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La exposición colectiva ROJO®OCHO@SUBAQUATICA se presenta con motivo del 8º aniversario de la revista ROJO® en colaboración con 9 de los 26 espacios de arte asociados que forman la ROJO® Art Network en otras tantas ciudades de todo el mundo.
Cada uno de los espacios ha seleccionado varios artistas con los que se siente identificado para participar en la exposición que se celebra en su ciudad. En total 140 artistas contribuyen a las exposiciones que se celebran entre febrero y julio de 2009 en Conpenhague, Milán, São Paulo, Barcelona, Rosario, Viena, Madrid, Londres y Los Angeles.
En su sede madrileña el listado de artistas está formado por Nano4814, Therese Vandling, Ezba, Juju’s Delivery, Deno JR, 3ttman, Nuria Mora, Remed y Fefe Talavera. Un total de 7 artistas procedentes de lugares tan remotos como Berlín, Lille, São Paulo, Vigo… y Madrid, claro.
Los artistas contribuyen a la exposición con el tipo de obra más habitual en Subaquatica: En papel, sin recurrir a técnicas de impresión digital y en pequeño formato. Con la selección de artistas hemos intentado ofrecer una visión panorámica, heterogénea, de distintas aproximaciones a la actividad creadora visual. Dicha visión resulta tan diversa como los propios artitas y tan dotada o falta de coherencia como el propio criterio de los responsables de este espacio subaquatico.
Kayu es una ilustradora japonesa residente en España desde 2006 cuya presencia en Madrid ha pasado practicamente inadvertida, si bien ha participado en distintos proyectos, exposiciones y ha ganado concursos (Circulo de Bellas artes, Caja Madrid…). Kayu dibuja principalmente animales y cuadros abstractos con pastel y acrílico sobre papel. Su trabajo, fresco, vital y en ocasiones con un aire infantil ya merecía encargos de revistas, editoriales, etc… en su país de origen. Recientemente Kayu ha creado un equipo para difundir su propia marca Kayu-en (http://www.kayu-en.com), primero en España y luego en toda Europa, y ha eligido Subaquatica para su primera exposición individual en Madrid y el lanzamiento formal de la marca.
Esta exposicíón ofrece la posibilidad de conocer algunos de los primeros productos de Kayu-en junto a las obras originales que han servido de fuente de inspiración.
MOMO (www.momoshowpalace.com) es un artista inquieto, alejado de escenas y tópicos y que, sin artificio alguno, está consiguiendo ganarse un reconocimiento internacional cada vez más amplio. Ya ha expuesto su trabajo en Nueva York, Seul, Colonia, Manchester o Nueva Orleans y ha colaborado en proyectos a duo con artistas como Eltono, Zosen o Maya Hayuk. En esta, su primera exposición individual en Madrid, MOMO nos ofrece 1000 variaciones impresas mediante serigrafía de su proyecto “MOMO Maker”. Este proyecto comenzó hace cosa de un año como una verdadera broma intentando probar si un ordenador podía replicar la actividad creadora del artista a partir de una serie de elementos básicos que MOMO usaba en su trabajo. Y curiosamente el resultado ha sido muy interesante. En su versión online (www.momoshowpalace.com/1000.html) este sistema ha producido hasta 174.720 variaciones de las cuales se van a editar como serigrafía 1500 y de estas 1000 se exponen en Subaquatica. El resto de las serigrafías serán pegadas por el artista en espacios públicos en ocasiones mediante el uso de equipamiento inventado por el propio MOMO para llegar a los espacios más inaccesibles.
“GRAFIKA:Obra seriada de los artistas de Beautiful Losers” es el proyecto paralelo que con motivo de la llegada de la exposición “Beautiful Losers” (www.iconoclastusa.com) a Madrid presentamos en Subaquatica con la colaboración de Contemporánea (www.contemporanea.org). Se trata de una exposición de menor escala consistente en obra gráfica, objetos y ediciones varias, en este caso a la venta, y de la mano de los mismos comisarios. Esta muestra incluye una selección de piezas de disciplinas artísticas tales como serigrafía, escultura, fotografía, revistas, fanzines y objetos efímeros realizados por más de una treintena de esos mismos artistas que han emergido en la última década del s. XX y son descendientes de Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat y Keith Haring.
