Manu Diez

Si acabamos 2008 entrevistado a unos artistas cuya obra rezumaba humor y colorido empezamos 2009 con una entrevista a un artista cuyo trabajo es un tanto más trágico y oscuro, sin que ello tenga porque ser presagio de nada, ojo. Luego Manu Diez resulta ser un tipo vital y muy majete pero la obra de este fotógrafo refleja una realidad cuando menos pelín inquientante. Retratos de personajes anónimos normalmente con el transfondo de un paisaje eminentemente urbano. Os dejo con la entrevista y una selección de sus fotografías más recientes.

Primero, una pregunta que le hacemos siempre a todo el mundo para estas entrevistas: ¿Cuando, donde, como y porqué empezaste a considerarte artista?

Ya hay muchos artistas amos de la pista, yo fotógrafo y puedo decir que hace bien poco. Mi tío me puso una Nikon F en las manos con 19 años y la llevaba colgada al cuello como si fuera una cadena de oro, mas para fardar que para otra cosa. Lo bueno de la Nikon F es que puedes quitarle el pentaprisma y ver la imagen directamente sobre el esmerilado, sin echártela a la cara, como si fuera una formato medio con visor de cintura. Eso me ayudó a soltarme en la calle.

Tu trabajo es fundamentalmente fotografía de lo que te encuentras en la calle. Esto requiere que te muevas de determinada manera, que asumas ciertos riesgos. En cierto modo guarda un paralelismo con artistas que hacen arte en la calle, de los cuales conoces a unos pocos y que sabes que es algo a lo que prestamos especial atención en Subaquatica. ¿Cómo ves que se relaciona tu trabajo con el de esos artistas?

No encuentro ninguna relación. Yo cojo la cámara y puedo volver con las manos vacías o con las botas puestas. Mis fotos dependen mucho de lo que se cruza en mi camino. No tengo un plan, suelo reaccionar. Los artistas que conozco que trabajan en la calle son más efectivos, preelaboran un concepto que más tarde desarrollan en la calle

De todo lo que uno se encuentra ahí fuera por lo general pones énfasis en los seres que te encuentras y, corrígeme si me equivoco, pero me da la impresión de que en especial te interesan aquellos para los que parece que la calle, el exterior, es su habitat natural. ¿Dirías que este es al menos uno de los ejes de tu obra? Si no, ¿Cuales otros referentes pretendes que permanezcan a lo largo de todo tu trabajo?

Me acerco a aquello que mas me atrae y posiblemente sea lo menos familiar y desconocido para mí.. Trato de ser selectivo con mi propio gusto porque tiendo a copiarme y repetirse es una putada. Lo que pretenciosamente pretendo con mis fotos es no tener que explicarlas ni teorizarlas, si me lo piden, la jodimos. Y sí, cualquiera que salga a la calle se expone a la mala ostia de la gente, con la fotografía quizás el tema es más delicado que con otras disciplinas. Me preguntan muy a menudo si pido permiso para hacer las fotos. Las personas están muy sensibilizadas con su imagen a pesar de que la venden a cualquier precio. La calle es una pasarela para todos.

Otro de los elementos obligados de tu trabajo parecen ser las ciudades. ¿Cómo es la relación de tu obra con la ciudad?

Vivir mucho tiempo en cualquier sitio condiciona la forma de ver las cosas. Madrid me influye al retratar otras ciudades. Madrid es una ciudad cojonuda para hacer fotos, y no lo digo por su famosa luz que me da igual, lo digo porque siempre veo fotos que nunca hago.

Las imágenes que nos mandas para la entrevista son mayoritariamente de viajes, en concreto a Cabo Verde y a China. ¿Viajas principalmente a estos lugares ya con la idea de hacer fotografía? ?¿Te consideras en cierto modo un fotógrafo de viajes?

No, cuando decido viajar no viene motivado por la fotografía sino por mi propia experiencia, pero no podría salir de casa sin la bolsa llena de carretes. Hace tiempo que no concibo viajar sin mi Rollei.

