Mark Ryden actualmente causa furor en Japón con su exposición en Tokio. En 2007 Ryden presentó la que fue su gran exposición individual anterior a esta en Japón, en la Galería Michael Kohn de Los Angeles. La obra producida por el artista para aquella exposición, bajo el título “The Tree Show” se recopila ahora, casi año y medio después, en forma de libro, incluyendo fotografías del proceso de elaboración de las obras y bocetos preparatorios. En esta exposición Mark Ryden elaboró esculturas e instalaciones, además de sus características piezas al oleo. Como el nombre de la exposición y del libro apuntan, el arbol es un elemento presente en esta serie de trabajos, tan llenos de naturaleza como del aire inquietante propio de la obra de Ryden.
Este libro está disponible en Subaquatica y también aquí en nuestra tienda online.
22/2/2009 07:09pm
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Recientemente ha llegado a Subaquatica una nueva serie de las figuras coleccionables en caja sorpresa Dunny, de la marca Kidrobot. Se trata de los Dunny Ye Olde English, la tercera serie centrada en artistas de un país tras el éxito de Dunny Azteca y Dunny French con artistas mexicanos y franceses respectivamente. En esta ocasión los artistas invitados son británicos y han diseñado un total de 16 Dunny. Se trata de Clutter (bueno en este caso es una revista), Doktor A, Mr. Frames, Julie West, ilovedust, Jon Burgerman, Keanan Duffity, McFaul, Mimic, Peskimo, Shok 1, Tado, Triclops y UAMOU. Hay 16 diseños y aquí puedes seguir los diferentes modelos y guiarte para completar la colección: http://www.kidrobotsites.com/2009/uk_invasion/DunnySeries_Checklist.png
La serie Ye Olde English de las figuras Dunny está disponible en Subaquatica y también aquí en nuestra tienda online.
22/2/2009 06:55pm
Administrador
Tony Stamolis es, como muchos otros de nosotros, alguien que ve ahora, años más tarde, el lugar donde creció y del que sintió la necesidad de salir, con otros ojos, desde un punto de nostalgia y apreciando un encanto. La particularidad es que Tony Stamolis es un fotógrafo, afincado en Nueva York desde hace 18 años y que ha sabido captar la esencia de su ciudad natal, Fresno en forma de una excelente serie de fotografías que dan forma a este libro. Fresno es la sexta ciudad más grande California y no es lugar objetivamente acogedor para vivir. Sus estandares de calidad de vida la han hecho merecedora de los últimos puestos en los rankings año tras año. Su cara más sórdida es justamente en gran medida lo que hace interesante este libro y el trabajo de Stamolis, que ha sabido adentrarse en el submundo “fresniano” y reflejar las luces y sombras de una ciudad norteamericana media.
Este libro está disponible en Subaquatica y también aquí en nuestra tienda online.
15/2/2009 08:54pm
Administrador
Este pasado sábado 14 de febrero inauguramos la exposición de la artista japonesa Kayu, una ilustradora japonesa residente en España desde 2006. Su presencia en Madrid ha pasado practicamente inadvertida, si bien ha participado en distintos proyectos, exposiciones y ha ganado concursos (Circulo de Bellas artes, Caja Madrid…). Kayu dibuja principalmente animales y cuadros abstractos con pastel y acrílico sobre papel. Su trabajo, fresco, vital y en ocasiones con un aire infantil ya merecía encargos de revistas, editoriales, etc… en su país de origen. Recientemente Kayu ha creado un equipo para difundir su propia marca Kayu-en (http://www.kayu-en.com), primero en España y luego en toda Europa, y ha eligido Subaquatica para su primera exposición individual en Madrid y el lanzamiento formal de la marca.
Esta exposicíón ofrece la posibilidad de conocer algunos de los primeros productos de Kayu-en junto a las obras originales que han servido de fuente de inspiración.
