Ian Francis

Una vez más nos alejamos de lo que se espera de Subaquatica (si es que hay alguien hay fuera que no sólo lee estas entrevistas sino que además tiene expectativas de las siguientes) y entrevistamos a un artista que sencillamente nos ha gustado: Ian Francis (www.ifrancis.co.uk). Su trabajo nos remite a una iconografía familiar y con raices en el cine, la TV, los comics o la ilustración pero lo cierto es que Ian Francis lleva camino de consolidarse como el artista cotizado que ya es y a nuestro parecer con muchos motivos para ello. Aquí la entrevista.

Antes de nada: ¿Porqué, dónde, cómo… te convertiste en un artista?

Me encanta pintar y dibujar desde que tengo memoria. Creo que decidí ser artista cuando tenía 11 o 12 años y desde entonces es lo que vengo intentando. Estudie Ilustración en la universidad porque en ese momento me parecía que ese tipo de estudios eran más cercanos a lo que yo quería hacer que los de Bellas artes pero siempre he estado más inclinado a hacer trabajo personal que de encargo. Después de acabar los estudios me ha llevado mucho tiempo poder dedicarme al arte como dedicación exclusiva. Tenía muy claro que esto es lo que quería pero no como conseguir que fuera mi ocupación de manera profesional. Estuve durante 5 o 6 años con trabajos de media jornada para poder ganarme la vida y dedicar el resto del tiempo desarrollando mi trabajo como artista. Con el tiempo empecé a recibir solicitudes de galerías para exponer mi trabajo porque habían visto algo en revistas impresas u online.

Me da la impresión de que mucha de tu iconografía tiene mucho que ver con la tele, el cine o los comics y estas son artes principalmente narrativas. Debido a esto y a los títulos de tus obras parece como si hubiera un sentido narrativo subyacente en tus obras. ¿Es así? ¿Te gusta la idea de que la gente vea tus obras como una visión puntual de una trama narrativa más compleja y que queda sólo sugerida?

Sí, desde luego. Me encanta el cine y la televisión y la relación que la pintura tiene con esas artes. En el cine las imágenes fijas pasan tan rápido que juntas hacen un todo en movimiento y en la pintura tomas algo que ocurre en unos segundos o en una fracción de un segundo y pasas días, semanas o meses trabajando sobre ello. Ahora mismo no estoy intentando crear narrativa con una historia que se desarrolle en el tiempo pero me encanta la idea de la narrativa implícita en una imagen estática bidimensional y el sintetizar algo en un momento me fascina.

Puede que te hayas dado cuenta de que sobre todo entrevistamos y prestamos especual atención a artistas que vienen del arte en la calle o el Graffiti. No es tu caso pero tus dos principales exposiciones individuales hasta la fecha han sido en dos galerías en el Reino Unido y en EEUU que sobre todo trabajan con este mismo tipo de artistas. ¿Qué dirías que tienes en común con el arte en la calle o al menos con esa generación de artistas que giran en torno a ese trasfondo y que como a tí se les etiqueta como fuera del circuito más tradicional (”Outsiders” como os llama el galerista Steve Lazarides)?

Algo con lo que me imagino que siempre he estado luchando es con el lugar que ocupa mi trabajo. Cuando acabé los estudios sabía que quería hacer lo que me apeteciera y por eso el mundo de la ilustración no era para mí pero las galerías que conocía trabajaban bien con artistas muy conceptuales o con artistas muy tradicionales, dos tipos de arte que respeto pero que no me dicen mucho. Sabía el tipo de arte que quería hacer así que me dediqué a hacerlo sin preocuparme demasiado con el lugar que debía ocupar en el mundo. Últimamente creo que es posible que sea bueno que mi obra no encaje del todo en ningún género o escena. Me gusta el arte en la calle pero realmente mi trabajo no tiene mucho que ver ya que puede ser incluso la antítesis (está construido a base de capa sobre capa y mediante un proceso lento, lo opuesto a la inmediatez que el arte en la calle requiere). Creo que la relación viene de websites como Fecal Face, Juxtapoz, Beautiful Decay etc. que cubren una cosa y la otra. Y también pienso que la similitud viene de cierto interés en determinada iconografía y en desarrollar cosas a partir de ello. Me gusta la manera en que estas webs o galerías se relacionan con la gente y como esa manera de relacionarse es muy diferente a la de galerías más tradicionales pero quizás sea tan sólo mi percepción. Me parecen más… relevantes.

No sabría decir por tu obra si tu visión de la vida es pesimista u optimista porque la impresión sombría y dramática de tu obra, incluso con monstruos, encuentra cierto equilibrio en el uso del color y en los títulos un tanto sarcásticos. ¿Cómo definirías tu obra en términos de humor, de tono, de lo trágico frente a lo cómico…?

Creo que, a pesar de sus fallos y mi propia visión cínica, me gusta la socidad en la que vivo y no quisiera que se desintegrara. La idea de que las cosas se colapsen y se destruyan me fascina tanto como me horroriza y esto ha acabado siendo un tema dominante en mi obra a lo largo de los años. La manera en que un rango de ideas tan dispar, desde lo profundamente serio a lo llanamente superficial, conviven uno junto a lo otro, en internet o en la cultura popular realmente me llama la atención. Creo que es ese sentido del horror, lo absurdo y la belleza mezclándose es lo que estoy intentando representar con mi trabajo. El mundo se está volviendo más extraño cada día y es difícil saber como reaccionar muchas veces.

Justamente, volviendo a los monstruos, que están presentes en algunas de tus piezas más recientes a juzgar por el título, porque realmente los retratas en ese estilo más suelto y abstracto que usas para los fondos en lugar de usar la técnica más definida que usas para los personajes humanos. ¿Llegaremos a ver la cara de esos monstruos o seguiran siendo amenazas presentes pero borrosas y por lo tanto más temibles y misteriosas?

Viene del sentido abstracto de las amenazas presentes en mucho de lo que leo útimamente. Muchos de los peligros a los que nos enfrentamos son muy reales pero no necesariamente inmediatos y obvios en nuestra vida cotidiana y no tienen una forma concreta y física. Hay algo en la idea de los monstruos en ese sentido abstracto que me interesa. Es una mezcla de lo serio y lo ridículo de la situación. Las formas con las que los represento tienen que ver con los efectos de luz y distorsiones que obtienes en fotografías en particular de cosas como explosiones y edificios que se derruen. Quiero intentar llevar esta idea a mi pintura sutilmente usando formas que sugieran elementos que aparecen de manera recurrente en las noticias de la tele.

Me gustaría que nos explicaras como es el proceso creativo para tí: Si es más importante el proceso en si mismo o este es secundario siempre que te produzca el resultado que buscas, etc…

El proceso es muy importante para mí e intento usar técnicas y soportes diferentes para que formen parte de una manera relevante a lo que estoy pintando. A veces me encanta dedicar mucho tiempo a una parte pequeña y pintarlo con mucho detalle y al tiempo pintar otras partes de esa misma pieza con brochazos, la paleta o directamente derramando pintura sobre el lienzo. Cuando estoy trabajando sobre alguna idea suelo manejar imágenes más que ideas para pintarlas lo cual está bien a veces pero no me soluciona el cómo voy a traducir esa imagen a una pintura.