Empezando por el uso exclusivo del blanco y negro pero sobre todo por el contenido mismo de las imágenes hay un cierto sentido trágico en tu obra. ¿Buscas la vertiente más “aspera” de la realidad a la que te acercas o sencillamente la entresacas de manera natural de allá por donde pasas?

Es como me sale hoy por hoy y no se hacerlo de otra manera. Si es verdad que tomo imágenes duras, quizás por el primer impacto que me provocan; puede que en un tiempo haga postalitas en color…

Hay una serie de fotógrafos poco más o menos de tu misma edad que también trabajan mucho blanco y negro y a quienes gusta retratar aspectos marginales de la realidad urbana. Un referente más lejano en el tiempo podría ser la serie “Tulsa” de Larry Clark o más recientemente Boogie o la gente que colabora en la revista Hamburger Eyes. ¿Donde dirias que te situas tú respecto de esos otros fotógrafos?

En Tulsa Larry Clark les hacía fotos a sus amigos, a su entorno mas próximo, algo que yo hago poco. Boogie debe ser un encantador de serpientes porque acojona en los sitios donde se ha metido. Tiene mucha metralla callejera, quiero decir que dispara a todo y a veces no atina a nada, pero es una bestia. Me gustaría saber que cámara usa, una Leica creo. Hamburger eyes mola pero me sitúo mas cerca de Alvarez Bravo que centraba su trabajo en las personas que se iba cruzando a diario. Me gusta el color de Saul Leiter y el blanco y negro de Mario Giacomelli.

¿Realizas fotografía de “encargo” o únicamente haces trabajo personal?

Que va, me encargo a mi mismo coger la cámara que a veces se me olvida.

¿Cual es tu experiencia en el mundo de las exposiciones en centros de arte, galerias y similares y en todo lo que se refiere a difundir y vender tu obra y que dificultades, virtudes y defectos encuentras en ese sentido?

Exposiciones las cuento con los dedos de una mano. Me cuesta involucrarme en ese circuito y no lo necesito porque no vivo de el. Me basta con enseñar lo que hago de vez en cuando.

¿Que andas haciendo ultimamente?

Trabajar de técnico de luces en dos compañías de teatro.

¿Algún plan para el futuro que nos quieras y puedas adelantar?

Viajar y hacer fotos

¿Que proyecto no te han propuesto aún y quisieras que lo hicieran?

Atravesar Asia en el transiberiano desde Moscú hasta Vladivostok y después cruzar Mongolia en el transmongoliano hasta Pekín y desde allí recorrer toda China en el tren celestial hasta Lasha.

¿Algún artista o iniciativa que quieras recomendarnos?

Luis Baylón.

31/12/2008 03:50pm Administrador

Comte D’Urgell

Siempre atentos a aquellas propuestas que, además de un componente visualmente atractivo, denotan una actitud lúdica en la creación, un sentido de humor más o menos explícito, nos topamos con un claro ejemplo de todo lo anterior. Se trata de dos inquietos creadores residentes en Barcelona y colectivamente conocidos como Comte D’Urgell (www.comtedurgell.com) y decidimos que eran los candidatos idóneos para cerrar el ciclo anual de entrevistas para esta web.

Primero, una pregunta que le hacemos siempre a todo el mundo para estas entrevistas: ¿Cuándo, dónde, cómo y por qué empezasteis a pensar en vosotros mismos como artistas (a título individual y como colectivo)?

Nuestra carrera artística empezó de repente cuando nos invitaron unos colegas a participar en una exposición colectiva. Estábamos muy motivados para hacer cosas porque estábamos en plena era del becariado extremo en Barcelona y participar en exposiciones nos permitió hacer trabajos sobre lo que nos diera la gana, no cobrábamos ni un duro pero tampoco nos importaba mucho. Por suerte todo eso ya ha cambiado tanto en lo artístico como en lo laboral.

Una primera característica que es común al trabajo de muchos otros “creadores” actuales, es la línea divisoria entre arte y diseño o arte aplicado o de encargo y arte personal, por el arte… ¿Qué porcentaje de vuestro trabajo es el uno y el otro? ¿Desearíais prescindir de los encargos y hacer sólo el arte que os apetezca sin condicionantes?

