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El británico Matt Sewell (www.mattsewell.co.uk) es un amante de los árboles, un maestro de lo orgánico y un ilustrador neo-hippy. Esta es su primera exposición individual en Madrid, “The sun shines everyday” (el sol brilla todos los días) El artista describe el trabajo que ha preparado para esta muestra de la siguiente manera: “Es acerca del deambular, los pensamientos que vuelan, abandonar el hogar, los pájaros que migran, castillos en el aire, la cara de ella en el cielo, la belleza del mundo, los tigres, los cocodrilos, el sol, la madre naturaleza y como se protege a si misma”.
Orgulloso hijo de los 70 Matt es conocido por su trabajo en la calle, sus ilustraciones para clientes de lo más diverso y sus influencias oscilan entre los comics europeos de las últimas décadas del siglo pasado y su infancia en contacto con la naturaleza. El resultado, lógicamente, es una obra repleta de optimismo y colorido.
Con ocasión de la publicación del libro del mismo título, pasó fugazmente por Subaquatica, desde el lunes 25 de febrero al 7 de marzo de 2008 la exposición itinerante “A Nice Set” (www.aniceset.com) comisariada por el estudio de diseño Plus et Plus, en colaboración con Reed Space, ambos de Nueva York. Se trata de una exposición colectiva consistente en una colección de deslizadores, esas piezas redondas de fieltro usadas por los DJs sobre los tocadiscos para poder manipular los vinilos. Estos deslizadores han sido creados por un grupo diverso de artistas y diseñadores reconocidos de todas partes del mundo y con trayectorias diversas en el diseño grafico, diseño de moda e industrial, ilustración, música o fotografía. Los artistas invitados han combinado lo auditivo con lo visual para crear una colección de piezas originales que nacen a raíz de sus experiencias musicales, artísticas y culturales y que sirven de ejemplo de una enorme diversidad, propia tanto de la música como del arte y el diseño actuales. La exposición se ha presentado ya en Hong Kong, Tokio y Paris y continua su recorrido por varias ciudades de todo el mundo como Berlin, Dubai y en esta ocasión, Madrid.
El libro (publicado por IdN) recoge imágenes de las piezas, asícomo entrevistas con DJs y músicos como Jamie Lidell, A-Trak, Danny Krivit, Bobbito Garcia o Strictly Kev, entre otros. Entre los artistas participantes: Build, Carlos “Mare 139″ Rodriguez, David Ellis, Ian “Swifty” Swift, Hort, Jeff Staple, Jeremyville, Luca Ionescu o Marc Atlan
Choque Cultural es una galería de arte con la que tenemos una conexión especial en Subaquatica. Coincidió que estábamos en São Paulo el día en que se inauguró en 2003 y desde entonces hemos ofrecido en nuestro espacio obra de muchos de los artistas de aquella megaurbe brasileña como Titi Freak, Stephan Doitschinoff, Flip, Herbert Baglione o Speto ya sea porque pasaban por Madrid ya sea en la forma de alguna de las muchas serigrafias que Choque cultural edita. Pionera en trabajar con talento joven y en muchos caso procedentes del Graffiti, el arte en la calle o el tatuaje, Choque Cultural contribuye al desarrollo de esos artistas mediante la producción cuidada y artesanal de series limitadas ya sea en forma de serigrafía, litografía y otras técnicas de grabado poniendo en valor la energía creativa a través del respeto a la creación individual, por subersiva o atípica que sea.
Esta exposición colectiva, que coincide con una edición de ARCO en la que Brasil es el país invitado, pretende ser una muestra del arte brasileño en los adelaños del establishment, a modo de propuesta “Off ARCO”. Se trata de una excelente oportunidad para ver, de forma retrospectiva, lo mejor de la producción de obra seriada de la galería de São Paulo y del nuevo talento de aquella ciudad con artistas como Speto, Titi Freak, Stephan Doitschinoff “Calma”, Onesto o Carlos Dias.