Ver tu trabajo en un lienzo de ciertas dimensiones y poder apreciar las texturas o el contexto en el que se presenta imagino que debe marcar una diferencia importante pero en la pantalla del ordenador tu trabajo denota esa cercanía con el mundo de la ilustración ya que tus piezas facilmente podrían ser una portada de un comic o una ilustración de un artículo en una revista. En este sentido creo que la diferencia reside sobre todo en que no tienes que responder a una exigencia de un cliente. ¿Te sientes liberado de que no sea así o a veces puede ser un reto más exigente tener que encontrar tu propio tema que ilustrar?

Ciertamente me siento liberado ya que aunque estudie ilustración nunca me he considerado bueno en ilustrar algo. Siempre pinto aquello que me obsesiona en ese momento y que siento que tengo que transmitir acerca de como me siento. A veces es frustrante porque siento que no lo consigo de la manera que quisiera. Tengo mucho respeto por los buenos ilustradores que pueden dar vida a las ideas de otros. Pienso que es un verdadero talento que desgraciadamente yo no tengo. En cuanto a la diferencia de ver el trabajo en persona o en una pantalla me interesa mucho ya que hasta hace unos años trabajaba mucho con Photoshop y no tanto sobre lienzo. Muchas de las piezas que hago ahora son de grandes dimensiones y hay aspectos de escala y detalle que puedes desarrollar en un lienzo grande que no se aprecian en una pantalla en un pequeño archivo jpg. Es mucho más inmersivo observar una pintura delante de tí de manera que casi llena tu campo de visión. A veces siento que no soy un pintor muy experto todavía ya que todavía estoy trabajando en la manera de planificar una composición en relación al tamaño real del soporte.

Una pregunta sobre un tema que me intriga en general de todos los artistas ¿cuánto dirías que hay en tu arte de tu experiencia como niño?

No sabría decirte, supongo que mucho pero es algo que un psicólogo posiblemente sabría decir mejor que yo. Tenía pesadillas cuando era niñó y me daba miendo irme a dormir y supongo que ese temor de fondo ha tenido una influencia profunda en las cosas que me interesan.

¿En qué andas trabajando últimamente?

Acabo de presentar una exposición la galería MTV de Sydney y di una conferencia en el evento Semi Permanent en Sydney y Brisbane. Desde que he vuelto me estoy tomando un tiempo y he parado de pintar para simplemente jugar con algunas ideas. Me he comprado una nueva cámara y he estado jugando con ella y haciendo miles de fotos.

¿Algún proyecto para el futuro del que nos quieras hablar?

No, quiero dejar de centrarme en exposiciones durante un tiempo para seguir desarrollando mi trabajo y esto me llevará el tiempo que me lleve y espero que el trabajo resultante será interesante.

¿Algún proyecto que te gustaría hacer pero que nadie te ha propuesto aún?

No sé… podría ser interesante hacer algo para cine pero estoy tan acostumbrado a trabajar yo sólo que no sé cómo resultaría trabajar en un proyecto en grupo.

¿Cómo es un día de tu vida?

Últimamente estoy con unos horarios de dormir y despertarse muy malos pero idealmente me debería despertar por la mañana, ir al estudio, pintar y algo más tarde, después de comer, quedar con amigos o irme a leer a una cafetería para después volver a pintar por la tarde hasta por la noche. Cuando trabajo sobre ideas más que realmente pintar, como ahora, mi horario de trabajo es más confuso y a veces parece que no he hecho nada en todo el día y me siento culpable pero si consigo sacar un par de ideas en claro supongo que es que funciona. Estoy pasándome mucho tiempo leyendo y viendo películas que es parte del proceso también.

¿Puedes recomendarnos algunos artistas o iniciativas que pienses que vale la pena que conozcamos?

Artistas: Fuyuko Matsui, Anna Conway, Alex Kanevsky, Ricky Allman, Yang Shaobin, Kristine Moran, Hung Liu, Rosson Crow, Bruno Dayan, Cai Guo-Qiang and Julia Fullerton-Batten.
Algunos libros que he leido últimamente y me han gustado: “House of Leaves” (Mark Z. Danielewski), “The Boat” (Nam Le), “Remainder” (Tom McCarthy)
Algunas películas que he visto últimamente y que me han gustado bastante: “Last Life in the Universe“, “I’m a Cyborg (but that’s Ok)“, “Suicide Club“, “Survive Style 5+“, “Kamikaze Girls“, “Funky Forest: First Contact“, “2LDK“.

31/5/2009 11:07pm Administrador

Mark Jenkins

El trabajo de Mark Jenkins (www.xmarkjenkinsx.com) es un buen ejemplo de como el arte en la calle no se ciñe necesariamente a la superficie plana de una pared. Pero sus instalaciones consiguen bastante más que eso. Si hay algo de lo que son realmente un magnífico ejemplo es de como el arte en la calle debería aspirar a causar algún tipo de reacción en los viandantes y no tan sólo funcionar en una foto en internet o de cara a otros entendidos en el tema.

Primero una pregunta que hacemos siempre ¿Cuándo, cómo, por qué… empezaste a hacer arte en la calle?

La curiosidad por las instalaciones a base de esculturas me había surgido tras visitar una exposición de Juan Muñoz en Washington DC en 2001. En 2003, mientras vivía en Rio de Janeiro comencé a experimentar con lo de hacer moldes con cinta adhesiva. Lo de instalar las esculturas en la calle era lo lógico a continuación. Mi vida por entonces era muy de exteriores ya que llevaba un año viajando por Sudamérica de hostal a hostal, en contacto con la naturaleza (y con algunos bares). Ya que estaba tan fuera todo el tiempo quería que mis esculturas estuvieran allí también. Y además esto supuso un gran cambio para mí ya que pasé de ser un turista sin más a aportar algo. Al integrar las esculturas con el lugar encontré una manera de integrarme a mí mismo.

A pesar de lo emocionante que pueda ser la actividad en la calle es también arriesgada y exigente. Ahora que has llegado a tener cierto nivel de reconocimiento y a exponer en galerías, ¿sientes la misma motivación para seguir haciendo instalaciones en la calle o es que realmente tu trabajo en galerías no tiene sentido sin la vertiente exterior?

La calle tiene un efecto amplificador que hace que mi trabajo funcione. Y hay una relación simbiótica entre la calle y la galería. Eso es importante siempre y cuando se complementen y no se hagan la competencia. Pero, tienes razón, lo cierto es que es arriesgado (hacer arte en la calle). Más de una vez han acudido al lugar brigadas de artificieros antibombas por ejemplo. Y aunque su participación hace la instalación más interesante la reacción que causa en la ciudad no es algo que me tome a la ligera. Prefiero que mi trabajo tenga un efecto nutritivo no infeccioso.

