Derrick Hodgson

Contactamos con Derrick Hodgson (www.madreal.com) antes de tan siquiera abrir Subaquatica hace ya cerca de 4 años. No respondía al tipo de artistas que en principio queríamos con un claro background o presencia en el mundo del arte en la calle, pero nos gustaba su trabajo y trajimos algunas serigrafías, pegatinas, figuras… Muchas cosas han cambiado desde el año 2003 pero todavía somos fans del trabajo de Derrick y hemos querido compartir con vosotros unas preguntas y respuestas, algunas imágenes de su trabajo y la cabecera de esta web diseñada por él para la ocasión.

Parece que vienes siendo categorizado como artista de la escena del Street art o al menos eres incluido en un mismo circuito que otros artistas de ese mundo. Sé que has pegado pegatinas, pósters y tal por la calle, así que dime un poco qué relación tienes con todo eso y cómo, dónde, cuándo y por qué empezaste a hacer arte en la calle.

Realmente no me considero un artista de Street art o artista urbano y el hecho es que no me gustan esas etiquetas. Vivo en la ciudad más grande de Canadá así que hoy por hoy mi hábitat es urbano y todos los artistas interactúan con el medio en el que viven. Quizás se me incluye en una misma generación o escena que otros artistas porque compartimos una misma sensibilidad hacia el trabajo que se realiza en la calle, aunque sea hacia los tags. En cuanto al cuándo, dónde y por qué: Bueno, para pagarme los estudios aquí en Toronto estuve plantando árboles en la zona de las montañas del sudeste, en la Columbia Británica y una vez que acabé los estudios volví a esa zona a vivir una temporada. Estuve por allí 3 años y me gustó mucho el estilo de vida tranquilo de la gente de montaña pero no adelanté mucho trabajo artístico más que unos cuantos cuadernos de bocetos y algunos trabajos como diseñador para una tienda de tablas de por allí o un periódico local. Mi hermano mayor vivía en Vancouver con su familia así que decidí irme allí y me quedé un par de meses. Durante este tiempo investigué un poco la escena local de Vancouver y con la ayuda de Kyle McIntosh y Popgun Media desarrollé una web para mis dibujos y garabatos. En el verano de 1999 regresé a Toronto y durante esa época empecé a hacer algunas incursiones nocturnas. No había por entonces mucha gente que hiciera cosas por la calle con personajes. Lics y Ass Egg eran los únicos haciendo algo así en Toronto. Yo empecé con pegatinas, pósters y algunas firmas sencillamente para conectar con otros artistas. Estaba bien. Por ejemplo en verano pegaba una pegatina en unas ramas de unos arbustos de tal manera que no se viera hasta que la nieve cubriera todo en invierno y la pequeña criatura fuera visible. En muchos sentidos este trabajo ha hecho que tenga que desarrollar mi propia iconografía. Planté algunas semillas en ese enorme espacio exterior y esperé con curiosidad a ver cómo crecían.

Habiendo crecido en un entorno rural y más tarde viviendo en una gran ciudad, ¿de qué manera ves que ambas cosas se reflejan en tu trabajo?

Mi trabajo refleja el espacio urbano que habito pero es una mezcla de influencias urbanas y rurales. Y vivir y trabajar en una ciudad me ha ayudado a llegar a un público más amplio.

Y de nuevo en torno a la idea de formar parte de una generación pero con tu propio estilo… eso es lo que creo que te ha llevado a ti a coincidir con muchos otros artistas de todo el mundo alrededor de la iniciativa Pictoplasma, que ha servido de catalizador de todos los artistas que trabajáis una gráfica alrededor de personajes. Cuéntanos un poco como ha sido tu experiencia con Pictoplasma y si percibes que hay una escena en torno al arte con personajes.

Peter Thaler me contactó en 1999 y me pidió que mandara imágenes para su proyecto de web llamado Pictoplasma. Se trata de una enorme base de datos de diseño de personajes contemporáneo. Han publicado tres libros mostrando todo ese trabajo y además han celebrado ya dos eventos en Berlín. Mi experiencia con la gente de Pictoplasma ha sido genial. Las conferencias fueron muy divertidas y estoy muy contento de haber formado parte de todo eso… momentos muy locos. Berlín es una ciudad muy interesante y con mucha cerveza. Y sí, parece haber más interés hoy en día en torno al diseño de personajes pero no creo que haya una escena. Pictoplasma tan sólo ha ayudado a llamar la atención sobre un aspecto del diseño y arte contemporáneo que quizás no recibía la atención que se merecía.

Precisamente, acerca de tus personajes, es evidente que hay algunos de ellos que aparecen una y otra vez en tu obra pero me sorprendió mucho leer en una entrevista contigo que incluso tienen nombres. ¿Hasta qué punto tienen vida propia?

Bueno, yo intento controlar la locura. Cada personaje tiene un propósito, una historia, pero en realidad es muy sencillo: los saltadores saltan, los flotadores flotan, los aulladores aúllan… todos son iconos visuales que me ayudan a describir mi manera de ver el mundo que me rodea.