Cuando trabajamos en formato diseño resulta algo muy parecido porque cuando alguien quiere un diseño de Comte d’Urgell tampoco trata con nosotros de una manera muy de reunión/briefing etc y hacemos lo que queremos hacer, o sea que no hay una gran diferencia entre los dos mundos, es algo bueno desde nuestro punto de vista y siempre intentamos que cada proyecto sea diferente al anterior y no encasillarnos en una técnica en concreto, porque eso es muy muy aburrido.

También puede llegar a ocurrir que cuanto más conocido es vuestro trabajo más surjan nuevos clientes y proyectos que quieran que básicamente repitáis para ellos algo que ya habéis hecho anteriormente…

No nos suele pasar porque todos los proyectos son muy diferentes entre si, pero cuando sucede algo así siempre conseguimos camelar un poco a nuestro cliente y llevarlo por otro sitio…

Dado que trabajáis en disciplinas muy diversas y tanto por encargo como para galerías y eventos en donde en principio tenéis más libertad, me pregunto en dónde residen los índices de un estilo que seguramente transciende a cada trabajo particular ¿Cuáles son esos elementos que persisten en todo vuestro trabajo y también qué referentes?

En nuestra iconografía hay, alquimia, misticismo, frikismo, diseño de la Barcelona del 92 y feismo.

Además de una faceta gráfica y en soporte plano hay todo un trabajo en torno a instalaciones y en ellas digamos que hay más peso o es más presente el consabido aspecto conceptual ¿Cuál es el equilibrio en vuestro trabajo entre lo puramente visual y lo fundamentalmente conceptual?

Empezamos trabajando en cosas más visuales pero siempre tenían un factor argumental o algo basado en el concepto entretenimiento. No nos gusta nada el concepto arte decorativo. Ahora nuestro trabajo está equilibrado al 50% entre lo gráfico y lo argumental/conceptual. Desde este verano y de cara a los proyectos del 2009, trabajamos casi como productores de cine o televisión, escribimos guiones, personajes, tenemos vestuarios, ingenieros de efectos especiales. ¡Era lo que siempre habíamos soñado!

Hay toda una generación de creadores actuales en todo el mundo, ya sean artistas, diseñadores, etc…, entre los que, a pesar de una enorme heterogeneidad de estilos y enfoques de técnicas, hay una serie de coordenadas comunes quizás más en la actitud ¿Os sentís parte de esa generación?, ¿Qué elementos diríais que tenéis en común con otros artistas de vuestra misma generación?

Lo que nos gusta mucho de nuestra generación de artistas es esa iniciativa por la autosuficiencia de recursos. Creo que la gente se espabila más en sacar sus ideas adelante con lo que tiene sin esperar a tener los medios profesionales ni nada de eso. Es algo que determina también el estilo. Nosotros siempre hemos trabajado con materiales cotidianos que compramos en todoacienes y Ebay. Eso nos ha ayudado a no quedarnos esperando de brazos cruzados hasta que llegara dinero de producción caído del cielo.

De que manera la situación actual de aparente efervescencia en torno a artistas como vosotros os ha llevado a poder participar del mundo de los museos y el mercado del arte ¿Cómo valoráis vuestra experiencia en ese mundo y que dificultades, virtudes y defectos encontráis en ese ámbito?

Para lo bueno y para lo malo nunca nos hemos sentido dentro de ningún mercado, ni en galerías ni en museos. Barcelona es una red de artistas/comisarios/etc muy pequeña donde todo está conectado, casi como en “Heroes”

Un aspecto por el que siempre pregunto porque me intriga es por el proceso creativo. Quisiera saber si en vuestro caso le dais más importancia al proceso en sí o al resultado o dicho de otra manera si el proceso es bueno en tanto y en cuanto os lleve a donde queréis o si el resultado es sólo la consecuencia visible del proceso como verdadero protagonista.

Siempre estamos discutiendo por eso, la gente que ha trabajado con nosotros nos compara con “Escenas de matrimonio”. Intentamos que el proceso sea siempre importante y sesudo pero las condiciones de cada proyecto nunca te lo permiten, por condicionantes, por recursos o casi siempre por tiempo.