Y además tú vienes de Washington DC que debe ser una ciudad muy peculiar para realizar intervenciones públicas no autorizadas…

Sí que es un tanto peculiar. Pero realmente empecé en Rio de Janeiro. Nunca lo habría hecho en Washington, DC. Mi trabajo es una extraña yuxtaposición con esta ciudad donde la mayoría del arte público es bronce oxidado conmemorativo de guerras del pasado. Pero me gusta.

Algunas de tus intervenciones son más poéticas y supongo que sólo requieren ser observadas pero otras parecen estar pensadas para que las personas acaben interactuando. ¿Reacciona la gente normalmente como esperabas? ¿Te decepciona a veces la gente por sus reacciones?

Con las instalaciones hiperrealistas la intención es crear una escena que sea real. La gente, los coches, las palomas, los camiones de bomberos… acaban por ser parte de esa escena. Pero nunca hay demasiadas expectativas o decepción por parte mía porque aunque me gusta cultivar lo surreal es también un experimento en lo social de lo que aprender. Por ejemplo, pongo un par de piernas que salen de un cubo de basura en Brooklyn y normalmente es divertido ver las reacciones de la gente. Pero hice la misma instalación en Belén, en Palestina, y la reacción fue extraña, hostil y por lo general mala así que aprendí mucho de su cultura a raiz de esto.

Entonces, una vez que acabas una instalación es importante ver lo que pasa a continuación. ¿Siempre sientes la necesidad de quedarte a observar o grabar las reacciones de la gente en video?

Intento no quedarme pero sí pedir a alguien que lo grabe para documentarlo. Me fastidiaría mucho que me pillaran y tener que retirar la instalación o que la gente me relacionara con aquello ya que eso llevaría la experiencia a un nivel un tanto aburrido. Es la existencia de la instalación desvinculada del artista o de un espacio de arte y el no tener permisos, etc… lo que hace su presencia en la calle interesante. Es lo que en estadísitica se llama un valor atípico al estar abandonado de esta manera.

En tu trabajo, al ser el contexto tan importante y el hecho de que la gente no espera encontrarse tus instalaciones, me gustaría saber cómo reproduces esas variables en una galería donde el contexto es un espacio vacío y blanco y la gente ya está condicionada y expectante, lista para ser sorprendida.

Es posible hacer lo mismo haciendo uso de ese otro contexto. Por ejemplo, instalando un visitante falso para crear el mismo tipo de efecto.

¿Cómo ha sido por ahora tu experiencia en el mundo de las galerías y del Arte con mayúsculas?

No tengo una opinión formada sobre las galerías ya que las hay muy diferentes. Algunas molan y otras no. Pero sí me siento decepcionado por los museos. Su personal suele tener una gran falta de conocimiento sobre el arte en la calle y su actitud no es buena. Entiendo porqué Banksy no quiere que su obra esté en museos como no sea como una broma.

Me gustaría que hablaras de cómo es para tí el proceso creativo, si es muy racional o es más intuitivo, si no es tan importante siempre que te ofrezca el resultado final que esperabas…

Tengo un tipo de creatividad que surge por si misma con facilidad. Pero lo hace a trompicones. Lo que es importante es tener un boli a mano cuando surge. A veces es después de una noche de beber mucho cuando me duele la cabeza… Mi trabajo es basicamente revisar esas ideas y quedarme con las mejores. Con el arte en la calle esto es más difícil ya que al revisar las posibles ideas tienes que tener en cuenta las que son factibles tras evaluar las dificultades de tipo legal, físico, de seguridad…

¿Qué andas haciendo últimamente?

Últimamente he estado reflexionando mucho sobre los últimos 5 años con todo este proyecto y sobre todo en el año anterior a empezar con esto y quién era antes de adentrarme en esta tangente.

¿Algún proyecto proximamente del que nos quieras hablar?

Me han pedido que comisaríe unos festivales en Francia en 2010 y me apetece mucho.

¿Qué proyecto querrías hacer pero aún no te han propuesto o no has tenido oportunidad?

Me gustaría hacer flotar un montón de cuerpos en las cataratas del Niágara. Estaría genial ver algo así. Para mí sería como observar un tsunami.

¿Algún artista o proyecto que nos quieres recomendar?

Estoy un poco atontado ahora mismo. Creo que todo es reflejo de otra cosa… pero me gusta Blu porque no para. El tio es que no para.

02/5/2009 12:52pm Administrador

Cecilia H. Molano

Normalmente nos asustan un poco aquellos artistas que tiran por el lado conceptual del arte. No se trata de que no nos guste sino que por centrarnos en algo, por genérico que sea, y no acabar queriendo abarcar demasiado, preferimos hacerlo en el aspecto más gráfico, normalmente (no siempre) el más inmediato… En el caso de Cecilia H. Molano lo cierto es que hay un poco de lo uno pero también de lo otro y de algunas cosas más. Y es que esta chica no para de hacer cosas y de lo más diverso. Sólo la relación de sus links ya es todo un síntoma:
www.rizomarte.com
www.escritoalapiz.es
www.es.youtube.com/cecimolano
www.vimeo.com/cecimolano/videos

Mejor que ella misma nos lo cuente.

Primero, una pregunta que le hacemos siempre a todo el mundo para estas entrevistas: ¿Cuando, donde, como y porqué empezaste a considerarte artista?

Todavía no acabo de considerarme una artista… hago cosas que de una u otra manera tienen que ver con el hecho artístico por pura necesidad, porque necesito coger la cámara de vídeo o el pincel o diseñar y eso me ha pasado siempre… de pequeña tenía muy claro que lo que quería hacer era dibujar. Si eso es ser artista esa necesidad no me ha abandonado nunca.

Tu trabajo es tan diverso que no sé por dónde empezar. Sé que es un poco limitativo o como preguntar a unos padres cuál de sus hijos quieren más pero de todas las disciplinas que trabajas, ¿Con cuál tienes la sensación de estar más cómoda, de expresar más fácilmente lo que sea que sientes que debes dejar salir de ti?

Para mí, las disciplinas no son más que medios, soportes… cada una ofrece algo que la hace atractiva por lo que las otras no tienen, por ejemplo: me gusta trabajar con tinta por lo que tiene de accidental, de imprevisible, de viva. Ofrece una relación directa con el papel que es difícil de lograr con otros medios, es la misma razón por la que me atrae el grabado, la ilustración me gusta por lo que tiene de reto para mí, me parece difícil y tremendamente atractiva a la vez. Es curioso porque nunca tengo dudas sobre como contar algo, cuando surge una idea viene acompañada de su forma. Tal vez, si tuviese que elegir una, probablemente sea el vídeo la forma con la que me encuentro más cómoda. El vídeo me da la posibilidad de jugar con el tiempo, con la puesta en escena, me gusta mucho la facilidad que me ofrece para manejar conceptos, me deja “pintar” de una forma fluida, libre.