Derrick Hodgson (www.madreal.com) es un artista e ilustrador canadiense cuyo trabajo gira en torno a la creación de personajes siendo un claro representante de lo que se ha venido llamando “character design”. Sus personajes muestran una realidad mutada, fruto de la contraposición del ambiente rural en el que Derrick se crió con la gran ciudad en la que vive desde hace años. Su estética combina influencias del mundo de los dibujos animados, el Graffiti o el diseño contemporáneo en un estilo personal, vital y muy característico. Su trabajo como freelance muestra una trayectoria plagada de trabajos para importantes marcas como Nike (EE UU y Canadá), Sony Creative (Japón), 55DSL o Fox TV (EE UU) entre otros y su trabajo como artista ha sido mostrado en galerías de arte desde Dinamarca a Australia o Italia e incluido en revistas y libros de todo el mundo. Esta será su primera exposición individual en España y, bajo el título “Heavy Stew” (algo así como “contundente guiso”), nos propone una cocción lenta en cazuela de un montón de ingredientes: personajes, dibujos en colores pastel… un estofado visual de líneas y color.
Sobre el universo psicotrópico de personajes que Pelucas escupe allí por donde pasa se podría hablar durante horas, pero sintéticamente podríamos decir que sencillamente lo que ves es lo que es. Los protagonistas de su particular película, en apariencia sencillos y pueriles, reflejan un mundo interior procedente de las profundidades abisales de la consciencia, en lucha constante con la rutina asesina y camuflados tras destellos deslumbrantes de color negro fluorescente. Aquel que entra en contacto con el mundo esquizo-frenético que emana de las purulencias de Pelucas no se queda indiferente y, sin ninguna duda, los muros de las ciudades por donde pasa no vuelven a ser los mismos: ahora sonrien ante la cruda realidad.
Digno representante de la Galícia más surreal y del colectivo “Los niños especialitos” del que forma parte con su hermano gemelo Tiñas, Nano4814 y algún que otro artista igualmente bizarro, recopila una selección de su trabajo más reciente para su primera exposición en Madrid. Sus ruralismos pictoricos llegan a Subaquatica con el aire fresco del mar y con su equipo de pescar. Sus cebos: chustas de cigarros, condones usados, trujas-chimeneas, ladrillos derretidos… y, en sus propias palabras: “algún pequeño Gusiluz para los chocos… ¿Asi pescaré otro rico rico cebo? Terapia de choque y viceversa que no pesco en el agua, me estreso y me paso al alquitrán, que me relaja más… lo único que me inquieta es su color… mucho miedo… ficticio o real… y de aquí a Portugal con el arte rural”. Sobran los comentarios.
Rilla y Steve Alexander, miembros del colectivo australiano de arte y diseño Rinzen, muestran sus obsesiones y comparten sus secretos en esta primera muestra de Rinzen en España. Juntos arrojan luz en las tiniebras de un mundo interior habitado por monstruos y criaturas diversas, actos primitivos y sentimientos de culpa. Y como muestra de su afinidad con la cultura y arte españoles, exploran el universo del animal patrio por excelencia, el toro, y su metamorfosis en el famoso símbolo del deseo subconsciente, el minotauro. En esta serie de piezas realizadas en acuarela y tinta Rilla y Steve continuan la línea experimental iniciada en sus exposiciones en Hamburgo (Helium Cowboy, 2005), Berlin (Neurotitan, 2006) y Portland (Compound Gallery, 2007).
