronto y posiblemente un par de cosas para la gente de Kidrobot. Con National Forest hemos estado ocupados con cosas nuevas para Burton y una colaboración entre NF y WeSC dentro de un tiempo.

¿Y algún proyecto especialmente interesante en el futuro?

Tengo varias exposiciones durante el próximo año o así. La primera es una a duo con Justin Krietemeyer. Será en ‘Subliminal Projects” en Los Angeles a mediados de noviembre. Sacaré unas serigrafías nuevas para mi tienda online ‘You&I’ algo después así que estad atentos. La siguiente exposición será en mayo de 2008 en Lazy Dog en París. Lionel de Sixpack.fr echa una mano con el patrocinio así que tengo un montón de cosas interesantes para eso y quizás nos veamos en España.

¿Y algún proyecto que te gustaría hacer y que nunca te han propuesto?

Me interesaría mucho crear escenarios tridimensionales para una obra de teatro de fantasía a gran escala. Sería genial crear un mundo a tamaño real de ambientes de ficción usando aparatos antiguos.

Y finalmente ¿algo que nos quieras recomendar?

Fui de camping hace poco a Yosemite y me topé con una pequeña tienda en el bosque que tenía una colección de lo más increible de tazas con diseños con búhos por un cuarto de dolar cada una. Me los compré todos y acabé discutiendo con mi novia a ver quien se quedaba cada taza. Ella se acabó por quedar el mejor.

Añade comentario 31/7/2007 11:42pm Administrador

Travis Millard: “Hey Fudge”

En el punto de la ciudad de Los Ángeles donde confluyen un talento natural para el dibujo, el mundo de los comics, de las galerías alternativas y las incursiones ocasionales en el arte en la calle se encuentra Travis Millard. Tras 10 años autopublicando su trabajo en forma de comics bajo la enseña Fudge Factory Comics (www.fudgefactorycomics.com) y al tiempo adentrándose en el circuito de las galerías de arte, Millard recopila lo mejorcito de su obra bajo la forma de este libro monográfico: “Hey Fudge”. Este completo volumen incluye mucho del contenido de sus comics publicados por el mismo en tiradas pequeñas y normalmente con portadas serigrafiadas y muestra también sus otras facetas, todas ellas repletas de un personalísimo estilo de dibujo y humor cargado de importantes dosis de mala leche.

Este libro está disponible en Subaquatica y también aquí en nuestra tienda online.

22/7/2007 05:31pm Administrador

Expo Rinzen

rinzen expo

Este pasado 14 de julio inauguramos la exposición de Rinzen (www.rinzen.com), de la mano de dos de los miembros de este colectivo australiano, Rilla y Steve Alexander, que muestran sus obsesiones y comparten sus secretos en esta primera muestra de Rinzen en España. Juntos arrojan luz en las tinieblas de un mundo interior habitado por monstruos y criaturas diversas, actos primitivos y sentimientos de culpa. Y como muestra de su afinidad con la cultura y arte españoles, exploran el universo del animal patrio por excelencia, el toro, y su metamorfosis en el famoso símbolo del deseo subconsciente, el minotauro. En esta serie de piezas realizadas en acuarela y tinta Rilla y Steve continuan la línea experimental iniciada en sus exposiciones en Hamburgo (Helium Cowboy, 2005), Berlin (Neurotitan, 2006) y Portland (Compound Gallery, 2007).

14/7/2007 10:49am Administrador

KRSN

El entrevistado en esta humilde web y responsable de nuestra cabecera para el mes de Julio es KRSN (http://nsrknet.free.fr/): artista francés hijo de la explosión masiva del Hip Hop en Francia en los 90, década que pasó con un bote de spray en una mano y un rotulador en la otra, reconvertido a artista urbano con el cambio de siglo y que finalmente, como muchos otros, ha tenido la suerte de ver su talento reconocido por una variedad de clientes que aprecian su trabajo como ilustrador.

Primero cuéntame: ¿cuándo, cómo y porqué comenzaste a pintar en la calle?