Normalmente el proceso de trabajo nos gusta mas que el resultado final, nos parece mas interesante porque es donde realmente te cuestionas la obra y su significado y no expuesta como una “imagen perfecta”.

En vuestro caso, al ser un duo, y a riesgo de ser algo por lo que os preguntarán mucho, estaría bien que nos contarais como funciona el trabajo en equipo o si hay propuestas individuales fuera del colectivo o dentro del mismo y demás.

Nuestro proceso de trabajo empieza siempre en una cafetería, hablando de nuestras cosas y una vez animados hablamos del proyecto, haciendo un brainstorming bastante de humor, y como suele pasar cuando trabajas en equipo, nuestras ideas chocan y no somos capaces de encontrar una unión entre ellas, eso es muy frustrante aunque al final siempre aparece y el destino se encarga de corroborar que esa idea era la correcta.

Aparte de nuestro trabajo como pareja, Jordi trabaja como artista en solitario (www.jordiferreiro.es) y está muy metido en proyectos pedagógicos de arte.

Carlos tiene el proyecto musical Internet2 (www.myspace.com/internet2), que aunque con ambiciones más de música popular siempre acaba tocando en galerías y en museos.

¿Que andáis haciendo últimamente?¿Algún plan para el futuro que nos queráis y podáis adelantar?

Estamos preparando una exposición sobre la relación entre la botánica, la magia y la música en el Caixaforum de Lleida para el mes de Febrero que luego se presentara en Caixaforum Tarragona en Septiembre del 2009.

Y por estas fechas de principio de año estaremos en el festival de Animación de Cataluña con una actuación muy especial de Internet2/Comtedurgell.

¿Que proyecto no os han propuesto aún y quisierais que lo hicieran?

Hacer un programa de televisión

¿Algún artista o iniciativa que queráis recomendarnos?

Ilookforbrightness (www.ilookforbrightness.wordpress.com) Es un blog de arte que lleva Jordi sobre geometría, luz y color.

CruzCastillo (www.cruzcastillo-cruzcastillo.com): Son unos diseñadores de ropa con estampados increíbles ¡y son los favoritos de Comte d´Urgell!

Daniel Jacoby (www.danieljacoby.com): De los artistas mas interesantes que hay en el panorama.

David Armengol (www.davidarmengol.net) es el comisario con el que estamos trabajando actualmente, tenéis que darle un vistazo a los proyectos que ha llevado porque es todo un coco, además de todo esto es el ser mas de luz que conocemos.

01/12/2008 09:16pm Administrador

Deno JR

Hace unos años realizamos un quasidocumental sobre diferentes artistas que se planteaban el arte en la calle de maneras un poco diferentes al hasta hacía poco omnipresente Grafiiti Hip Hop más clásico. Aún procediendo de esa cultura Deno JR (www.denotattoos.com) realizaba diferentes intervenciones que se escapaban de lo habitual. Hoy en día gran parte de la actividad creativa de Deno gira en torno al tatuaje y hemos decidido hacerle esta entrevista a ver en qué anda.

Primero, una pregunta que le hacemos siempre a todo el mundo para estas entrevistas: ¿Cuando, donde, como y porqué empezaste a trabajar en la calle…?

Directamente ni me plantee empezar en otro sitio, quería hacer Graffiti. Era el año 1989. Yo hacia Skate en esos años y me pasaba el día en la calle. En cierta manera relacionaba todo, el Graffiti, el Skate, la música Rap..aunque aún en esa época yo escuchaba Heavy… ¡surgió como algo natural. Cogí unos rotuladores y empecé en mi barrio, Coslada, supongo que buscando lo que todo el mundo, cierta fama o notoriedad. Al poco tiempo junto con unos amigos formamos KR2, lo cual confirió un carácter más propio a lo que hacia, un Graffiti más tradicional dentro de unos cánones, y sin duda una producción que quizá nunca vuelva a repetir, pintábamos cada día y lo que haciamos era robar pintura, hacer bocetos y pintar… todo el tiempo concentrado en lo mismo, “Graffiti”, durante unos diez años.