Rinzen es un colectivo conocido por el enfoque cooperativo de sus miembros, resultante de las experiencias en sus proyectos de remezcla visual y auditiva conjuntamente conocidos bajo la marca RMX. A raiz del libro RMX publicado en 2001 Rinzen invitó a más de 30 artistas audiovisuales de todo el mundo a participar en un nuevo proyecto de arte digital secuencial y colaborativo (©¯RMX Extended Play©˜ publicado por Die Gestalten Verlag) que ha sido tomado como referencia por muchos otros artistas y diseñadores desde entonces. Recientemente el proyecto tomó una forma más analógica y artesanal mediante el proyecto “Neighbourhood” (publicado como libro por Victionary en 2006) consistente en la elaboración y reinterpretación de una serie de muñecos de tela por parte de numerosos artistas internacionales. El trabajo de Rinzen, creado tanto a título individual como colectivo, cubre un amplio espectro de estilos y técnicas, a menudo representando realidades alternativas utópicas, diseños rotundos y geométricos o elaborados dibujos a mano. Entre otros muchos proyectos, sus posters o trabajos para discos y grupos musicales han sido mostrados en el Museo del Louvre, sus creaciones a gran escala exhibidas en Zero Gate en Tokio, su capacidad como creadores de espacios mágicos demostrada con su participación en el proyecto Hotel Fox de Copenhague, han diseñado el número inaugural de la nueva serie de Paul Pope en torno a Batman para DC Comics y han realizado la gráfica de una bicicleta para la compañía japonesa Bebike. Los cinco miembros del colectivo están actualmente repartidos entre Berlín, Brisbane, Melbourne y Nueva York.
Más información aquí: www.rinzen.com
…y aquí: www.rmxxx.com
Maya Hayuk es una muralista, fotógrafa, diseñadora, comisaria de arte, selectora de discos, escritora, coleccionista, Barnstormer, pintora, ilustradora, videógrafa, documentarista y amante de la vida que vive en Nueva York después de haber pasado por San Francisco, Baltimore, Boston y Toronto.
Sin dejar ninguna superficie sin pintar ni ninguna disciplina sin probar, Maya hace uso de una gama ilimitada e imprevisible de fuentes, técnicas, estilos y soportes. Su relación con las imágenes que crea se basa en la libre asociación, compleja y llena de vericuetos, mediante un perspicaz acto de certera yuxtaposición de las partes que conforman el todo. Esta artista utiliza colores intensos pero apropiados para cada caso, enrevesadas geometrías y finas líneas que le permiten reunir los ingredientes constitutivos de su visceral mundo icónico. Su obsesión con la simetría y su colección de imágenes de mandalas, barajas de cartas, totems, huevos de pascua ucranianos y bandanas se manifiestan en su obra conjuntando lo tradicional y lo innovador. El universo visual de Maya Hayuk puede parecer caótico pero esconde un dominio y ejecución resueltos y precisos. Maya también dedica su tiempo a realizar tanto proyectos a escala humana como libros de pequeña tirada, tablas de skate, zapatos, ensayos fotográficos, camisetas, chapas, exposiciones colectivas, cintas de mezcla y dibujos o pinturas diminutos.
Su trabajo fotografiando a artistas y grupos musicales ha impulsado la carrera de Maya estos últimos años y le ha permitido diseñar e ilustrar posters o portadas para Prefuse 73, Savath and Savalas, Jackie-O Motherfucker, Oakley Hall, Om, Home o Devendra Banhart. Además, bajo el alias Open Arms, Maya ha creado una serie de desternillantes videos musicales de tributo con el guitarrista Andrew Deutsch icluyendo uno para el grupo Awesome Color.
El trabajo de esta artista es a la vez social, dinámico y cercano para cualquiera y para todos los que quieran participar y descubrir algo más. Su actitud es expansiva, generosa y colabora con personas, lugares y proyectos con un espíritu genuinamente bohemio, compaginado, por ejemplo, sus murales con su trabajo en el campo de los grabados. Muestra de ello son sus trabajos a gran escala en lugares públicos, a menudo como parte del colectivo Barnstormers, conocidos mundialmente. Su actitud ante la vida es, en resumen, una de amor pero de disposición a enfrentarse a las situaciones desgradables abrazando la ironía y la sátira de lo real.
“El futuro”, su exposición en Subaquatica y la primera de esta artista en España, gira en torno a paisajes utópicos interiores y exteriores, desde una perspectiva positiva, avanzada y cercana a la naturaleza más idealizada a traves de una serie de dibujos, serigrafias, fotografías y pinturas sobre madera.