10/2/2009 08:48pm
Administrador
Desde hace un par de años y con cierta regularidad nos llegan a Subaquatica unos paquetes por correo decorados con dibujos y llenos de pegatinas, postales, impresiones con linoleo, un fanzine…, todo ello elaborado por el artista norteamericano John Fellows. El cuidado que pone en la preparación de estos regalos postales muestra una admiración sincera de John hacia lo que hacemos en Subaquatica, seguramente no merecida. Al menos tanta admiración como sentimos nosotros hacia su obra gráfica y así que hemos querido dedicarle una entrevista.
Primero, una pregunta que le hacemos siempre a todo el mundo para estas entrevistas: ¿Cuando, donde, como y porqué empezaste a considerarte artista?
El arte es algo que he hecho durante toda mi vida. Fui a la universidad en Philadelphia y me licencié en diseño gráfico (para sorpresa de mis padres) así que normalmente me consideraba un diseñador e ilustrador. Ha sido recientemente cuando he empezado a pensar en mi mismo como “artista”. Siento que siempre lo he sido porque siempre he creado arte pero no me sentía preparado para enseñar lo que hacía hasta hace un par de años. Fue cuando me mude a Colorado ya que desde entonces he dejado de viajar tanto y he podido poner más energía en el desarrollo de mi obra y eso ha empezado a dar resultado.
Te consideras/considerabas tanto ilustrador como diseñador gráfico que son dos ocupaciones que implican la existencia de un cliente pero también desarrollas tu trabajo más personal. Tu trabajo como diseñador y tu trabajo como ilustrador y artista muestran estilos diferentes. ¿Dirías que hay un estilo John Fellows que subyace, más o menos visible, en todo lo que haces?
No creo que haya ese estilo John Fellows subyaciente en mis diseños y mi trabajo de ilustración. Mi trabajo de diseño es, en su mayor parte, corporativo y limpio mientras que mis ilustraciones tienen un aire más artesanal. He tenido clientes que sólo conocian mis ilustraciones y cuando les enseño logos o trabajos de diseño editorial se muestran sorprendidos. Mucha gente piensa que si eres un diseñador, diseñas y que si eres un ilustrador, ilustras y no se dan cuenta de que se pueden hacer ambas cosas y que además sean diferentes por completo. Mi trabajo artístico si que tiene una relación claramente con mi trabajo como ilustrador. Cuando era más joven era un maniático del control y cuando dibujaba algo quería que el resultado fuera una copia exacta del objeto dibujado o de otra manera me mosqueaba. Cuando descubrí las técnicas de grabado en la universidad me solté bastante ya que la mayoría de las veces da igual cómo sea el boceto, el grabado siempre tiene su propio estilo y caracter.
¿Y todo tu trabajo personal es de alguna manera una via de escape a las limitaciones que te imponen tus clientes o esas limitaciones son un reto con el que también disfrutas?
Realmente me gustan ambas situaciones. Cuando un cliente te presenta esas restricciones se convierte más en un problema que requiere una solución que en una cuestión de si haces lo que te da la gana. Gestionar esas limitaciones y restricciones es parte del trabajo. He tenido un par de clientes que confian en mí lo suficiente como para dejarme hacer sabiendo que les daré la mejor solución posible. No tener que enseñar 3 o 4 bocetos diferentes para un poster está bien. A veces con el trabajo como diseñador los clientes quieren meterse en todos los aspectos del trabajo aunque no tengan ni idea de diseño de manera que puedan justificar su trabajo a su jefe o decir que el resultado final fue su idea. Como en cualquier otro sector, hay un millón de personalidades diferentes, algunas mejores y algunas que te dan un verdadero dolor de cabeza. Todo el trabajo que hago a un nivel personal es divertido porque es una manera de darle vida a todos los dibujos e ideas que tengo perdidos en las páginas de los cuadernos de dibujo o en pedazos de papel y que nunca verán la luz como un trabajo comercial.
Además de todo esto publicas un fanzine muy currado llamado PaperCut. Cuéntanos un poco acerca de esto.