“Beautiful Losers” es un proyecto comisariado por Christian Strike y Aaron Rose originalmente consistente en una exitosísima muestra que desde 2004 ya ha pasado por museos e instituciones de primera mágnitud en EEUU y Europa y que finalmente llega a Madrid a La Casa Encendida en noviembre de 2008. Primero la exposición, posteriormente el libro y en breve la película, exploran el trabajo de un grupo diverso de artistas visuales surgidos en la cultura urbana alternativa en torno a las escenas del Skateboard, Graffiti, Punk y Hip Hop en Estados Unidos.
Lo que empezó siendo un movimiento juvenil ha desembocado en un fenómeno social. De hecho, algunos de estos artistas ya son considerados por el mundo del arte como valores seguros y ejemplos a seguir dentro de las nuevas corrientes culturales de nuestro siglo.
Artistas participantes:
Thomas Campbell, Henry Chalfant, Larry Clark, Cynthia Connolly, Cheryl Dunn, Brian Donnelly (KAWS), Shepard Fairey (OBEY), Glen E. Friedman, Evan Hecox, Wes Humpston, Jo Jackson, Todd James, Andy Jenkins, Chris Johanson, Harmony Korine, Ari Marcopoulos, Geoff McFetridge, Barry McGee, Ryan McGinness, Mike Mills, Raymond Pettibon, Stephen Powers, Terry Richardson, Clare E. Rojas, Rostarr, Ed Templeton y Tobin Yelland.
“4 llaves” es el título de la exposición en Subaquatica de la artista brasileña Fefe Talavera, que tuvimos la ocasión de entrevistar no hace mucho por aquí.
Y es que en esta ocasión Fefe Talavera y las bestias de su yo más profundo vienen a Madrid. Fefe es una artista procedente de São Paulo, en concreto de la escena del arte en la calle de la megalópolis brasileña, al igual que toda una serie de artistas que, como ella, están teniendo una repercusión internacional muy significativa. La carrera de Fefe es ejemplo de ello con exposiciones o participación en ferias y eventos en ciudades de todo el planeta: Moscú, Buenos Aires, Nueva York, Sevilla, Berlín, Los Angeles, Mexico DF, Viena o recientemente en Amsterdam donde ha presentado una exitosísima exposición a duo con el artista neoyorquino y legenda del Graffiti Doze Green. Esta es su primera exposición individual en España.
Con motivo del quinto aniversario de Subaquatica preparamos una exposición colectiva en la que participaron muchos de los artistas que o bien colaboraron de alguna manera con nosotros durante este tiempo o bien nos resultan cercanos por algún motivo. A cada participante se le pidió que comprara una postal de la ciudad en la que vive y que nos la enviara tras haberla personalizado interviniendo sobre ella como estimase oportuno. Como no están firmadas por delante nadie sabe que artista es el autor de cada postal salvo que reconozca su estilo (lo que en muchos casos será inevitable). Entre los artistas que participan: Eltono, Rinzen, Jon Burgerman, Boris Hoppek, Nano4814, San, Remed, Troy Lovegates “Other”, Influenza, Suso33, Neasden Control Centre, Rubenimichi, Sean Mackaoui, Ezba, Derrick Hodgson, Fefe Talavera, SpY, Zosen, Microbo o Bfree además de muchos otros.
Todo esto tiene su porqué:
Por un lado, para nosotros es fundamental que sea la obra la que hable y el artista lo haga a través de su obra antes que a través de su nombre. Es importante que cada pieza tenga un autor y poner en valor dicha autoría pero cada obra debe valerse por si misma para andar por el mundo. Por eso propusimos esta fórmula de semi-ocultación de la autoría en esta exposición.