Más en su web: www.mayahayuk.com
Bfree (www.bfreeone.com) es el nombre artístico de Merijn Hos, un artista-ilustrador residente en Utrecht (Países Bajos). En la actividad creadora de este artista percibimos una línea muy fina entre su trabajo pictórico y de dibujo y su trabajo comercial como ilustrador para revistas y marcas de moda. En ambos casos Bfree se sumerge completamente en su extravagante mundo particular de personajes de piernas largas con pecas, zapatos de tacón y extraños peinados. Él es el todopoderoso creador de este universo con la ayuda de una variedad de materiales diferentes. El uso de pintura en spray, rotuladores o pósters en su actividad más callejera ha dado paso a la creación de instalaciones con personajes creados en tela, pinturas sobre lienzo o dibujos sobre papel. Durante los últimos años, tras finalizar sus estudios de Ilustración en la Escuela de Artes Visuales de Utrecht, Bfree ha comenzado a recibir la atención que merece a través de una serie de exposiciones en su país de origen y el resto de Europa o con la participación en los diversos eventos en Barcelona o en Londres bajo la marca “The Dilly” de la mano del artista, amigo y comisario PMH.
Ante el reto de traer una selección de su trabajo a estas latitudes el artista eligió el título “I thought this was forever”, esto es, “Pensaba que esto era para siempre”. Bfree explica sus motivos: “Durante los últimos años me he dado cuenta de que cada vez que me acostumbraba a una determinada situación y me sentía cómodo, acababa por aburrirme y sentir que necesitaba que la situación cambiase. Pero siempre hay al menos un par de días en los que pienso ‘esto es vida, que me quede así para siempre’ pero enseguida me doy cuenta de que me estoy aburriendo de nuevo”. Para esta exposición el artista ha intentado capturar esa sensación junto a otros temas que le motivan para crear una colección de dibujos y pinturas en diferentes formatos así como una camiseta y un fanzine creados especialmente para la ocasión. Podeis conocer un poco mejor al artista y su trabajo aquí una entrevista que le hicimos hace un tiempo para esta web.
PMH es un personaje inquieto que viene desarrollando una destacable actividad como catalizador de propuestas colectivas a partir de las aportaciones individuales de varios artistas de todo el mundo y por lo general vinculados al arte en la calle. Muestra de ello son sus iniciativas “The Dilly” o “Finders Keepers”. Estos nombres han tomado la forma en el caso de “The Dilly” de un fanzine y exposiciones colectivas en Barcelona y Londres, y de un colectivo de artistas que también ha expuesto en Milán, Hamburgo, Londres y Barcelona en el caso de “Finders Keepers”. A través de estas iniciativas y en algunas otras exposiciones o eventos colectivos (Urban Edge en Milan o Wooster Remixed en Nueva York entre otras) PMH viene participando también como artista si bien su labor como comisario y promotor le ha tenido demasiado ocupado como para dedicar sus esfuerzos a dar a conocer de una manera más individualizada su trabajo.
En Subaquatica venimos siguiendo su trabajo desde hace tiempo y hemos querido darle a PMH el impulso que necesitaba para embarcarse en una aventura en solitario que muchos veníamos demandando. Fruto de ello es “Peel Slowly and See” su primera exposición individual no ya en Madrid sino en todo el mundo en la forma de piezas elaboradas con diversas técnicas como el collage, la fotografía, el dibujo, acuarelas…
Como la mayor parte de su trabajo, el título es una referencia a la cultura pop entendida en un sentido amplio. Se trata del texto que podemos encontrar en la portada del célebre LP de debut de The Velvet Underground con su wharholiano plátano esperando a ser pelado. Durante todo el año 2005 PMH escuchaba diariamente este disco y la elección de dicho título es una referencia a su vida y obra tanto en un sentido literal como figurado. Estamos ante la ocasión de ver de manera aislada la propuesta de este artista, a menudo eclipsada hasta ahora por sus otras actividades, y adentrarnos en su mundo, su estado mental, su estilo y encontrar en cada pieza uno o más sentidos adicionales y superpuestos en sus guiños y en sus referencias: Wu Tang, El barón rojo, chicas monas o Black Sabbath por nombrar sólo algunas. Los referentes de los que se nutre junto a la heterogéneidad de las técnicas utilizadas y una actitud que roza lo gamberro da como resultado una muestra a medio camino entre lo pop y lo punk.