Empecé a finales de los 80 pintando títulos de canciones por la calle en Vichy. Recuerdo que me impresionó el trabajo de Boxer Sheek y Muck durante un viaje a Paris en el 87 pero por entonces no sabía de que iba la historia. Después de eso, el Hip Hop arrasó en los 90s en Francia y me dediqué a dar vueltas con la cabeza y a ir por ahí con un bote de spray hasta el 200o más o menos. Me encanta la sensación de pintar sobre alguna superficie, por ahí en algún sitio, yo solo. Y lo seguiría haciendo pero ya no tengo ni tiempo ni la motivación. Estaba mirando fotos de piezas mias antiguas y parece como si alguna otra persona hubiera pintado todo aquello, sobre todo las cosas de las que ni me acordaba.

El término Street art parece ya tan sobado pero aún así representa un momento y una actitud compartida por mucha gente en todo el mundo y me gustaría saber si te sientes parte de ello y como te ha afectado como artista

Ha sido divertido formar parte de toda esta historia del Street art durante la primera parte de la década. Además al mismo tiempo Internet se ha convertido en algo enorme y han coincidido una cosa y la otra. Pero la gente creo que ha sentido la necesidad de progresar y poco a poco descubres cosas nuevas en tu propio trabajo que quieres desarrollar y necesitas explorarlo por otras vías nuevas. Y esto del Street art ha sido en realidad una manera de pensar cosas nuevas para explorarlas.

Trabajas como ilustrador y creo que es genial que la gente encuentre tu estilo adecuado para trabajos “comerciales” y no se si eso te condiciona o como te organizas y cual es la relación entre tu trabajo de encargo y el más personal

Para el trabajo comercial tienes que tener en cuenta las necesidades de tu cliente, lo cual no es algo malo ya que te da la oportunidad de descubrir nuevos temas en tu trabajo y eso te puede ayudar a la hora de ampliar perspectivas para tu trabajo personal. Es un intercambio continuo entre lo comercial y lo personal pero a veces el cliente quiere algo muy concreto que ya has hecho antes varias veces y te resulta aburrido. Por ejemplo, Sixpack es un buen cliente porque te da libertad creativa absoluta y de esta manera tengo que encontrar un enfoque que me satisfaga tanto a mi como a la persona que podría comprarse la camiseta.

Y acerca de Akroe (www.akroe.net) parece que vosotros dos tenéis una buena conexión y habéis trabajado juntos en varias ocasiones. ¿Puedes contarme un poco como surgió todo y como se ha desarrollado?

Conocí a Akroe en el 99, no estoy seguro… pero creo que empezamos a pintar juntos en el 2001 o 2002 en las calles de París. Compartimos una serie e intereses comunes y, aunque nuestro trabajo sea muy diferente, tenemos un enfoque parecido a la hora de crear.

No siendo un artista, cada vez que me topo con alguno cuyo trabajo me gusta me pregunto como es su proceso creativo, si lento y meditado o más visceral…, etc. Dime como es en tu caso

Yo sobre todo observo mucho pero luego no paso mucho tiempo con cada pieza. Me gusta cuando fluye de forma natural y cuando ocurren pequeños accidentes sobre la marcha. Y a veces, cuando no estoy de humor, lo que hago acaba siendo una basura.

Tu trabajo tiene un aire oscuro pero no necesariamente pesimista pero por la manera en que sueles usar únicamente línea sobre fondos blancos la mayoría de las veces refleja una actitud cuando menos reflexiva ¿Qué me puedes decir sobre el uso o ausencia de color en tu trabajo?

Sólo necesitas un color para dibujar y expresar sensaciones y si uso más de uno es porque realmente estoy haciendo un gran esfuerzo. Prefiero centrarme en las emociones de mis piezas que en el aspecto decorativo pero es algo que está cambiando durante los últimos meses y creo que usaré más colores en el futuro.

¿En que has estado trabajando últimamente?

Estoy trabajando en unos proyectos de tipo editorial con gente que escribe y acabo de terminar una mini colección para Sixpack. También ando haciendo ilustraciones para revistas y el nuevo álbum de Amstardus. También ando preparando una serie de exposiciones con otros artistas.

¿Algunos artistas que os hayan llamado la atención ultimamente o que sencillamente os gustaría recomendarnos?

Mirad el trabajo de Stewart MacKinnon, un ilustrador de los 70.

Añade comentario 01/7/2007 06:04pm Administrador




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