Por otro lado damos mucha importancia no al país de origen, al idioma o nacionalidad de los artistas pero sí a la ciudad donde viven. Casi toda la cultura contemporánea se puede decir que es urbana porque es en las ciudades donde se concentra la actividad cultural y donde de manera creciente vive la mayoría de la gente. Más allá de eso en Subaquatica siempre hemos prestado mucha atención a aquello que es creativo y consustancialmente urbano. Por eso hemos elegido la postal como soporte, por ser un icono identificativo de la ciudad que muestran.
Incluimos en esta exposición, además de las postales que hemos recibido, una selección de nuestra colección con piezas que han pasado por Subaquatica durante estos años y que hemos comprado para nuestra colección particular (no a la venta).
Para nosotros es una ocasión especial ya que no ha sido fácil llegar a cumplir estos 5 años de andadura pero si lo hemos hecho ha sido gracias a todos vosotros. Muchas gracias
El británico Matt Sewell (www.mattsewell.co.uk) es un amante de los árboles, un maestro de lo orgánico y un ilustrador neo-hippy. Su primera exposición individual en Madrid, The sun shines everyday (el sol brilla todos los días), es descrita por el propio artista de la siguiente manera: “Es acerca del deambular, los pensamientos que vuelan, abandonar el hogar, los pájaros que migran, castillos en el aire, la cara de ella en el cielo, la belleza del mundo, los tigres, los cocodrilos, el sol, la madre naturaleza y como se protege a si misma”.
Orgulloso hijo de los setenta, Matt es conocido por su trabajo en la calle, sus ilustraciones para clientes de lo más diverso y sus influencias oscilan entre los cómics europeos de las últimas décadas del siglo XX y su infancia en contacto con la naturaleza. El resultado, lógicamente, es una obra repleta de optimismo y colorido.
Con ocasión de la publicación del libro del mismo título, pasó fugazmente por Subaquatica, desde el lunes 25 de febrero al 7 de marzo de 2008 la exposición itinerante “A Nice Set” (www.aniceset.com) comisariada por el estudio de diseño Plus et Plus, en colaboración con Reed Space, ambos de Nueva York. Se trata de una exposición colectiva consistente en una colección de deslizadores, esas piezas redondas de fieltro usadas por los DJs sobre los tocadiscos para poder manipular los vinilos. Estos deslizadores han sido creados por un grupo diverso de artistas y diseñadores reconocidos de todas partes del mundo y con trayectorias diversas en el diseño grafico, diseño de moda e industrial, ilustración, música o fotografía. Los artistas invitados han combinado lo auditivo con lo visual para crear una colección de piezas originales que nacen a raíz de sus experiencias musicales, artísticas y culturales y que sirven de ejemplo de una enorme diversidad, propia tanto de la música como del arte y el diseño actuales. La exposición se ha presentado ya en Hong Kong, Tokio y Paris y continua su recorrido por varias ciudades de todo el mundo como Berlin, Dubai y en esta ocasión, Madrid.
El libro (publicado por IdN) recoge imágenes de las piezas, asícomo entrevistas con DJs y músicos como Jamie Lidell, A-Trak, Danny Krivit, Bobbito Garcia o Strictly Kev, entre otros. Entre los artistas participantes: Build, Carlos “Mare 139″ Rodriguez, David Ellis, Ian “Swifty” Swift, Hort, Jeff Staple, Jeremyville, Luca Ionescu o Marc Atlan
Choque Cultural es una galería de arte con la que tenemos una conexión especial en Subaquatica. Coincidió que estábamos en São Paulo el día en que se inauguró en 2003 y desde entonces hemos ofrecido en nuestro espacio obra de muchos de los artistas de aquella megaurbe brasileña como Titi Freak, Stephan Doitschinoff, Flip, Herbert Baglione o Speto ya sea porque pasaban por Madrid ya sea en la forma de alguna de las muchas serigrafias que Choque cultural edita. Pionera en trabajar con talento joven y en muchos caso procedentes del Graffiti, el arte en la calle o el tatuaje, Choque Cultural contribuye al desarrollo de esos artistas mediante la producción cuidada y artesanal de series limitadas ya sea en forma de serigrafía, litografía y otras técnicas de grabado poniendo en valor la energía creativa a través del respeto a la creación individual, por subersiva o atípica que sea.