Y estos personajes entonces, ¿dónde viven?, ¿en este mundo o en un universo paralelo?

En un universo paralelo que no es más que una versión simplificada de este mismo.

Y me ha llamado la atención que hay un personaje llamado Mogo que es tu nick en algún sitio de Internet. ¿Es Mogo tu alter ego?

No, Mogo no es mi alter ego. Mogo es sólo el nombre de una especie de personajes y una palabra medio boba.

Durante los últimos años has viajado mucho. ¿Cómo te ha afectado a ti y a tu obra todo esto y el contacto con otros artistas?

Me considero muy afortunado de que mi arte me haya permitido viajar. Viajar resulta muy adictivo y las experiencias vividas al entrar en contacto con otros lugares y culturas añade elementos muy sabrosos al superestofado creativo.

Por lo que veo en tu trabajo no sabría decir si eres una persona optimista, pesimista o “depende”. Las formas son un tanto inquietantes pero los colores son muy suaves. ¿Cómo definirías este equilibrio?

Soy tanto un pesimista como un optimista de una forma muy “depende”. El mundo es un lugar loco, demencial pero bello. Mi arte refleja cómo veo el mundo: Por un lado bizarro pero por otra parte lleno de color. No sé si he llegado a encontrar el equilibrio entre esos extremos. El color en mi obra sí que tiene la función de enmascarar o hacer más fáciles de digerir las imágenes. Los colores “suaves” invitan al espectador a adentrarse en lo que considero que es una mezcla muy caótica de líneas, formas y locura.

Me gustaría que nos hablaras de la importancia que le das al proceso creativo. Me da la impresión de que es más complejo de lo que parece.

Soy un pintor pésimo pero me encanta trabajar con pintura. Me considero más bien un dibujante antes que un pintor. He desarrollado un proceso a partir de mi experiencia en el mundo de las artes gráficas que me permite mantener la naturaleza gráfica de la línea dibujada pero al tiempo usar pintura para reproducir esa línea. Mi proceso ha cambiado a lo largo de los años pero siempre suele empezar con libros de bocetos llenos de cantidad de dibujos, garabatos… De ahí tomo lo que me gusta y lo paso al Apple, los adapto al formato que necesito y trabajo con las líneas y los rellenos. Luego saco los acetatos y de ellos obtengo las pantallas para serigrafía para poder imprimir con ellas. Uso acrílico con las pantallas y tengo que trabajar rápido para que no se seque la pintura. Uso las mismas pantallas una y otra vez. No lavo la emulsión y uso la pantalla hasta que ya queda inservible. Al usar la técnica de la serigrafía de esta manera me ha permitido descubrir nuevas posibilidades. Por ejemplo, al pasar acrílico por la malla de la pantalla esta se llena de pequeñas partículas de pintura. Esto acaba por hacer que la línea se degrade y le dé un aspecto que no podría conseguir de otra manera. Mi estudio está lleno de pantallas. Cuando trabajo en una nueva pieza busco en mi “base de datos” de pantallas de personajes y selecciono los que me hacen falta para esa composición en particular y comienzo a construir a partir de un personaje, luego otro y otro… Es un proceso lento pero normalmente consigo el resultado final que quiero.

Dado que tu obra está plagada de personajes me imagino que en cierta medida tus referentes e influencias deben prevenir de los cómics o la animación. ¿Es así? Y en cuanto a música, cine u otras formas de arte más ortodoxas ¿podrías nombrarme al menos una influencia de cada, así tal cual se te vengan a la cabeza?

En cuanto a animación y cómics diría que mis mayores influencias son el trabajo de Sergio Aragones, que hacía los dibujos en los márgenes de la revista Mad, los “marginals”. Y la obra de Rick Griffin, que llegó a ser conocido por su trabajo haciendo pósters para grupos de rock de los 60 como Grateful Dead. También hizo un montón de cosas para la revista “Surfer”. Influencias de música: Lee Scratch Perry, en cine: “La guerra de las galaxias” o “Apocalypse Now” o “Microcosmos”. Y en otras formas de arte convencionales serían Andy Goldsworthy, Keith Haring, Takashi Murakami y Goya.

¿Algún nuevo proyecto del que nos puedas hablar?

Proyectos nuevos… estoy colaborando con una marca de tablas llamada Logic Snowboard de North Vancouver (BC, Canadá). Saldrán para la temporada 07/08. También tengo un pequeño proyecto de tablas de surf customizadas con la marca G. Morden. Y tengo una nueva línea de figuras de madera hechas a mano que poco a poco van saliendo de mi estudio. De momento sólo están en Magic Pony, aquí en Toronto.

¿Algo que quieras hacer y que no te hayan propuesto todavía?

Me gustaría poder hacer instalaciones a gran escala. Y también quiero impulsar lo de las figuras de madera. También querría hacer una estancia de un año en los territorios del noroeste trabajando y aprendiendo de los artistas y artesanos esquimales. Me atrae mucho su trabajo y pienso que hay toda una iconografía preciosa proveniente de toda esa zona norte de Canadá.

Añade comentario 01/2/2007 05:46pm Administrador