Con ello PMH reclama tu atención el tiempo justo para que finalmente tengas la ocasión de saborear con más detenimiento el fruto de su faceta como creador por derecho propio. Pélalo todo lentamente y podrás ver con claridad al gran artista que se esconde detrás.
Podeis conocer un poco mejor al artista y su trabajo aquí una entrevista que le hicimos no hace mucho para esta web.
Stephan Doitschinoff también conocido como Calma es un ilustrador, pintor, artista callejero… procedente de São Paulo (Brasil) que durante los últimos años se ha mantenido ocupado viajando por EE.UU. y Europa para diferentes proyectos y exposiciones. Su personal estilo cargado de una iconografía religiosa muy distintiva, acompañada de textos en latín, empieza a ser conocido en todo el mundo. En Brasil había trabajado para clientes como MTV Brasil o Red Bull y creado ilustraciones para los discos de grupos como Saves the Day, al tiempo que su trabajo ha aparecido en numerosos libros y revistas internacionales. Recientemente ha elaborado una serie de pinturas que ilustran el nuevo disco del grupo Sepultura y una de sus creaciones más recientes llenaba toda una página de la prestigiosa revista Juxtapoz con motivo de la participación de este artista en la exposición colectiva de aniversario de la no menos conocida galería BLK/MRKT en California. Esta nueva exposición, con obra inédita hasta la fecha, será su primera individual en España.
“Death is a Holiday” consiste en una serie de dibujos y pinturas que ilustran el enormemente atractivo concepto de que la muerte es solo un descanso, a medio camino entre dos mundos, a modo de vacaciones entre ambas vidas. Esta idea se presenta de una forma seria y sensible pero irónica al mismo tiempo, a través del macabro sentido del humor que subyace en las imágenes. El título juega con la palabra “holiday”, como resultado de la juxtaposición de “holy” (sagrado) y “day” (día) significando que la única oportunidad de encontrarnos cara a cara al creador es justamente durante unas vacaciones.
Las piezas de esta serie presentan una batalla de caracter cíclico entre la vida y la muerte, siendo la primera sinónimo de trabajo duro y la segunda de un merecido descanso en un exótico destino. Para ello Doitschinoff busca en las profundidades de lo pagano y la alquimia donde las calaveras humanas nos recuerdan la mortalidad humana y la acumulación de conocimiento al tiempo que estos mundos simbólicos nos remiten a la idea lo indestructible y lo elemental.
Las figuras en los retratos surgen de entre una variedad de visiones que se asoman desde ultratumba, o justo desde su umbral. Uno de ellos incluye un frasco de veneno, el billete de solo ida hacía el destino definitivo. Esta visión de la muerte, junto al deseable concepto de las vacaciones, dejan al espectador preguntandose hacia donde se dirige.
Visita su website: http://www.stephandoit.com.br/
El artista Ezba es uno de los más interesantes exponentes de una generación de artistas que con distintas procedencias se han establecido en Madrid y comparten su interés y actividad en torno al arte en la calle con su actividad profesional como ilustradores y diseñadores. En particular Ezba ha centrado su actividad más reciente en el mundo del grabado. A pesar de contar con un importante grado de reconocimiento a nivel internacional, como hace patente la publicación de su trabajo en importantes libros y revistas, está muestra en Subaquatica es su primera exposición individual. En ella podemos contar con una colección de obra en varios formatos y técnicas como la serigrafía, el dibujo a mano, el vinilo adhesivo o el gofrado. En esta colección de obras que Ezba ha creado para la ocasión se hace patente el lenguaje visual del artista, plagado de referentes a sus gustos e influencias procedentes de la música, el diseño gráfico, el arte, el cine, …
Las imágenes presentes en esta selección de piezas, seriadas y originales, proceden de las realizadas en cuadernos de bocetos evidenciando la frescura con que han sido concebidas. No se trata quizás de una serie con un concepto claro ni tan siquiera con un estilo gráfico definido, sino una síntesis de lenguajes visuales aprendidos, codificados, y mezclados al gusto del autor y en la que percibimos la marca clara de su actividad habitual como diseñador gráfico.
