Pandarosa

01/3/2009

Siempre resulta alagador recibir e-mails de artistas de otras ciudades y paises que se han percatado de nuestra existencia y nos envían un e-mail mostrando su trabajo. No siempre nos gusta (cuestión de gustos, no necesariamente de talento). Pero a veces nos tenemos que preguntar ¿Cómo es que no habíamos reparado en el trabajo de este artista o colectivo y ellos han sabido de este remoto rincón en una calle trasera del centro de Madrid? Es un poco el caso con el duo creativo Pandarosa (www.pandarosa.net) así que en cuanto hemos tenido ocasión, les hemos propuesto ser los artistas entrevistados este mes:

Primero, una pregunta que le hacemos siempre a todo el mundo para estas entrevistas: ¿Cuando, donde, como y porqué empezaste a considerarte artista?

Nuestros primeros recuerdos de creatividad están inmersos en imágenes de bloques de Lego, dibujar en cartones de tabaco y dibujos de tiza en las aceras de hormigón. Una vez que la infancia nos pasó de largo quedó en nosotros un deseo de expresarse y jugar que se fomenta en los niños pero no así en los adultos. Con esta actitud de manera subsconsciente continuamos expresándonos a través de imágenes y la imaginación, nunca considerándonos artistas o pensando que sería nuestra profesión. En el instituto nuestra percepción de las diferentes profesiones creativas se hizo más clara hasta llevarnos a estudiar diseño gráfico en la universidad que es donde nos conocimos. Tras licenciarnos decidimos empezar a ejercer profesionalmente y así hasta hoy en día, unos años más tarde.

Realizais trabajos de ilusrtración y diseño pero también trabajos personales cuando exponéis en galerías. ¿En qué se diferencian, a grandes rasgos, vuestros trabajos para cada una de estas facetas?

Nuestro proceso mental con los trabajos comerciales no se diferencia del de trabajos personales. La principal diferencia con los proyectos personales es que podemos experimentar con conceptos y técnicas alejados de las necesidades del cliente. Estos experimentos pueden ser a partir de ese momento usados también para los trabajos personales que corresponda lo cual amplía nuestra diversidad y ayuda a que no nos encasillemos en un estilo determinado así que al final los proyectos personales para exposiciones acaban siendo una parte importante de nuestra faceta profesional.

He leido una entrevista que os hacían en la que hablábais de como os gustaban los clientes de sectores culturales porque son los que más libertad os dan. ¿Os sentís liberados cuando hacéis proyectos personales, sin las restricciones de un cliente o justamente esos condicionantes os suponen un reto más que una limitación?

Inicialmente queríamos tener clientes de empresas o instituciones culturales porque sabíamos que si bien no nos iban a ofrecer unos presupuestos enormes ya que suelen depender mucho de dinero público o de patrocinios, sí que nos darian una oportunidad de concentrarnos en planteamientos más creativos y no en los aspectos financieros. Al cabo de un tiempo esto se ha notado en nuestra relación con los clientes y ya esperan de nosotros ese enfoque más creativo independientemente de en qué sector se encuadren. Tanto los proyectos personales como los de los clientes presentan sus propias limitaciones y ninguno de los dos tipos es más restrictivo que el otro. En todo caso los trabajos personales pueden llegar a ser más frustantes y más un reto ya que se trata de uno mismo expresando una idea, un pensamiento o tema propios y no respondiendo a un briefing.

Vuestro trabajo es muy heterogéneo en cuanto a que hacéis tanto diseño gráfico, ilustración, motion graphics, diseño de webs… y al mismo tiempo se nota que hay un estilo Pandarosa. ¿Pensais que hay una continuidad de vuestro discurso creativo entre todas esas disciplinas?

Aunque nuestro trabajo provenga todo de una misma fuente creativa nunca nos hemos planteado desarrollar un estilo característico sino más bien un nexo muy sutil que de unidad a proyectos tan diversos. Esto se debe a que nos cansamos muy pronto de nuestros propios trabajos y por eso intentamos mantenerlo todo interesante investigando cosas nuevas. Esta actitud puede ser difícil a veces cuando tratamos con con determinados clientes o agencias ya que suelen estar más cómodos cuando saben que respondes con un estilo particular y no con esa diversidad.