Esta exposición colectiva, que coincide con una edición de ARCO en la que Brasil es el país invitado, pretende ser una muestra del arte brasileño en los adelaños del establishment, a modo de propuesta “Off ARCO”. Se trata de una excelente oportunidad para ver, de forma retrospectiva, lo mejor de la producción de obra seriada de la galería de São Paulo y del nuevo talento de aquella ciudad con artistas como Speto, Titi Freak, Stephan Doitschinoff “Calma”, Onesto o Carlos Dias.
Derrick Hodgson (www.madreal.com) es un artista e ilustrador canadiense, claro representante de lo que se ha dado en llamar “character design”. Sus personajes muestran una realidad mutada, fruto de la contraposición del ambiente rural en el que Derrick se crió con la gran ciudad en la que vive desde hace años. Su estética combina influencias del mundo de los dibujos animados, el Graffiti o el diseño contemporáneo en un estilo personal, vital y muy característico. Su trabajo como freelance muestra una trayectoria plagada de trabajos para importantes marcas como Nike (EE UU y Canadá), Sony Creative (Japón), 55DSL o Fox TV (EE UU) entre otros, y su trabajo como artista se ha mostrado en galerías de arte desde Dinamarca a Australia o Italia e incluido en revistas y libros de todo el mundo.
Ésta fue su primera exposición individual en España, en la que nos propuso una cocción lenta en cazuela de un montón de ingredientes: personajes, dibujos en colores pastel… un estofado visual de líneas y color.
Sobre el universo psicotrópico de personajes que Pelucas escupe allí por donde pasa se podría hablar durante horas, pero sintéticamente podríamos decir que sencillamente lo que ves es lo que es. Los protagonistas de su particular película, en apariencia sencillos y pueriles, reflejan un mundo interior procedente de las profundidades abisales de la consciencia, en lucha constante con la rutina asesina y camuflados tras destellos deslumbrantes de color negro fluorescente. Aquél que entra en contacto con el mundo esquizo-frenético que emana de las purulencias de Pelucas no se queda indiferente y, sin ninguna duda, los muros de las ciudades por donde pasa no vuelven a ser los mismos: ahora sonríen ante la cruda realidad.
Digno representante de la Galícia más surreal y del colectivo “Los niños especialitos” del que forma parte con su hermano gemelo Tiñas, Nano4814 y algún que otro artista igualmente bizarro, recopiló una selección de su trabajo para su primera exposición en Madrid. Sus ruralismos pictóricos llegaron a Subaquatica con el aire fresco del mar y con su equipo de pescar. Sus cebos: chustas de cigarros, condones usados, trujas-chimeneas, ladrillos derretidos…
Sobran los comentarios.
Rilla y Steve Alexander, miembros del colectivo australiano de arte y diseño Rinzen, enseñaron sus obsesiones y compartieron sus secretos en esta primera muestra de Rinzen en España. Juntos arrojaron luz en las tinieblas de un mundo interior habitado por monstruos y criaturas diversas, actos primitivos y sentimientos de culpa. Y como muestra de su afinidad con la cultura y arte españoles, exploraron el universo del animal patrio por excelencia, el toro, y su metamorfosis en el famoso símbolo del deseo subconsciente, el minotauro. En esta serie de piezas realizadas en acuarela y tinta Rilla y Steve continuaron con la línea experimental iniciada en sus exposiciones en Hamburgo (Helium Cowboy, 2005), Berlín (Neurotitan, 2006) y Portland (Compound Gallery, 2007).