Además de la vertiente puramente artística de tu trabajo veo como eres ejemplo de la forma en que una nueva generación de artistas plásticos reciben encargos de marcas y agencias y diseñadores gráficos presentan su trabajo en galerías de arte. Al final la distinción queda no tanto en como se considere cada uno sino en si el trabajo realizado responde a un encargo y unas necesidades de comunicación o puramente a las necesidades e inquietudes expresivas propias del creador detrás de ese trabajo. Además en tu caso realizas trabajos de escenografía y diseño de vestuario para teatro que también responden a un encargo ¿Es para ti el trabajo como diseñadora, escenógrafa o diseñadora de vestuario una vertiente más de tu actividad creadora, algo más bien alimenticio, un poco de ambas…? ¿El tener que responder a las necesidades de un cliente es para ti más un reto o una limitación?

Ufff……. Es una pregunta compleja… empiezo por contestar a la última: depende del cliente y de la relación que se establezca con él, que se convierta en un reto o en una limitación. Es tal cual. En ocasiones, te encuentras con que te proponen un trabajo que resulta estimulante y que te permite probar cosas, crecer… en otras, el único motivo para hacerlo es que te va a permitir pagar facturas. Cada vez más, el coste de hacer el segundo tipo de trabajos es algo que no me apetece asumir, porque es demasiado elevado y porque es difícil de evaluar a priori pero luego pesa y no compensa. La apuesta en estos momentos pasa por evitar en la medida de lo posible, ese tipo de trabajos. Creo que es algo que les pasa a muchos diseñadores. En cuanto a la escenografía y el diseño de vestuario es diferente, para mí, es imposible afrontar el diseño escenográfico como un trabajo de encargo por su propia naturaleza: el proceso de trabajo es mucho más largo y complejo y necesita de una gran implicación. Las veces que he afrontado un trabajo de este tipo como algo meramente alimenticio, ha sido desastroso. Lo que me resulta complicado con respecto al teatro, es encontrar un lugar donde me sienta cómoda en el panorama teatral. Algo que sea afín a mi propio lenguaje, que plantee mecanismos y preguntas que me interesen.

Y para todas esas actividades, desde el video a la ilustración pasando por todo lo demás, ¿tienes un alter ego distinto y un discurso diferente o hay un estilo Cecilia H. Molano que transciende a todo lo que haces? Si es así, ¿es de manera consciente o es algo inevitable?

Creo que es inevitable y que pese a que los lenguajes son diferentes y hay muchos estilos, hay cierta coherencia que subyace… a lo mejor es precisamente, esa incapacidad para definir un estilo, que en sí misma ya constituye una marca de identidad. Pero el caso es que siento que, pese a su diversidad, son fragmentos de un mismo discurso.

De todo lo que uno se encuentra ahí fuera para nutrir de significado la actividad creadora diría que en tu caso por lo general pones énfasis en el referente a la persona y su relación con lo que la rodea (sí, ya sé que es como decir todo que es lo mismo que no decir nada). ¿Dirías que este es al menos uno de los ejes de tu obra? Si no, ¿Cuales otros referentes pretendes que permanezcan a lo largo de todo tu trabajo?

Sí, sin duda hay algo de reflexión personal, de posicionamiento y que se define así mismo como algo que yo llamaría íntimo. Muy pegado al cuerpo y también en ocasiones a la palabra, pero sin duda, personal. Me interesa la idea de mirada, también la de límite, de cómo entrar en contacto con lo que nos rodea y con los que también comparten ese espacio. Me gusta reflexionar desde la plástica sobre conceptos de otras disciplinas que me llaman la atención, de alguna manera, necesito de la creación para pensar y pensar-me.

Después de tanta pregunta sobre la variedad de palos que tocas, me interesaría que me contaras sobre como te enfrentas al proceso creativo. En tu caso: ¿es más importante el proceso que el resultado? ¿es un tipo de proceso impulsivo o planeado, racional o instintivo…? Y volviendo a lo de antes ¿es similar la lógica del proceso, si bien no la práctica concreta, para diferentes disciplinas?

Proceso antes que resultado, definitivamente instintivo y pulsional y esto dicho sin orgullo “artístico”: envidio profundamente los procesos racionales que veo en otros artistas y me interesan mucho los conceptos a los que se llega tras ese tipo de trabajos, su depuración y su coherencia y en ocasiones me fuerzo a seguir un proceso de este tipo, pero en general triunfa lo impulsivo. En cuanto a lógica del proceso, sin embargo, varía. Si me pongo a ilustrar o a pintar en general, necesito más tiempo para probar, me siento más insegura, titubeo y me cuesta encontrarme. Con el vídeo es más rápido, bulle unos días en la cabeza, unas cuantas notas y de pronto, está listo y entonces cojo la cámara y me pongo a editar todo en uno. Cuando se trata de un proceso de diseño gráfico o para teatro, es totalmente diferente, ahí sí es un poco más racional: busco, me busco mucho, me pruebo… trato de encontrar metáforas válidas… araño poco a poco al proceso de creación hasta que sale algo.

Ahondando un poco en lo mismo: Trabajas tanto lo analógico como lo digital y da la impresión de que cuando usas tecnología buscas “ensuciar” con una patina de realidad analógica, mundana, el resultado ¿Revindicas lo analógico como valor en sí mismo o es por contrario una opción en cuanto al proceso?

Lo digital me encanta por el grado de libertad que permite y me horroriza por la apariencia que puede generar: el exceso de filtros o efectos, cierta apariencia de “plástico”. Un amigo me hablaba de un “blanco sucio” que él encuentra en mis trabajos, sí es verdad que siempre hay una calidad en mis trabajos que tiene que ver con la textura, con la piel… no es exactamente que lo relacione con lo analógico pero sí con una manera de manipular los materiales que tiene que ver con lo pictórico, tal vez.

Por otra parte si no he entendido mal eres además de todo eso editora y en tus videos hay una vertiente visual y otra basada en la palabra. Cuéntanos un poco acerca de esta iniciativa y como enlaza con todo lo demás que haces.

Mi faceta de editora se desarrolla dentro de «escrito a lápiz», que es un proyecto editorial muy reciente (acaba de hacer un año) y de carácter pequeño, con ganas de ser pequeño además. Leer es otra de esas actividades inevitables, y mi relación con las palabras es vital. Me interesa la poesía, me emociono leyendo… escribo desde siempre y la palabra, como bien señalas, es algo que siempre está presente en mi trabajo. «Escrito a lápiz» surge un poco de ahí, me apetecía editar los libros que me gustan, autoeditar alguno que estaba en proceso… el libro me parece un soporte privilegiado. En la editorial hago de todo: elijo los textos, ilustro de vez en cuando, maqueto, distribuyo… me recuerda a un taquillero que había en un cine al que iba con una de mis hermanas: el mismo hombre primero te cobraba la entrada, luego aparecía con la linternita y te acomodaba y finalmente: ¡era el que vendía las palomitas en el bar!