En tu trabajo en la calle es evidente de donde vienes, tu conexión con el Graffiti más tradicional y esa cultura: la actitud que conlleva, el espíritu más vandálico y el uso del spray como técnica principal, aunque también hayas hecho pegatinas, etc… pero la estética no es exactamente la que uno podría esperar de ese tipo de Graffiti que forma parte de la cultura Hip Hop. ¿Eres ortodoxo en cuanto a la filosofía pero heterodoxo en el lenguaje visual?

Como te decía, mis comienzos nacen del Graffiti más ortodoxo, pero luego sin duda tuve la necesidad de cambiar mi lenguaje, de hacer o al menos intentar hacer algo más personal. Empecé a hacer lo que yo en aquel entonces definía como intervenciones urbanas, pegar carteles, hacer muñecos llamados JR a modo de bombardeo, pintar cuadros y colgarlos en la calle, hacer pegatinas… Todo un nuevo universo visual que fluía de manera natural y que respondía a una clara necesidad personal. En cierta manera es algo un poco esquizofrénico, por que sigo haciendo piezas de Graffiti más convencional y a la vez pintando cosas mucho más personales.

En ese sentido diría que necesariamente te has tenido que alimentar de otras influencias, de otras culturas artísticas o visuales para llegar a tu propio estilo. Es una pregunta un tanto manida pero ¿cuales dirías que son esas otras influencias?

La filosofía sin duda ha sido una gran influencia externa a mi obra, el estudio de la estética y de la teoría del arte posibilitó en mi nuevos modos de expresión así como su fundamentación. Luego en cuanto a influencias concretas puedo hablar de pintores, ilustradores, tatuadores y por supuesto escritores de Graffiti. Citaré algunos, quizá los más representativos: Jean Dubuffet, Antonio Saura, Daniel Higgs, J.M. Basquiat, Keith Haring, Sento… vaya ensalada he hecho.

¿Qué es para tí lo fundamental de hacer arte en la calle, lo que te hace admirar lo que hace otra gente que tenga otro estilo o incluso otra técnica, y que es lo accesorio, lo que menos te interesa?

Lo fundamental es en cierto sentido la democratización del arte, la calle es un medio abierto a cualquiera. No esta mediado de un espacio preconcebido para ” el arte”, de ahí que se pueda llegar a un público más plural. En cuanto a los demás, es complicado quizá decidirse en concreto sobre que aspectos me interesan más, ya que por ejemplo la creatividad o personalidad de Besdo me fascina, y a la vez la cantidad abrumadora de Buny me aplasta, es como preguntarle a un padre a cual de sus hijos quiere más. Me encanta el bombardeo la pura esencia de estar en todos los sitios y a la vez la fuerza de quien en una imagen puede transmitir casi una totalidad, yo me siento quizá en el medio de esa grieta, de esa herida, me duele tanto un aspecto como otro, creo que la dialectica de ambas es lo que me da fuerza para pintar. Sin esas dos cosas esto no tendría el mismo encanto para mi.

Vives en Madrid, que es una ciudad que ha tenido sus diferentes épocas en cuanto al arte en la calle pero que nunca ha sido ni un referente internacional innegable ni tampoco un sitio en el que no pasara nada ¿En qué momento dirías que se encuentra? ¿Como es tu relación con esta ciudad?

Madrid para mi es el centro de mi universo, llevo más de 30 años viviendo aquí, la relación con la ciudad creo que es muy común con los que vivimos aquí, es una relación amor-odio. En cuanto al arte de la calle es una ciudad imparable, siempre hay gente activa, todo sucio, todo lleno, pero a la vez nunca termina de despegar, demasiada efimeridad en cuanto a la gente… cada día hay escritores nuevos y gente que nunca volverá a pintar nada. No hay una conexión entre la gente de antes y los nuevos chicos… ahí se pierde la tradición y por tanto el conocimiento. Pero la tradición es necesaria, ya decía Palazuelo “lo que no es tradición es plagio”.

Parece claro que de una u otra forma sigues teniendo, después de ya unos años, y con lo que esto puede quemar, una necesidad de seguir llevando algo de tí a la calle, a las paredes, los cierres… ¿qué hace que no te canses de ese riesgo, de las incomodidades que cada vez se hacen más pesadas según uno va teniendo una vida más… “de persona mayor”?