Gracias, me alegro de que te guste. Bueno, entré en contacto con la música Punk y Hardcore en secundaria y todo eso me abrió los ojos a un mundo en el que la gente hacía sus propias revistas para estar en contacto con otra gente en otros puntos del país o del mundo que tuvieran sus mismos gustos. Comencé con PaperCut para continuar ese tipo de conexión con otra gente. Nunca lo he visto como una manera de promocionarme sino de conectar con gente nueva. Cuando hice el primer PaperCut se lo mandé a amigos y a desconocidos que pensaba que podían disfrutar con mis últimas creaciones y con recibir algo así por correo. En estos tiempos de e-mails e Internet creo que aún hay mucha gente que disfruta con las cosas que pueden tener en sus manos, algo físico. La respuesta fue muy buena (de hecho así conseguí mi primera exposición) así que seguí publicandolo y enviandolo. Los dos primeros números eran basicamente reproducciones de mi trabajo pero después empecé incluyendo fotos de mi proceso de trabajo o de las exposiciones. Intento que sea lo más interesante que me sea posible y no sencillamente poner una detrás de otras una serie de imágenes. Es el tipo de fanzine que me gustarái recibir de otros artistas. Me he dado cuenta de que PaperCut es perfecto para viajar también. Cada vez que salgo de viaje lleno la mochila con ejemplares. Nunca sabes a quién vas a conocer y me he acostumbrado a dejar copias en galerías, darlo a otros artistas, tiendas que me gustan… PaperCut ha hecho que conociera a gente genial de todo el mundo como Christian de Hessenmob, el ilustrador Bejamin Guedel o Urs Althaus en Zurich, Stereoplastika en Toledo, Andy Mac de Until Never en Melbourne, y por supuesto a vosotros en Subaquatica. Espero tener el número nuevo listo pronto. No acabo de terminarlo porque siempre tengo trabajo que hacer o acabo saliendo a esquiar.
Pareces un viajero inquieto, casi nómada ya que has vivido en muchos sitios diferentes. Eso tiene que haber tenido algún efecto en tu arte, ¿no?
Siempre he tenido esa inquietud. Viajar siempre ha sido parte de mi vida desde que era un niño. Soy hijo de un militar así que nos mudábamos cada 2 o 4 años. Viví en la base militar de Frankfurt en Alemania. Teníamos una furgoneta Volkswagen camper y salíamos de viaje en plan camping por toda Europa. Creo que esa experiencia ha influido en mi amor por Europa. Después de acabar la universidad viajé de nuevo por Europa por mi cuenta y con amigos y tuve la suerte de conseguir trabajo. Cuando tienes veintipocos ¿qué más se puede pedir que un trabajo que te permita viajar a París, Cerdeña, Lisboa o Madeira un par de veces a la semana? Trabaja de contratista y cada vez que acababa un proyecto mandaba de vuelta las cosas con un compañero y yo me quedaba de viaje a base de Eurorail. Fue así como acabé trabajando en un pequeño hotel en Suiza, en Gimmelwald durante 6 veranos seguidos (y una temporada de esquí alucinante). No es posible viajar así y que todo eso no te abra los ojos e influencie tu trabajo como artista. Por ejemplo siempre tenía un cutter para cortar posters o pegatina que viera por la calle y me gustara. Además tuve la suerte de que ilustradores o diseñadores como Benjamin Guedel y Buro Destruct me enseñaran sus estudios así que de aquellas para cuando llegué de vuelta a Philadelphia estaba con las pilas bien puestas. Me encantaría poder trabajar y viajar creando arte que pudiera venderse para pagar los viajes. Ahora mismo no estoy con la idea de ganar muchísimo dinero con las exposiciones sino al menos poder pagar los gastos de viaje.