¿Cual es tu experiencia en el mundo de las exposiciones en centros de arte, galerías y similares y en todo lo que se refiere a difundir y vender tu obra y que dificultades, virtudes y defectos encuentras en ese sentido?

El tema de vender y difundir la obra es complicado, la experiencia de «escrito a lápiz» me ha enseñado mucho en este sentido: es mucho más fácil “vender” obra que no es del todo la tuya. De alguna manera el impulso de la editorial me ayuda a mover otro tipo de obra mía, que tenía más escondida o que simplemente mantenía a un nivel más personal. Es curioso, pero parece que uno no es artista porque trabaja sino porque los demás le ven, es algo que me genera dudas, pero a la vez considero que es necesario que los demás vean lo que haces, yo por lo menos, necesito feedback. El contacto con las salas siempre ha sido bueno, me gusta mucho además encontrarme con gente que está haciendo otras cosas, y las galerías son lugares estupendos para eso. He preparado algunas expos, o alguna sesión de videoarte y con la costumbre cada vez lo llevo mejor, pero es algo que me cuesta. En alguna ocasión he hablado con gente que son diseñadores y que son buenos en promocionarse y venderse y me dan consejos en plan “marketiniano” que no me han valido mucho, la verdad. Creo que en esto, cada cual va encontrando su propio camino y su propia manera de hacer las cosas sin sentirse del todo marciano.

¿Que andas haciendo últimamente?

Ahora estoy dando clases de vestuario para teatro en la Escuela Superior de Arte Dramático de las Islas baleares, en Palma de Mallorca, estoy muy contenta con la experiencia de docente, aprendo mucho y divido mi tiempo entre la isla y Madrid donde estoy diseñando un vestuario para una obra de teatro que se estrena en Abril. A nivel personal, estoy leyendo, se supone que preparando mi tesina, pensando qué voy a hacer con un estudio gigante que me ha caído del cielo y preparando un par de vídeos con alguna idea que me ronda…

¿Algún plan para el futuro que nos quieras y puedas adelantar?

Me gustaría aprovechar mucho este año que voy a tener tiempo para hacer proyectos más personales. ¿Planes de futuro como tales? Nada seguro, tengo ganas de hacer un viaje… estar un tiempo fuera de España y probablemente estudiar algo… pero ¿qué será será?

¿Que proyecto no te han propuesto aún y quisieras que lo hicieran?

Las últimas veces que he expuesto vídeo ha sido en colectivas y dentro de festivales o screenings sessions… tengo ganas de hacer algo de vídeo específicamente para un espacio. Es un proyecto que hay que trabajar y perfilar, pero las veces que lo he hecho ha sido muy bonito.

¿Algún artista o iniciativa que quieras recomendarnos?

En cuanto a artistas, se me ocurren muchos, te comento alguno de los artistas, colectivos o editoriales más cercanos, que a lo mejor hay gente que no conoce tanto y merecen mucho la pena. El trabajo que viene desarrollando desde hace años, Mónica Valenciano, en el marco de la danza contemporánea, la poesía y el dibujo. En ilustración y pintura recomiendo el trabajo de Eduardo Ortiz. Ellos han trabajado también con escrito a lápiz y me parecen dos grandes artistas. Estíbaliz Mintegui, el colectivo Confusión Group, las chicas de Velcroart, que hacen net art o la labor editorial de Pepitas de calabaza o La uña rota. También recomendaría las litografías de Paula Fraile, con la que hace poco tuve ocasión de compartir espacio en una exposición y me encantó su trabajo. Los dibujos gamberros de Delphine Delas y las preciosas ilustraciones de Ana Yael, o el trabajo delicadísimo de Luján Marcos sobre azulejos.

01/4/2009 07:55am Administrador

Pandarosa

Siempre resulta alagador recibir e-mails de artistas de otras ciudades y paises que se han percatado de nuestra existencia y nos envían un e-mail mostrando su trabajo. No siempre nos gusta (cuestión de gustos, no necesariamente de talento). Pero a veces nos tenemos que preguntar ¿Cómo es que no habíamos reparado en el trabajo de este artista o colectivo y ellos han sabido de este remoto rincón en una calle trasera del centro de Madrid? Es un poco el caso con el duo creativo Pandarosa (www.pandarosa.net) así que en cuanto hemos tenido ocasión, les hemos propuesto ser los artistas entrevistados este mes:

Primero, una pregunta que le hacemos siempre a todo el mundo para estas entrevistas: ¿Cuando, donde, como y porqué empezaste a considerarte artista?

Nuestros primeros recuerdos de creatividad están inmersos en imágenes de bloques de Lego, dibujar en cartones de tabaco y dibujos de tiza en las aceras de hormigón. Una vez que la infancia nos pasó de largo quedó en nosotros un deseo de expresarse y jugar que se fomenta en los niños pero no así en los adultos. Con esta actitud de manera subsconsciente continuamos expresándonos a través de imágenes y la imaginación, nunca considerándonos artistas o pensando que sería nuestra profesión. En el instituto nuestra percepción de las diferentes profesiones creativas se hizo más clara hasta llevarnos a estudiar diseño gráfico en la universidad que es donde nos conocimos. Tras licenciarnos decidimos empezar a ejercer profesionalmente y así hasta hoy en día, unos años más tarde.

Realizais trabajos de ilusrtración y diseño pero también trabajos personales cuando exponéis en galerías. ¿En qué se diferencian, a grandes rasgos, vuestros trabajos para cada una de estas facetas?

Nuestro proceso mental con los trabajos comerciales no se diferencia del de trabajos personales. La principal diferencia con los proyectos personales es que podemos experimentar con conceptos y técnicas alejados de las necesidades del cliente. Estos experimentos pueden ser a partir de ese momento usados también para los trabajos personales que corresponda lo cual amplía nuestra diversidad y ayuda a que no nos encasillemos en un estilo determinado así que al final los proyectos personales para exposiciones acaban siendo una parte importante de nuestra faceta profesional.

He leido una entrevista que os hacían en la que hablábais de como os gustaban los clientes de sectores culturales porque son los que más libertad os dan. ¿Os sentís liberados cuando hacéis proyectos personales, sin las restricciones de un cliente o justamente esos condicionantes os suponen un reto más que una limitación?

Inicialmente queríamos tener clientes de empresas o instituciones culturales porque sabíamos que si bien no nos iban a ofrecer unos presupuestos enormes ya que suelen depender mucho de dinero público o de patrocinios, sí que nos darian una oportunidad de concentrarnos en planteamientos más creativos y no en los aspectos financieros. Al cabo de un tiempo esto se ha notado en nuestra relación con los clientes y ya esperan de nosotros ese enfoque más creativo independientemente de en qué sector se encuadren. Tanto los proyectos personales como los de los clientes presentan sus propias limitaciones y ninguno de los dos tipos es más restrictivo que el otro. En todo caso los trabajos personales pueden llegar a ser más frustantes y más un reto ya que se trata de uno mismo expresando una idea, un pensamiento o tema propios y no respondiendo a un briefing.