Bueno mi vida sin duda ha cambiado mucho en los últimos años, tengo un precioso hijo de un año, estoy casado, tengo un trabajo con un horario y sin duda unas responsabilidades, pero pintar es algo que siempre ha estado ahí en mi vida, llevo dos tercios de mi vida pintando, es algo consustancial a mi. Es parte de mi identidad y da sentido a mi vida. De ahí que haciendo verdaderos equilibrios en el alambre consiga tiempo para salir a pintar, hacer algún tren de vez en cuando… es algo que necesito, que me hace sentirme vivo.

Por otra parte también desarrollas una actividad más profesional y si no me equivoco afortunadamente vocacional como artista de Tattoo. Has conseguido de esta manera ganarte la vida haciendo algo que te gusta y que tiene que ver con tu parte más creativa. Al margen de que es evidente que hay elementos en común y cierta similitud lo quieras o no ¿Te planteas tu actividad en el Tattoo como parte de un mismo discurso estético que el arte en la calle o mantienes diferentes lineas de trabajo y estilos bien diferenciados cuando trabajas sobre piel y cuando lo haces sobre otros medios, la calle, un papel…?

Sí, trabajo tatuando, lo cual me encanta, además me permite viajar muy a menudo y poder pintar en diferentes ciudades del mundo casí todos los meses. Mi trabajo en la calle y el tatuaje están muy relacionadas entre sí, hay un intercambio continuo de imágenes, pero siempre concebido en concreto para su medio de expresión. No pinto tatuajes ni tatuo Graffiti, o arte callejero, cada diseño tiene un función determinada, pero a la vez hay una comunicación abierta entre estos dos medios.

Además en el mundo del Tatto imagino que no está necesariamente mal visto ganarte la vida con ello mientras que en el Graffiti hay quienes rechazan que el arte de la calle o una adaptación de ello se pueda llevar a las galerías y al mercado del arte ¿Cuál es tu experiencia en ese sentido, en lo referente a comercializar tu trabajo al margen del Tatto?

Yo nunca he tenido problemas en cuanto a hacer algún trabajo pintando o a vender alguna obra, o diseño. Creo que es más una cuestión de respeto. Si has crecido en esto desde pequeño y has demostrado que es algo que verdaderamente te gusta, no creo que sea en absoluto criticable el poder ganarte la vida con esto. Quizá el problema sea el intrusismo o el oportunismo de gente que intenta saltarse un paso importante e intentar venderse como un artista urbano, cuando nunca ha estado en la calle. ¿Qué van a pensar los escritores de Graffiti de esta gente, cuando lo único que tienen son los cajones de casa llenos de multas, problemas con la policia, y su tiempo y esfuerzo están puestos en algo efimero no remunerado, mientras otros ajenos a este mundo están exponiendo en galerias y publicando libros? Es algo complicado, pero como te comento nunca nadie me ha criticado por exponer, es más, muchos escritores vienen cuando tengo una expo, me felicitan, me siento bastante querido… por supuesto siempre hay excepciones.

Y estando como estás, metido en el mundo del Tattoo imagino que te interesa el trabajo de otros artistas de Tattoo actuales o pasados y que algo de eso te ha influenciado en tu trabajo en la calle y de igual manera lo que conoces del mundo del Graffiti tiene que haber influido en tu trabajo en el Tattoo ¿Cómo dirías que una y otra cultura han llegado a influenciarse mutuamente y definir lo que haces?

Por supuesto que el Graffiti ha influido en mi trabajo, si no hubiera empezado a pintar nunca habría tatuado, el Graffiti me descubrió mi posibilidad creativa, así como el poder de comunicar en el medio urbano, el tatuaje me ha aportado una gran iconografía que interpretada me hace disponer de un gran abanico de ideas al pintar. Ambos a la vez tienen en común la efimeridad de la obra, algo que me atrae mucho.