También me gustaría que nos hablaras de tu relación con los exteriores porque sé que haces pegatinas pero no sé si con la idea de pegarlas por la calle y sé que has hecho algunos murales pero no sé si es algo que quieres hacer. Además todo esto contrasta un poco con tu manera de trabajar con el linoleo que es casi arte en miniatura…
Tuve una época de flipar con las pegatinas ya que al tiempo dirigía una un taller de señalética y estudio de diseño que daba servicio a 2 estaciones de esquí. Teníamos nuestra propia máquina de pegatinas así que cuando había hueco en algún pedido incluía mis propios diseños. Estaba genial porque cualquier idea que tuviera para una pegatina podía hacerla. Pero para nada soy un artista urbano. No hacía pegatinas para promocionarme sino porque me gustaban y les gustan a la gente y si querían ponerlas en su tabla o por la calle, allá cada cual. ¿A quién no le gusta una pegatina chula? Y en cuanto a los murales, he hecho algunos y quisiera tener la oportunidad de hacer más. Es mucho trabajo pero disfruto haciéndolo. Como dices, la mayoría de mi trabajo es a pequeña escala y es sobre todo debido a que no tengo una prensa sino que lo hago todo con una cuchara de madera e imprimo todo así, a mano. Cuando hago piezas a mayor tamaño después de hacer un par mis brazos ya no dan más de sí. Me gusta la textura gráfica de los murales que he hecho. Y está bien tener que pensar con ese otro enfoque. Hay que tener en cuenta la forma y contexto del muro y no tiene nada que ver con algo que creas y que la gente al verlo dice “Vaya, esto quedaría bien enmarcado en una pared en mi casa”.
Aunque usas el ordenador, sobre todo para tus trabajos de diseño, tu obra tiene un aire muy artesanal debido a que usas mucho la técnica del grabado con linoleo. Justamente te quería preguntar por el proceso y si es más complejo de lo que parece, si primas el resultado al propio proceso…
Cuando se trata de un trabajo de diseño es bastante meticuloso y lento. La mayoría de los proyectos comienzan y acaban en el propio ordenador y es así como va saliendo la idea. Para los trabajos de ilustración y mi obra como artista esm mucho más rápido, suelto y libre. Hace muchos bocetos, retomo de ahí y voy afinando hasta que la idea toma forma. Para un encargo que tenía para una ilustración estaba viendo la tele y se me ocurrió una idea así que pillé lo que tenía más cerca, un rotulador y un catálogo y dibujé lo que tenía en la cabeza en la portada del catálogo. Ee boceto inicial dio paso a una ilustración ya acabado. Y cuando acabo del dibujo, aplico color.
¿Cómo es un día normal en tu vida actualmente?
Cada día es un poco diferente pero un día típico es algo así: me despierto y veo a mi perro mirándome a la cara. Me levanto para hacer café de mientras mi perro sigue mirandome fijamente. Finalmente le doy de comer al perro de mientras se hace el café. Le doy un beso de despedida a mi novia antes de que se marche a la escuela de enfermería y a continuación saco el perro a pasear con el café en la mano. Tras el paseo vuelvo a casa, enciendo el ordenador de mientras el perro me mira ahora porque quiere jugar. A partir de este momento, y antes de que oscurezca suelo sacar adelante bastante trabajo, ya sea personal o para algún cliente. Una vez oscurece,vuelve mi novia y salimos a tomar algo o nos quedamos y hacemos la cena, vemos la tele y si hace falta trabajo otro poco dependiendo de las fechas de entrega y finalmente me voy a la cama. Pero también hay días que son más como: acabo de hacer la maleta, tomamos un vuelo al extranjero y no vuelvo a casa hasta seis semanas después. Esos son los mejores días.
Últimamente has trabajado más con galerías de arte. ¿Cómo es tu experiencia en ese mundo?