Rinzen es un colectivo conocido por el enfoque cooperativo de sus miembros, resultante de las experiencias en sus proyectos de remezcla visual y auditiva conjuntamente conocidos bajo la marca RMX. El proyecto tomó una forma más analógica y artesanal mediante Neighbourhood (publicado como libro por Victionary en 2006) consistente en la elaboración y reinterpretación de una serie de muñecos de tela por parte de numerosos artistas internacionales. El trabajo de Rinzen, creado tanto a título individual como colectivo, cubre un amplio espectro de estilos y técnicas, a menudo representando realidades alternativas utópicas, diseños rotundos y geométricos o elaborados dibujos a mano. Entre otros muchos proyectos, sus pósters o trabajos para discos y grupos musicales han sido mostrados en el Museo del Louvre, sus creaciones a gran escala exhibidas en Zero Gate en Tokio, su capacidad como creadores de espacios mágicos demostrada con su participación en el proyecto Hotel Fox de Copenhague, han diseñado el número inaugural de la nueva serie de Paul Pope en torno a Batman para DC Comics y han realizado la gráfica de una bicicleta para la compañía japonesa Bebike. Los cinco miembros del colectivo están actualmente repartidos entre Berlín, Brisbane, Melbourne y Nueva York.
Más información aquí: www.rinzen.com
…y aquí: www.rmxxx.com
Maya Hayuk es una muralista, fotógrafa, diseñadora, comisaria de arte, selectora de discos, escritora, coleccionista, barnstormer, pintora, ilustradora, videógrafa, documentalista y amante de la vida que vive en Nueva York, después de haber pasado por San Francisco, Baltimore, Boston y Toronto.
Sin dejar ninguna superficie sin pintar ni ninguna disciplina sin probar, Maya hace uso de una gama ilimitada e imprevisible de fuentes, técnicas, estilos y soportes. Su relación con las imágenes que crea se basa en la libre asociación, compleja y llena de vericuetos, mediante un perspicaz acto de certera yuxtaposición de las partes que conforman el todo. Esta artista utiliza colores intensos pero apropiados para cada caso, enrevesadas geometrías y finas líneas que le permiten reunir los ingredientes constitutivos de su visceral mundo icónico. Su obsesión con la simetría y su colección de imágenes de mandalas, barajas de cartas, tótems, huevos de pascua ucranianos y bandanas se manifiestan en su obra conjuntando lo tradicional y lo innovador. El universo visual de Maya Hayuk puede parecer caótico pero esconde un dominio y ejecución resueltos y precisos.
Su trabajo fotografiando a artistas y grupos musicales ha impulsado la carrera de Maya y le ha permitido diseñar e ilustrar pósters o portadas para Prefuse 73, Savath and Savalas, Jackie-O Motherfucker, Oakley Hall, Om, Home o Devendra Banhart. Además, bajo el alias Open Arms, Maya ha creado una serie de desternillantes videos musicales de tributo con el guitarrista Andrew Deutsch icluyendo uno para el grupo Awesome Color.
El trabajo de esta artista es a la vez social, dinámico y cercano para cualquiera y para todos los que quieran participar y descubrir algo más. Su actitud es expansiva, generosa y colabora con personas, lugares y proyectos con un espíritu genuinamente bohemio, compaginando, por ejemplo, sus murales con su trabajo en el campo de los grabados. Muestra de ello son sus trabajos a gran escala en lugares públicos, a menudo como parte del colectivo Barnstormers, conocidos mundialmente. Su actitud ante la vida es, en resumen, una de amor pero de disposición a enfrentarse a las situaciones desagradables abrazando la ironía y la sátira de lo real.
El futuro, su exposición en Subaquatica y la primera de esta artista en España, giró en torno a paisajes utópicos interiores y exteriores, desde una perspectiva positiva, avanzada y cercana a la naturaleza más idealizada a traves de una serie de dibujos, serigrafías, fotografías y pinturas sobre madera.