Precisamente muchos artistas y colectivos de vuestra generación hacen que las líneas divisorias entre diseño, ilustración, arte… sean muy difusas. A pesar de tener estilos gráficos muy diversos diría que hay una conexión y una actitud similar ¿De qué manera os sentís cercanos a otros artistas de vuestra generación?

Quizás en la disposición a probar cosas nuevas y no centrarse en un sólo aspecto de su trabajo. En estos tiempos que corren la adaptación es clave en la supervivencia y uno tiene que estar abierto a probar lo nuevo, a un nivel personal, profesional y creativo.

Uno de los aspectos que también percibo con los artistas con los que colaboramos es que, de la misma manera en que las fronteras entre disciplinas son poco significativas las que existen entre paises tampoco son muy importantes. Y vosotros sois un ejemplo perfecto, con orígenes en Chile y Hungría respectivamente, viviendo en Australia casi toda vuestra vida y actualmente viviendo en Berlín pero trabajando en muchos paises. ¿Cómo surgió la idea de mudarse a Berlín y de que manera esta actitud nómada tiene un efecto en vuestro trabajo creativo

Berlin es un punto de encuentro de sueños, experimentación, desengaños, placeres y frustraciones. Este desasosiego y flujo crea una energía constante que mucha gente de todo tipo de orígenes y condiciones viene buscando en esta ciudad, incluidos nosotros. El cambio continuo es clave en la evolución de las ideas y aunque la lejanía de un ámbito que te resulte familiar a veces es duro te hace aprender, adaptarte y reaccionar de formas diferentes a las situaciones, creando una visión más amplia de lo que te rodea. Estas alteraciones constantes acentuan las diferencias y las similitudes que se encuentran entre todos los estilos de vida y son necesarias para ampliar no sólo tus ideas sino las ideas de los demás.

Siempre me gusta preguntar por el proceso creativo y la importancia que ponéis en el mismo respecto del resultado final.

El desarrollo del concepto es sin duda el aspecto más importante ya que es donde comienza todo hasta llegar al resultado final: Desde la inconografía, los colores o la técnica, el tono o el mensaje que se quiera incorporar. A lo largo del proceso intentamos tener una aproximación tan lateral como sea posible y permitir que los accidentes afortunados ocurran y las cosas fluyan en lugar de planificarlas meticulosamente que es a veces lo que genera los resultados más inesperados.

¿Cómo es un día normal para vosotros?

Lo primero es un poco de café y a continuación están los e-mails con música en el tocadiscos. Entonces hay que acordarse de hacer una lista de tareas que con un poco de suerte estarán tachadas para cuando acabe el día. Y claro, cabe preguntarse como la libertad de fijarse nuestras propias horas de trabajo puede dar lugar a días de muchas horas de trabajo y a la rutina.

Imagino que tenéis un ritmo de trabajo más o menos constante de encargos de clientes y tal pero también haceís exposiciones en galerías. ¿Os veís dejando del todo los trabajos para clientes y dedicándoos únicamente al mundo del arte y las galerías?

No, no nos vemos dejando del todo el trabajo como diseñadores o de ilustración ya que apreciamos la diversidad y los retos que nos plantean este tipo de trabajos pero sí que nos gustaría estar más activamente en el mundo del arte. Uno de los retos para Pandarosa que debería de mantenerse durante nuestra trayectoria creativa es estar progresivamente más dedicados a presentar nuestro trabajo en el sector del arte.

¿En que andáis trabajando últimamente?, ¿algún proyecto interesante próximamente?

Acabamos de terminar un libro para Platform Artists Group Inc. en Melbourne y empezamos a hacer un mural de grandes dimensiones para un restaurante en una zona de playa llamadar Lorne en Australia. Además hemos estado acabando una instalación y obra en papel para una exposición en la California State University en Los Angeles llamada “Redefining the Line: Art Nouveau & The Female Figure”. Y por último hemos estado disfrutando de los preparativos para nuestra expo individual en Subaquatica este verano.

¿Algo que os apetecería hacer y de lo que aún no hayais tenido oportunidad?

Crear más piezas tridimensionales e instalaciones en espacios públicos de manera que todo el mundo pueda interactuar y ser parte de los mismos.

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