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Blu comenzó su carrera artística sin un rumbo determinado, simplemente siguiendo su pasión por el dibujo, el arte en la calle, especialmente el no autorizado. Su trabajo se desarrolla en dos etapas y espacios: Se origina primero en forma de bocetos en su bloc de trabajo, una especie de diario artístico pero también el contenedor de los dibujos que sirven como esqueleto de su trabajo en una segunda fase: el mural. El verdadero trabajo comienza delante de un edificio, con los elementos de la pared a la que se enfrenta en un esfuerzo en conseguir una continuidad entre su trabajo pictórico y la arquitectura que lo rodea. Blu se dota de las herramientas tradicionales y esenciales: brochas, rodillo, pértigas, uno o dos colores (a menudo sólo blanco y negro)… y a menudo toma prestadas técnicas del mundo de la escenografía. El lenguaje adoptado es el propio de un dibujante, con influencias de los comics o el mundo de la animación aunque asume de manera evidente algunos de los parámetros conceptuales del Graffiti. El trabajo finalmente, es efímero en el mural, que acaba siendo borrado o sencillamente va deteriorándose, pero permanece en papel. Blu trabaja y vive en Bolonia (Italia) y ha preparado para su exposición en Subaquatica, bajo el título genérico de “La nada”, una serie de dibujos inéditos hasta la fecha en la que se aprecia su infinito mundo interior.
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Más información sobre el artista aquí: www.blublu.org
Danny Sangra es un artista y diseñador gráfico de Leeds (Reino Unido) establecido en Londres desde que se trasladara allí para estudiar en la conocida escuela de arte y diseño Central St Martins. Además es un miembro del colectivo de artistas (en su mayoría con trayectoria haciendo arte en la calle) Scrawl Collective y del estudio A Minute Silence a través del cual trabaja para el mundo de la moda haciendo diseño de estampados y tejidos. Danny Sangra ha realizado varias exposiciones individuales y ha expuesto en galerías y salas de Florencia, Berlín y Tokio. Como diseñador gráfico ha trabajado para revistas como Jockey Slut, Blag, X-Ray o Sleazenation y empresas como Sony, Orange Mobile, Beams Clothing, Bread & Butter, Virgin Records o Merlin Clothing entre muchas otras. Y en cuanto a su estilo, bueno, mejor que nos lo cuente él con sus propias palabras: “Mi estilo de pintura ha evolucionado hacia una combinación de formas geométricas y trabajo de línea preciso con estructuras orgánicas. Pinto alternando libremente entre estilos dependiendo de mi estado de ánimo. Prefiero pintar espacios ya que así la obra tiene margen para crecer y hacerse con el lugar”.
“The Velvet King Overthrow” es el título de la exposición que ha preparado para Subaquatica donde mostrará su reciente trabajo mediante serigrafía y técnica mixta, inédito hasta la fecha. Se trata de la primera serie de su reciente incursión en las posibilidades de combinar la serigrafía con la pintura.
Más información sobre el artista aquí:
y aquí:
http://www.scrawlcollective.co.uk/danny.htm
¿Quién es Sixeart?