Más en su web: www.mayahayuk.com
Bfree es el nombre artístico de Merijn Hos, un artista-ilustrador residente en Utrecht (Países Bajos). En la actividad creadora de este artista percibimos una línea muy fina entre su trabajo pictórico y de dibujo y su trabajo comercial como ilustrador para revistas y marcas de moda. En ambos casos, Bfree se sumerge completamente en su extravagante mundo particular de personajes de piernas largas con pecas, zapatos de tacón y extraños peinados. Él es el todopoderoso creador de este universo con la ayuda de una variedad de materiales diferentes. El uso de pintura en spray, rotuladores o pósters en su actividad más callejera ha dado paso a la creación de instalaciones con personajes creados en tela, pinturas sobre lienzo o dibujos sobre papel. Tras finalizar sus estudios de Ilustración en la Escuela de Artes Visuales de Utrecht, Bfree comenzó a recibir la atención que merece a través de una serie de exposiciones en su país de origen y el resto de Europa o con la participación en los diversos eventos en Barcelona o en Londres bajo la marca “The Dilly” de la mano del artista, amigo y comisario PMH.
Ante el reto de traer una selección de su trabajo a estas latitudes el artista eligió el título I thought this was forever: “Me he dado cuenta”, nos decía el artista, “de que cada vez que me acostumbraba a una determinada situación y me sentía cómodo, acababa por aburrirme y sentir que necesitaba que la situación cambiase. Pero siempre hay al menos un par de días en los que pienso ‘esto es vida, que me quede así para siempre’ pero enseguida me doy cuenta de que me estoy aburriendo de nuevo”. En su exposición en Subaquatica, intentó capturar esa sensación para mostrar una colección de dibujos y pinturas en diferentes formatos, así como una camiseta y un fanzine creados especialmente para la ocasión.
PMH es un personaje inquieto que desarrolla una destacable actividad como catalizador de propuestas colectivas a partir de las aportaciones individuales de varios artistas de todo el mundo y por lo general vinculados al arte en la calle. Muestra de ello son sus iniciativas “The Dilly” o “Finders Keepers”. PMH ha participado en algunas exposiciones o eventos colectivos (Urban Edge en Milán o Wooster Remixed en Nueva York, entre otras) también como artista, si bien su labor como comisario y promotor le ha tenido demasiado ocupado como para dedicar sus esfuerzos a dar a conocer de una manera más individualizada su trabajo.
En Subaquatica somos seguidores de PMH y quisimos darle el impulso que necesitaba para embarcarse en una aventura en solitario que muchos veníamos demandando. Fruto de ello fue Peel Slowly and See, su primera exposición individual, no en Madrid sino en todo el mundo, en la forma de piezas elaboradas con diversas técnicas como el collage, la fotografía, el dibujo, acuarelas…
Como la mayor parte de su trabajo, el título es una referencia a la cultura pop entendida en un sentido amplio. Se trata del texto que podemos encontrar en la portada del célebre LP de debut de The Velvet Underground con su wharholiano plátano esperando a ser pelado. Durante todo el año 2005 PMH escuchaba diariamente este disco y la elección de dicho título es una mención a su vida y obra tanto en un sentido literal como figurado.
Podeis conocer un poco mejor al artista y su trabajo aquí una entrevista que le hicimos no hace mucho para esta web.
Stephan Doitschinoff, también conocido como Calma, es un ilustrador, pintor, artista callejero… procedente de São Paulo, que durante los últimos años se ha mantenido ocupado viajando por EE UU y Europa para diferentes proyectos y exposiciones. Su personal estilo cargado de una iconografía religiosa muy distintiva, acompañada de textos en latín, empieza a ser conocido en todo el mundo. En Brasil había trabajado para clientes como MTV Brasil o Red Bull y creado ilustraciones para los discos de grupos como Saves the Day o Sepultura, al tiempo que su trabajo ha aparecido en numerosos libros y revistas internacionales. Una de sus creaciones llenaba toda una página de la prestigiosa revista Juxtapoz con motivo de la participación de este artista en la exposición colectiva de aniversario de la no menos conocida galería BLK/MRKT, en California.