Vuestro trabajo es muy heterogéneo en cuanto a que hacéis tanto diseño gráfico, ilustración, motion graphics, diseño de webs… y al mismo tiempo se nota que hay un estilo Pandarosa. ¿Pensais que hay una continuidad de vuestro discurso creativo entre todas esas disciplinas?

Aunque nuestro trabajo provenga todo de una misma fuente creativa nunca nos hemos planteado desarrollar un estilo característico sino más bien un nexo muy sutil que de unidad a proyectos tan diversos. Esto se debe a que nos cansamos muy pronto de nuestros propios trabajos y por eso intentamos mantenerlo todo interesante investigando cosas nuevas. Esta actitud puede ser difícil a veces cuando tratamos con con determinados clientes o agencias ya que suelen estar más cómodos cuando saben que respondes con un estilo particular y no con esa diversidad.

Precisamente muchos artistas y colectivos de vuestra generación hacen que las líneas divisorias entre diseño, ilustración, arte… sean muy difusas. A pesar de tener estilos gráficos muy diversos diría que hay una conexión y una actitud similar ¿De qué manera os sentís cercanos a otros artistas de vuestra generación?

Quizás en la disposición a probar cosas nuevas y no centrarse en un sólo aspecto de su trabajo. En estos tiempos que corren la adaptación es clave en la supervivencia y uno tiene que estar abierto a probar lo nuevo, a un nivel personal, profesional y creativo.

Uno de los aspectos que también percibo con los artistas con los que colaboramos es que, de la misma manera en que las fronteras entre disciplinas son poco significativas las que existen entre paises tampoco son muy importantes. Y vosotros sois un ejemplo perfecto, con orígenes en Chile y Hungría respectivamente, viviendo en Australia casi toda vuestra vida y actualmente viviendo en Berlín pero trabajando en muchos paises. ¿Cómo surgió la idea de mudarse a Berlín y de que manera esta actitud nómada tiene un efecto en vuestro trabajo creativo

Berlin es un punto de encuentro de sueños, experimentación, desengaños, placeres y frustraciones. Este desasosiego y flujo crea una energía constante que mucha gente de todo tipo de orígenes y condiciones viene buscando en esta ciudad, incluidos nosotros. El cambio continuo es clave en la evolución de las ideas y aunque la lejanía de un ámbito que te resulte familiar a veces es duro te hace aprender, adaptarte y reaccionar de formas diferentes a las situaciones, creando una visión más amplia de lo que te rodea. Estas alteraciones constantes acentuan las diferencias y las similitudes que se encuentran entre todos los estilos de vida y son necesarias para ampliar no sólo tus ideas sino las ideas de los demás.

Siempre me gusta preguntar por el proceso creativo y la importancia que ponéis en el mismo respecto del resultado final.

El desarrollo del concepto es sin duda el aspecto más importante ya que es donde comienza todo hasta llegar al resultado final: Desde la inconografía, los colores o la técnica, el tono o el mensaje que se quiera incorporar. A lo largo del proceso intentamos tener una aproximación tan lateral como sea posible y permitir que los accidentes afortunados ocurran y las cosas fluyan en lugar de planificarlas meticulosamente que es a veces lo que genera los resultados más inesperados.

¿Cómo es un día normal para vosotros?

Lo primero es un poco de café y a continuación están los e-mails con música en el tocadiscos. Entonces hay que acordarse de hacer una lista de tareas que con un poco de suerte estarán tachadas para cuando acabe el día. Y claro, cabe preguntarse como la libertad de fijarse nuestras propias horas de trabajo puede dar lugar a días de muchas horas de trabajo y a la rutina.

Imagino que tenéis un ritmo de trabajo más o menos constante de encargos de clientes y tal pero también haceís exposiciones en galerías. ¿Os veís dejando del todo los trabajos para clientes y dedicándoos únicamente al mundo del arte y las galerías?

No, no nos vemos dejando del todo el trabajo como diseñadores o de ilustración ya que apreciamos la diversidad y los retos que nos plantean este tipo de trabajos pero sí que nos gustaría estar más activamente en el mundo del arte. Uno de los retos para Pandarosa que debería de mantenerse durante nuestra trayectoria creativa es estar progresivamente más dedicados a presentar nuestro trabajo en el sector del arte.

¿En que andáis trabajando últimamente?, ¿algún proyecto interesante próximamente?

Acabamos de terminar un libro para Platform Artists Group Inc. en Melbourne y empezamos a hacer un mural de grandes dimensiones para un restaurante en una zona de playa llamadar Lorne en Australia. Además hemos estado acabando una instalación y obra en papel para una exposición en la California State University en Los Angeles llamada “Redefining the Line: Art Nouveau & The Female Figure”. Y por último hemos estado disfrutando de los preparativos para nuestra expo individual en Subaquatica este verano.

¿Algo que os apetecería hacer y de lo que aún no hayais tenido oportunidad?

Crear más piezas tridimensionales e instalaciones en espacios públicos de manera que todo el mundo pueda interactuar y ser parte de los mismos.

01/3/2009 09:19am Administrador

John Fellows

Desde hace un par de años y con cierta regularidad nos llegan a Subaquatica unos paquetes por correo decorados con dibujos y llenos de pegatinas, postales, impresiones con linoleo, un fanzine…, todo ello elaborado por el artista norteamericano John Fellows. El cuidado que pone en la preparación de estos regalos postales muestra una admiración sincera de John hacia lo que hacemos en Subaquatica, seguramente no merecida. Al menos tanta admiración como sentimos nosotros hacia su obra gráfica y así que hemos querido dedicarle una entrevista.

Primero, una pregunta que le hacemos siempre a todo el mundo para estas entrevistas: ¿Cuando, donde, como y porqué empezaste a considerarte artista?

El arte es algo que he hecho durante toda mi vida. Fui a la universidad en Philadelphia y me licencié en diseño gráfico (para sorpresa de mis padres) así que normalmente me consideraba un diseñador e ilustrador. Ha sido recientemente cuando he empezado a pensar en mi mismo como “artista”. Siento que siempre lo he sido porque siempre he creado arte pero no me sentía preparado para enseñar lo que hacía hasta hace un par de años. Fue cuando me mude a Colorado ya que desde entonces he dejado de viajar tanto y he podido poner más energía en el desarrollo de mi obra y eso ha empezado a dar resultado.

Te consideras/considerabas tanto ilustrador como diseñador gráfico que son dos ocupaciones que implican la existencia de un cliente pero también desarrollas tu trabajo más personal. Tu trabajo como diseñador y tu trabajo como ilustrador y artista muestran estilos diferentes. ¿Dirías que hay un estilo John Fellows que subyace, más o menos visible, en todo lo que haces?