Siempre tengo muchos nervios antes de cada exposición. Normalmente nunca llego a hacer las cosas de tal manera que me sienta totalmente seguro en una situación así en la que siento que tengo que hacer algo que cause algún tipo de emoción o que la gente al menos sienta que no ha perdido el tiempo. Yo personalmente he salido de varias exposiciones en galerías con la sensación de no haber sentido nada y que el artista dijo por teléfono cómo se debía montar todo y realmente con la sesación de que ha sido una perdida de tiempo ir a verla. Y es que esto me ha pasado mucho recientemente y me parece muy triste. Pienso que si alguién te da la oportunidad de mostrar tu trabajo en su espacio tienes que darlo todo. Yo lo intento procurando no ofrecer sólo obra original sino pintar alguna pared, hacer un fanzine, una serie de serigrafías, pegatinas, postales… En una exposición tuve una serie de grabados con linoleo sobre etiquetas de precio antiguas y las colgué por todo el sitio como si fueran los precios del interruptor o el picaporte de donde colgaban. Los visitantes debían decidir si llevarselos sin más suponiendo que eran gratis o no (realmente la idea es que fueran gratis). No duraron mucho y me gustó ver que la gente los intercambiaba y los buscaba, a veces sin encontrar alguno a pesar de que pasaban justo por delante.
¿En qué has estado trabajando últimamente?, ¿algún nuevo proyecto del que nos quieras hablar?
Entre los proyectos recientes están los diseños para tablas de Hessenmob. Estoy contento de como han quedado. Trabajar con Christian ha estado guay. Me propuso una idea bastante chula para los diseños. Normalmente mis grabados son muy estilizados así que fue interesante el cambio de tener que conseguir animales con un toque realista. my carvings are very stylized so it was a nice change pushing myself to actually try and carve realistic looking animals. ¡Si alguien ha intentado dibujar un tigre o grabarlo en linoleo, sabe que es todo un reto! Mi gran plan es organizar una expo colectiva en la estación de esquí Keystone Ski Resort en marzo. Es un evento de sólo una noche con artistas de Colorado y del mundillo de los deportes de nieve y el sector de las marcas del snowboard. Debería resultar algo divertido. Se llama “Moving Mountains” y con un poco de suerte, si sale bien, lo haremos después en un par de estaciones de esquí más el año que viene. Y además tengo que acabar el nuevo número de PaperCut antes de que llegue la primavera.
¿Algún proyecto que te gustaría hacer y que aún no te hayan propuesto?
Me encantaría trabajar con marcas que aprecien el arte como Carhartt (Europa) o marcas de esquí y snowboard comoRossignol y Salomon (me encantan sus productos). Y me encantaría tener la oportunidad de hacer murales. Pero lo que más me interesa es encontrar la manera de viajar más mezclando viaje y arte. Y quisiera tener la oportunidad de exponer en otros paises, o al menos en otras ciudades además de Denver y así satisfacer tanto mi ansia por viajar como mi amor por el arte.
¿Algún artista o proyecto que nos quieras recomendar?
Hay un montón de artistas muy buenos en Colorado que aún no han conseguido el reconocimiento que merecen. A veces parece que cuando la gente piensa en artistas y las diferentes escenas en EE.UU. todo se ve en términos de costa este o costa oeste pero hay muchos artistas en localidades pequeñas. Alguien que pienso que merece más atención es Markham Maes, aka Shitty Kitten. Su trabajo es increible y le veo como alguien con mucho talento. Puede dibujar, pintar y usar spray y está continuamente produciendo nueva obra mientras que tiene un trabajo de jornada completa y una familia. Hay otro artista que conocí en Australia que se llama Nails y su trabajo es realmente diferente. Usa muchos objetos encontrados que le dan a su obra un aire retro pero contemporáneo a la vez. Hace poco ha hecho una exposición inspirado en un viaje a Europa del este durante el cual vio a mucha gente que vendía utensilios que fabricaba en la calle. Así que lo que hizo fue hacer una galería portatil dentro de una maleta vieja (con patas extensibles y música incluida) y “exponía” su arte en las calles de Melbourne. Me parecío una idea genial.
… y gracias a Alberto de Stereoplastika por la foto de PaperCut.
01/2/2009 10:22am
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