Los inicios artísticos de Sixeart, así como sus principales referentes, se encuentran en la escena de Graffiti de Barcelona, dentro de la cual podríamos encuadrarlo en la categoría de auténtico veterano. Durante los últimos años su actividad se ha extendido desde la calle, en donde mantiene una ininterrumpida actividad creadora, hacia los campos de la pintura, la escultura, y el diseño. Es destacable también su colaboración con el mundo de la moda mediante su participación en Pasarela Gaudí, junto con el diseñador Josep Font o en la Pasarela Cimarron Moda Circuit. Esta natural evolución hacia una mayor profesionalización le ha permitido participar en numerosas exposiciones individuales y colectivas, siendo esta en Subaquatica, sin embargo, la primera exposición individual que presenta en Madrid.
Es ahora, cuando las nuevas formas de arte en la calle que se distancian de los cánones del Graffiti tradicional están en boga, cuando el trabajo de Sixeart parece estar en sintonía con esas nuevas tendencias. Sin embargo, para aquellos que conocemos su trayectoria, es evidente que, dentro de su natural evolución, Sixeart sigue siendo fiel a su personalísimo estilo, ajeno a tendencias y siempre abierto a la experimentación. Sus personajes recurrentes, los niños y los animales, han crecido con el artista y pueblan un mundo colorido, lleno de contrastes y con regusto agridulce al que sólo el artista sabe como llegar y de cuyas visitas nos trae estas maravillosas instantáneas.
Texto: Subaquatica.
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Sixeart en Subaquatica: Niños malos con flequillo (2006).
Desde hace unos cuatro años he ido trabajando en una serie, llamada “Niños malos con flequillo” haciendo varias exposiciones: una individual con 25 cuadros en la Galería Laboratorio 22, en el barrio del Raval de Barcelona, otra en la Galería La Santa con un mural en pared de 6 por 8 metros y la última en el Festival Internacional BAC (en el CCCB de Barcelona) con un mural de 2 por 3 metros. En cada una de estas exposiciones las series han ido mejorando, haciendo que esta última colección que presento en Subaquatica sea para mí una de las mejores series de niños malos que haya hecho hasta el momento.
“Niños malos con flequillo” nace de los personajes y amigos nocturnos de las intensas noches de Barcelona. Todos ellos quedaron grabados en mi subconsciente, sus rostros, sus flequillos y esas caras perversas que escondían un alma buena en el interior de todos ellos. Así, de este modo, surgió esta serie, la cual he
realizado en diferentes formatos y técnicas como Grafiiti, dibujos en papel o cuadros.
Texto: Sixeart
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Louis Lambert “3ttman” y Guillaume Alby “Remed” se conocen en 1993, desde entonces desarrollan un gusto común por la pintura. Unos años más tarde, en 1999 y bajo el nombre de “Drive59”, empiezan a interactuar en sesiones de arte callejero mediante pegatinas hechas a mano por la ciudad… nacen así 3ttman y Remed.
Luego cada uno sigue su camino artístico sin perder el contacto: 3ttman dedica sus esfuerzos a la serigrafía y a la pintura en Madrid, mientras Remed investiga en el ámbito del Graffiti en el norte de Francia y Bélgica. En el verano de 2005, aprovechando el paso de Remed por Madrid, los dos artistas vuelven a reflexionar juntos y expresan sus dudas, sus miedos y sus fantasías sobre el lienzo mediante el uso de varias técnicas tanto “clásicas” (pintura, lápiz…) como vinculadas al arte “urbano” (spray, rotuladores, plantillas…). Ello permite una mezcla perfecta de los dos estilos que se encuentran y se apoyan en todo momento. El rigor de las tipografías de Remed contrasta junto al trazo más espontáneo de 3ttman, los iconos limpios y cargados de sentido de uno al lado de las representaciones infantiles e irónicas del otro… De la confianza que tienen entre ellos para borrarse, confrontarse, criticarse, interactuar y entenderse plenamente tanto en el fondo como en la forma y de esa necesidad de tratar de temas los que les rodea ha nacido una serie de cuadros frescos, atractivos, coloridos, reivindicativos, actuales y modernos. 3ttman y Remed pretenden disfrutar, ante todo como dos buenos amigos, y ello se nota en esta serie de cuadros que presentan en Subaquatica, llena de color y de vida. |
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