No creo que haya ese estilo John Fellows subyaciente en mis diseños y mi trabajo de ilustración. Mi trabajo de diseño es, en su mayor parte, corporativo y limpio mientras que mis ilustraciones tienen un aire más artesanal. He tenido clientes que sólo conocian mis ilustraciones y cuando les enseño logos o trabajos de diseño editorial se muestran sorprendidos. Mucha gente piensa que si eres un diseñador, diseñas y que si eres un ilustrador, ilustras y no se dan cuenta de que se pueden hacer ambas cosas y que además sean diferentes por completo. Mi trabajo artístico si que tiene una relación claramente con mi trabajo como ilustrador. Cuando era más joven era un maniático del control y cuando dibujaba algo quería que el resultado fuera una copia exacta del objeto dibujado o de otra manera me mosqueaba. Cuando descubrí las técnicas de grabado en la universidad me solté bastante ya que la mayoría de las veces da igual cómo sea el boceto, el grabado siempre tiene su propio estilo y caracter.

¿Y todo tu trabajo personal es de alguna manera una via de escape a las limitaciones que te imponen tus clientes o esas limitaciones son un reto con el que también disfrutas?

Realmente me gustan ambas situaciones. Cuando un cliente te presenta esas restricciones se convierte más en un problema que requiere una solución que en una cuestión de si haces lo que te da la gana. Gestionar esas limitaciones y restricciones es parte del trabajo. He tenido un par de clientes que confian en mí lo suficiente como para dejarme hacer sabiendo que les daré la mejor solución posible. No tener que enseñar 3 o 4 bocetos diferentes para un poster está bien. A veces con el trabajo como diseñador los clientes quieren meterse en todos los aspectos del trabajo aunque no tengan ni idea de diseño de manera que puedan justificar su trabajo a su jefe o decir que el resultado final fue su idea. Como en cualquier otro sector, hay un millón de personalidades diferentes, algunas mejores y algunas que te dan un verdadero dolor de cabeza. Todo el trabajo que hago a un nivel personal es divertido porque es una manera de darle vida a todos los dibujos e ideas que tengo perdidos en las páginas de los cuadernos de dibujo o en pedazos de papel y que nunca verán la luz como un trabajo comercial.

Además de todo esto publicas un fanzine muy currado llamado PaperCut. Cuéntanos un poco acerca de esto.

Gracias, me alegro de que te guste. Bueno, entré en contacto con la música Punk y Hardcore en secundaria y todo eso me abrió los ojos a un mundo en el que la gente hacía sus propias revistas para estar en contacto con otra gente en otros puntos del país o del mundo que tuvieran sus mismos gustos. Comencé con PaperCut para continuar ese tipo de conexión con otra gente. Nunca lo he visto como una manera de promocionarme sino de conectar con gente nueva. Cuando hice el primer PaperCut se lo mandé a amigos y a desconocidos que pensaba que podían disfrutar con mis últimas creaciones y con recibir algo así por correo. En estos tiempos de e-mails e Internet creo que aún hay mucha gente que disfruta con las cosas que pueden tener en sus manos, algo físico. La respuesta fue muy buena (de hecho así conseguí mi primera exposición) así que seguí publicandolo y enviandolo. Los dos primeros números eran basicamente reproducciones de mi trabajo pero después empecé incluyendo fotos de mi proceso de trabajo o de las exposiciones. Intento que sea lo más interesante que me sea posible y no sencillamente poner una detrás de otras una serie de imágenes. Es el tipo de fanzine que me gustarái recibir de otros artistas. Me he dado cuenta de que PaperCut es perfecto para viajar también. Cada vez que salgo de viaje lleno la mochila con ejemplares. Nunca sabes a quién vas a conocer y me he acostumbrado a dejar copias en galerías, darlo a otros artistas, tiendas que me gustan… PaperCut ha hecho que conociera a gente genial de todo el mundo como Christian de Hessenmob, el ilustrador Bejamin Guedel o Urs Althaus en Zurich, Stereoplastika en Toledo, Andy Mac de Until Never en Melbourne, y por supuesto a vosotros en Subaquatica. Espero tener el número nuevo listo pronto. No acabo de terminarlo porque siempre tengo trabajo que hacer o acabo saliendo a esquiar.

Pareces un viajero inquieto, casi nómada ya que has vivido en muchos sitios diferentes. Eso tiene que haber tenido algún efecto en tu arte, ¿no?

Siempre he tenido esa inquietud. Viajar siempre ha sido parte de mi vida desde que era un niño. Soy hijo de un militar así que nos mudábamos cada 2 o 4 años. Viví en la base militar de Frankfurt en Alemania. Teníamos una furgoneta Volkswagen camper y salíamos de viaje en plan camping por toda Europa. Creo que esa experiencia ha influido en mi amor por Europa. Después de acabar la universidad viajé de nuevo por Europa por mi cuenta y con amigos y tuve la suerte de conseguir trabajo. Cuando tienes veintipocos ¿qué más se puede pedir que un trabajo que te permita viajar a París, Cerdeña, Lisboa o Madeira un par de veces a la semana? Trabaja de contratista y cada vez que acababa un proyecto mandaba de vuelta las cosas con un compañero y yo me quedaba de viaje a base de Eurorail. Fue así como acabé trabajando en un pequeño hotel en Suiza, en Gimmelwald durante 6 veranos seguidos (y una temporada de esquí alucinante). No es posible viajar así y que todo eso no te abra los ojos e influencie tu trabajo como artista. Por ejemplo siempre tenía un cutter para cortar posters o pegatina que viera por la calle y me gustara. Además tuve la suerte de que ilustradores o diseñadores como Benjamin Guedel y Buro Destruct me enseñaran sus estudios así que de aquellas para cuando llegué de vuelta a Philadelphia estaba con las pilas bien puestas. Me encantaría poder trabajar y viajar creando arte que pudiera venderse para pagar los viajes. Ahora mismo no estoy con la idea de ganar muchísimo dinero con las exposiciones sino al menos poder pagar los gastos de viaje.

También me gustaría que nos hablaras de tu relación con los exteriores porque sé que haces pegatinas pero no sé si con la idea de pegarlas por la calle y sé que has hecho algunos murales pero no sé si es algo que quieres hacer. Además todo esto contrasta un poco con tu manera de trabajar con el linoleo que es casi arte en miniatura…

Tuve una época de flipar con las pegatinas ya que al tiempo dirigía una un taller de señalética y estudio de diseño que daba servicio a 2 estaciones de esquí. Teníamos nuestra propia máquina de pegatinas así que cuando había hueco en algún pedido incluía mis propios diseños. Estaba genial porque cualquier idea que tuviera para una pegatina podía hacerla. Pero para nada soy un artista urbano. No hacía pegatinas para promocionarme sino porque me gustaban y les gustan a la gente y si querían ponerlas en su tabla o por la calle, allá cada cual. ¿A quién no le gusta una pegatina chula? Y en cuanto a los murales, he hecho algunos y quisiera tener la oportunidad de hacer más. Es mucho trabajo pero disfruto haciéndolo. Como dices, la mayoría de mi trabajo es a pequeña escala y es sobre todo debido a que no tengo una prensa sino que lo hago todo con una cuchara de madera e imprimo todo así, a mano. Cuando hago piezas a mayor tamaño después de hacer un par mis brazos ya no dan más de sí. Me gusta la textura gráfica de los murales que he hecho. Y está bien tener que pensar con ese otro enfoque. Hay que tener en cuenta la forma y contexto del muro y no tiene nada que ver con algo que creas y que la gente al verlo dice “Vaya, esto quedaría bien enmarcado en una pared en mi casa”.