No eres el único escritor de Graffiti que trabajas en el Tattoo. Se me viene a la cabeza el legendario Seen o el nombre de Inupie, clásico de la escena de 80s y 90s en Barcelona y me pregunto si piensas que hay determinado tipo de Tattoo que, aunque no sea llevar el estilo del Graffiti al Tatto tal cual, sí que puedes decir al ver un Tattoo “Hey, eso que lleva este tio tatuado tiene un estilo que seguro que se lo ha hecho alguien que hace o hacía Graffiti” No sé, me da la impresión desde mi desconocimiento de que puede ser así ¿me equivoco mucho?

Puede ser que haya algo de eso pero yo creo que tiene que ver un poco con el tipo de estilo que tengas. Mi manera de concebir graficamente el tatuaje es muy similar a como lo hago con el Graffiti: dibujos simples y claros, una linea limpia y sólida, colores planos… de ahí que quizá sea reconocible el Graffiti en mis tatuajes, y al contrario,aunque la iconografía usada sea diferente. Hay sin embargo tatuadores que sólo después he descubierto que tambien pintaban.

Tu trabajo tiene una serie de elementos recurrentes que definen una simbología-iconografía propia muy característica pero hermética para los ajenos a tu obra. ¿Te atreverías a dar algunas pistas para descifrar algunos de esos elementos?

Me obsesionan algunas imágenes, de ahí la gran repetición de muchas en mi obra, como puede ser la calavera, los animales antropomórficos, la iconografía ocultista, religiosa, y muchas veces combinada entre sí de manera contradictoria o provocativa, sin duda de modo intencionado. La calavera es la muerte, la tuya, la mía, la certidumbre de ser finitos y contingentes. Los animales me fascinan desde siempre, siempre he vivido con animales, he cogido insectos, pájaros, serpientes y de ahí mi gran interes por recrearlos, de animarles y darles un cierto carácter, de humanizarlos o divinizarlos. Y en cuanto a la simbología, la uso para mostrar muchas veces para provocar, como cuando combino el símbolo del dinero con una estrella de David, otras para dar razón de algo, como una luna árabe con un cruz cristiana, para indicar mis raices, y otras veces simplemente para apropiarme del “poder” de algunos símbolos.

¿Que andas haciendo ultimamente?

Ahora estoy tatuando 4 días a la semana, lo que me deja tiempo, para pintar en la calle semanalmente, preparar algunos cuadros para alguna exposición o algún encargo. Dibujar cada día, y disfrutar de mi hijo, mi mujer ¡y mis dos bulldogs!

¿Algún plan para el futuro que nos quieras y puedas adelantar?

Tengo un montón de nuevas noticias y planes, pero espero que poco a poco se vayan desplegando.

¿Que proyecto no te han propuesto aún y quisieras que lo hicieran?

Me encantaría una vuelta por el mundo pintando y exponiendo en cada ciudad, pero no conozco a nadie que no le gustaría lo que lo hace difícil… Necesito un agente así que los interesados por favor que me contacten.

¿Algún artista o iniciativa que quieras recomendarnos?

El libro-disco de Daniel A.I.U. Higgs: “Atomic yggdrasil tarot” publicado por Thrill Jockey, la obra de Alejandro Jodorowsky, “La danza de la realidad” y los escritos autobiográficos de Jean Dubuffet.

04/11/2008 12:20am Administrador

Therese Vandling

Therese Vandling (www.vandling.co.uk) es una de esas personas que no conocemos de nada y a las que de repente les llega un e-mail preguntando si quisiera contestar unas preguntas para una entrevista en nuestra página web. Sólo conocíamos su trabajo pero esto nos bastaba como para pensar que merecía que le prestáramos algo más de atención. Nosotros entrevistamos artistas y esta sueca residente en Londres se ve a si misma más como una diseñadora aunque realmente odia tener que etiquetarse ¿Quién no?

Antes de nada, algo que preguntamos siempre: ¿Cuándo, dónde, cómo y por qué te empezaste a considerar a ti misma una artista o al menos a considerar que podías ganarte la vida pintando, dibujando…?