Death is a Holiday, su primera exposición individual en España, consistió en una serie de dibujos y pinturas que ilustran el enormemente atractivo concepto de que la muerte es sólo un descanso, a medio camino entre dos mundos, a modo de vacaciones entre ambas vidas. Esta idea se presentó de una forma seria y sensible pero irónica al mismo tiempo, a través del macabro sentido del humor que subyace en las imágenes. El título juega con la palabra “holiday”, como resultado de la yuxtaposición de “holy” (sagrado) y “day” (día), significando que la única oportunidad de encontrarnos cara a cara al creador es justamente durante unas vacaciones.
Visita su website: http://www.stephandoit.com.br/
El artista Ezba es uno de los más interesantes exponentes de una generación de artistas de distintas procedencias que se han establecido en Madrid y comparten su interés y actividad en torno al arte en la calle con su actividad profesional como ilustradores y diseñadores. En particular, Ezba ha centrado su actividad más reciente en el grabado. A pesar de contar con un importante grado de reconocimiento internacionalmente, como hace patente la publicación de su trabajo en importantes libros y revistas, esta muestra en Subaquatica fue su primera exposición individual. En ella pudimos contar con una colección de obra en varios formatos y técnicas como la serigrafía, el dibujo a mano, el vinilo adhesivo o el gofrado. Se hizo así patente el lenguaje visual del artista, plagado de referentes a sus gustos e influencias procedentes de la música, el diseño gráfico, el arte, el cine, …
Las imágenes presentes en esta selección de piezas, seriadas y originales, proceden de las realizadas en cuadernos de bocetos evidenciando la frescura con que fueron concebidas.
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Blu comenzó su carrera artística sin un rumbo determinado, simplemente siguiendo su pasión por el dibujo, el arte en la calle, especialmente el no autorizado. Su trabajo se desarrolla en dos etapas y espacios: se origina primero en forma de bocetos en su bloc de trabajo, una especie de diario artístico pero también el contenedor de los dibujos que sirven como esqueleto de su trabajo en una segunda fase: el mural. El verdadero trabajo comienza delante de un edificio, con los elementos de la pared a la que se enfrenta en un esfuerzo en conseguir una continuidad entre su trabajo pictórico y la arquitectura que lo rodea. Blu se dota de las herramientas tradicionales y esenciales: brochas, rodillo, pértigas, uno o dos colores (a menudo sólo blanco y negro)… tomando prestadas técnicas del mundo de la escenografía a veces. El lenguaje adoptado es el propio de un dibujante, con influencias de los cómics o el mundo de la animación aunque asume de manera evidente algunos de los parámetros conceptuales del Graffiti. El trabajo finalmente, es efímero en el mural, que acaba siendo borrado o sencillamente va deteriorándose, pero permanece en papel. Blu trabaja y vive en Bolonia (Italia) y preparó para su exposición en Subaquatica, bajo el título genérico de La nada, una serie de dibujos en la que pudimos apreciar su infinito mundo interior.
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Más información sobre el artista aquí: www.blublu.org
Danny Sangra es un artista y diseñador gráfico de Leeds (Reino Unido) establecido en Londres desde que se trasladara allí para estudiar en la conocida escuela de arte y diseño Central St Martins. Además es un miembro del colectivo de artistas (en su mayoría con trayectoria haciendo arte en la calle) Scrawl Collective y del estudio A Minute Silence a través del cual trabaja para el mundo de la moda haciendo diseño de estampados y tejidos. Danny Sangra ha realizado varias exposiciones individuales y ha expuesto en galerías y salas de Florencia, Berlín y Tokio. Como diseñador gráfico ha trabajado para revistas como Jockey Slut, Blag, X-Ray o Sleazenation y empresas como Sony, Orange Mobile, Beams Clothing, Bread & Butter, Virgin Records o Merlin Clothing entre muchas otras.