Aunque usas el ordenador, sobre todo para tus trabajos de diseño, tu obra tiene un aire muy artesanal debido a que usas mucho la técnica del grabado con linoleo. Justamente te quería preguntar por el proceso y si es más complejo de lo que parece, si primas el resultado al propio proceso…

Cuando se trata de un trabajo de diseño es bastante meticuloso y lento. La mayoría de los proyectos comienzan y acaban en el propio ordenador y es así como va saliendo la idea. Para los trabajos de ilustración y mi obra como artista esm mucho más rápido, suelto y libre. Hace muchos bocetos, retomo de ahí y voy afinando hasta que la idea toma forma. Para un encargo que tenía para una ilustración estaba viendo la tele y se me ocurrió una idea así que pillé lo que tenía más cerca, un rotulador y un catálogo y dibujé lo que tenía en la cabeza en la portada del catálogo. Ee boceto inicial dio paso a una ilustración ya acabado. Y cuando acabo del dibujo, aplico color.

¿Cómo es un día normal en tu vida actualmente?

Cada día es un poco diferente pero un día típico es algo así: me despierto y veo a mi perro mirándome a la cara. Me levanto para hacer café de mientras mi perro sigue mirandome fijamente. Finalmente le doy de comer al perro de mientras se hace el café. Le doy un beso de despedida a mi novia antes de que se marche a la escuela de enfermería y a continuación saco el perro a pasear con el café en la mano. Tras el paseo vuelvo a casa, enciendo el ordenador de mientras el perro me mira ahora porque quiere jugar. A partir de este momento, y antes de que oscurezca suelo sacar adelante bastante trabajo, ya sea personal o para algún cliente. Una vez oscurece,vuelve mi novia y salimos a tomar algo o nos quedamos y hacemos la cena, vemos la tele y si hace falta trabajo otro poco dependiendo de las fechas de entrega y finalmente me voy a la cama. Pero también hay días que son más como: acabo de hacer la maleta, tomamos un vuelo al extranjero y no vuelvo a casa hasta seis semanas después. Esos son los mejores días.

Últimamente has trabajado más con galerías de arte. ¿Cómo es tu experiencia en ese mundo?

Siempre tengo muchos nervios antes de cada exposición. Normalmente nunca llego a hacer las cosas de tal manera que me sienta totalmente seguro en una situación así en la que siento que tengo que hacer algo que cause algún tipo de emoción o que la gente al menos sienta que no ha perdido el tiempo. Yo personalmente he salido de varias exposiciones en galerías con la sensación de no haber sentido nada y que el artista dijo por teléfono cómo se debía montar todo y realmente con la sesación de que ha sido una perdida de tiempo ir a verla. Y es que esto me ha pasado mucho recientemente y me parece muy triste. Pienso que si alguién te da la oportunidad de mostrar tu trabajo en su espacio tienes que darlo todo. Yo lo intento procurando no ofrecer sólo obra original sino pintar alguna pared, hacer un fanzine, una serie de serigrafías, pegatinas, postales… En una exposición tuve una serie de grabados con linoleo sobre etiquetas de precio antiguas y las colgué por todo el sitio como si fueran los precios del interruptor o el picaporte de donde colgaban. Los visitantes debían decidir si llevarselos sin más suponiendo que eran gratis o no (realmente la idea es que fueran gratis). No duraron mucho y me gustó ver que la gente los intercambiaba y los buscaba, a veces sin encontrar alguno a pesar de que pasaban justo por delante.

¿En qué has estado trabajando últimamente?, ¿algún nuevo proyecto del que nos quieras hablar?

Entre los proyectos recientes están los diseños para tablas de Hessenmob. Estoy contento de como han quedado. Trabajar con Christian ha estado guay. Me propuso una idea bastante chula para los diseños. Normalmente mis grabados son muy estilizados así que fue interesante el cambio de tener que conseguir animales con un toque realista. my carvings are very stylized so it was a nice change pushing myself to actually try and carve realistic looking animals. ¡Si alguien ha intentado dibujar un tigre o grabarlo en linoleo, sabe que es todo un reto! Mi gran plan es organizar una expo colectiva en la estación de esquí Keystone Ski Resort en marzo. Es un evento de sólo una noche con artistas de Colorado y del mundillo de los deportes de nieve y el sector de las marcas del snowboard. Debería resultar algo divertido. Se llama “Moving Mountains” y con un poco de suerte, si sale bien, lo haremos después en un par de estaciones de esquí más el año que viene. Y además tengo que acabar el nuevo número de PaperCut antes de que llegue la primavera.

¿Algún proyecto que te gustaría hacer y que aún no te hayan propuesto?

Me encantaría trabajar con marcas que aprecien el arte como Carhartt (Europa) o marcas de esquí y snowboard comoRossignol y Salomon (me encantan sus productos). Y me encantaría tener la oportunidad de hacer murales. Pero lo que más me interesa es encontrar la manera de viajar más mezclando viaje y arte. Y quisiera tener la oportunidad de exponer en otros paises, o al menos en otras ciudades además de Denver y así satisfacer tanto mi ansia por viajar como mi amor por el arte.

¿Algún artista o proyecto que nos quieras recomendar?

Hay un montón de artistas muy buenos en Colorado que aún no han conseguido el reconocimiento que merecen. A veces parece que cuando la gente piensa en artistas y las diferentes escenas en EE.UU. todo se ve en términos de costa este o costa oeste pero hay muchos artistas en localidades pequeñas. Alguien que pienso que merece más atención es Markham Maes, aka Shitty Kitten. Su trabajo es increible y le veo como alguien con mucho talento. Puede dibujar, pintar y usar spray y está continuamente produciendo nueva obra mientras que tiene un trabajo de jornada completa y una familia. Hay otro artista que conocí en Australia que se llama Nails y su trabajo es realmente diferente. Usa muchos objetos encontrados que le dan a su obra un aire retro pero contemporáneo a la vez. Hace poco ha hecho una exposición inspirado en un viaje a Europa del este durante el cual vio a mucha gente que vendía utensilios que fabricaba en la calle. Así que lo que hizo fue hacer una galería portatil dentro de una maleta vieja (con patas extensibles y música incluida) y “exponía” su arte en las calles de Melbourne. Me parecío una idea genial.

… y gracias a Alberto de Stereoplastika por la foto de PaperCut.

01/2/2009 10:22am Administrador