The Velvet King Overthrow es el título de la exposición que preparó para Subaquatica, donde mostró trabajos en serigrafía y técnica mixta. Fue una primera exploración de las posibilidades de combinar la serigrafía con la pintura.
“The Velvet King Overthrow” es el título de la exposición que ha preparado para Subaquatica donde mostrará su reciente trabajo mediante serigrafía y técnica mixta, inédito hasta la fecha. Se trata de la primera serie de su reciente incursión en las posibilidades de combinar la serigrafía con la pintura.
Más información sobre el artista aquí:
y aquí:
http://www.scrawlcollective.co.uk/danny.htm
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Sixeart en Subaquatica: Niños malos con flequillo (2006).
Los inicios artísticos de Sixeart, así como sus principales referentes, se encuentran en la escena de Graffiti de Barcelona, dentro de la cual podríamos encuadrarlo en la categoría de auténtico veterano. Durante los últimos años su actividad se ha extendido desde la calle, en donde mantiene una ininterrumpida actividad creadora, hacia los campos de la pintura, la escultura, y el diseño. Es destacable también su colaboración con el mundo de la moda mediante su participación en Pasarela Gaudí, junto con el diseñador Josep Font o en la Pasarela Cimarron Moda Circuit. Esta natural evolución hacia una mayor profesionalización le ha permitido participar en numerosas exposiciones individuales y colectivas, siendo la de Subaquatica, sin embargo, la primera exposición individual que presentó en Madrid.
Es ahora, cuando las nuevas formas de arte en la calle que se distancian de los cánones del Graffiti tradicional están en boga, cuando el trabajo de Sixeart parece estar en sintonía con esas nuevas tendencias. Sin embargo, para aquellos que conocemos su trayectoria, es evidente que, dentro de su natural evolución, Sixeart sigue siendo fiel a su personalísimo estilo, ajeno a tendencias y siempre abierto a la experimentación. Sus personajes recurrentes, los niños y los animales, han crecido con el artista y pueblan un mundo colorido, lleno de contrastes y con regusto agridulce al que sólo el artista sabe como llegar y de cuyas visitas nos trajo estas maravillosas instantáneas, calificadas por el propio artista como “una de las mejores series de niños malos que he hecho hasta el momento”.
Niños malos con flequillo nació de los personajes y amigos nocturnos de las intensas noches de Barcelona. Todos ellos quedaron grabados en el subconsciente de Sixeart: sus rostros, sus flequillos y esas caras perversas que escondían un alma buena en su interior.
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Louis Lambert “3ttman” y Guillaume Alby “Remed” se conocieron en 1993 y desde entonces desarrollan un gusto común por la pintura. Unos años más tarde, en 1999 y bajo el nombre de “Drive59”, empiezan a interactuar en sesiones de arte callejero mediante pegatinas hechas a mano por la ciudad… y así nacieron 3ttman y Remed.
Después, cada uno siguió su camino artístico sin perder el contacto: 3ttman dedica sus esfuerzos a la serigrafía y a la pintura en Madrid, mientras Remed investiga en el ámbito del Graffiti en el norte de Francia y Bélgica. En el verano de 2005, aprovechando el paso de Remed por Madrid, los dos artistas volvieron a reflexionar juntos y expresaron sus dudas, sus miedos y sus fantasías sobre el lienzo mediante el uso de varias técnicas tanto “clásicas” (pintura, lápiz…) como vinculadas al arte “urbano” (spray, rotuladores, plantillas…). Todo ello nos permitió asistir a la mezcla perfecta de los dos estilos encontrándose y apoyándose en todo momento. De la confianza que tienen entre ellos para borrarse, confrontarse, criticarse, interactuar y entenderse plenamente tanto en el fondo como en la forma y de esa necesidad de tratar de lo que les rodea nació una serie de cuadros frescos, atractivos, coloridos, reivindicativos, actuales y modernos. |
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