Me llevó un buen tiempo darme cuenta de que puedes llegar a ganarte la vida con algo con lo que disfrutes. Vengo de un lugar en donde las cosas son más simples y para ganarte la vida tienes que trabajar y no hay mucho más. Cuando veía que muchos amigos se iban de viaje y yo no tenía dinero para ir con ellos decidí comprarme un billete de avión a Londres y buscar trabajo y así acabé trabajando en una zapatería. Odiaba ese trabajo pero me di cuenta de que llegas a pasar un montón de tiempo en el trabajo así que más vale que lo disfrutes. Aún entonces tardé en decidir que quería hacer. Siempre he dibujado mucho. Cuando era niña siempre estaba pensando en mis cosas y era muy tímida así que me refugiaba en el dibujo. Mi madre se volvía loca con tantos papeles llenos de dibujos por todas partes y mi padre le decía que en Navidad cuando era niño todo lo que recibía de regalo todos los años era hoja de papel. El caso es que según fui creciendo no se me llegó a ocurrir que dibujar fuese algo con lo que alguna gente se ganara la vida. Y cuando me di cuenta pensaba que era una locura que yo pudiera llegar a ser una de esas personas, como Picasso y gente así. Supongo que no tenía la confianza en mi misma y no tenía ni idea de arte. De hecho aún hoy en día no tengo claro lo de artista. Supongo que algún día llegaré a eso.

Haces trabajo de encargo como ilustradora pero también trabajo personal. ¿Cuáles dirías que son las principales diferencias cuando haces trabajo comercial y cuando es puramente artístico?

Cuando se trata de trabajo personal le dedico mucho tiempo a investigar sobre el tema. Puede que me lleve meses sin llegar a producir nada visual pero una vez que sé lo que quiero comunicar me resulta mucho más fácil decidir cómo lo voy a llevar a cabo. Estre proceso es muy importante ya que me permite reinventarme. Cuando trabajo para un cliente muchas veces sencillamente han visto cosas de mi trabajo y quieren algo parecido.

¿Te sientes entonces liberada cuando haces trabajo personal, sin las restricciones del cliente?, ¿quizás estas restricciones del trabajo de encargo te suponen un reto o quizás son más bien una limitación?

Disfruto de ambos y necesito los dos. Me encanta tener una relación fluida con un cliente porque me ayuda a crecer como ilustradora de encargo y me encanta el proceso de buscar algo con el que quedemos satisfechos el cliente y yo misma. Es curioso pero es menos doloroso el trabajo de encargo ya que cuando hago trabajo personal suele ser más lento y trabajoso y a menudo cuando he acabado un proyecto me siento un poco triste. Creo que esto mismo le pasa a la mayoría de la gente creativa.

En tu trabajo hay una serie de elementos retro y no sé si me sabrias decir si asumes esas influencias de la segunda mitad del siglo pasado y como definirías el equilibrio entre aquello en lo que te inspiras y la creación pura, si es que tal cosa existe.

Yo no veo que mi trabajo sea retro para nada pero supongo que entiendo a qué te refieres. La gráfica de los 60 y 70 era muy potente, conceptualmente y visualmente y al ser menos avanzada técnicamente creo que además tiene cierta calidez. Me gusta su simplicidad y supongo que todo ello me ha influido. Además a menudo trabajo con serigrafía y eso puede que contribuya a darle ese aire.

Si bien no eres la única artista de tu generación con esas mismas influencias la variedad de estilos de esta generación es enorme y al mismo tiempo encuentro que hay mucho en común en cuanto a actitud, etc… ¿Que piensas que compartes con otros artistas?

No estoy muy segura. Supongo que somos todos producto de un determinado momento. Yo hago mucho collage y en ese sentido “sampleo” el pasado en mi trabajo. Diría que es algo propio de nuestra generación, el retomar del pasado antes que mirar al futuro. Creo que esto afecta varios aspectos de nuestra cultura y en especial la musica y la moda pero no lo veo como algo necesariamente malo sino sólo la manera en que son las cosas ahora.

Te dedicas a la ilustración pero haces trabajo más tipográfico, diseño gráfico, collage y no sé si además pintas. ¿Te sientes más una dibujante, una pintora, una artista multidisciplinar…? En otras palabras, ¿cómo es tu relación con las diferentes disciplinas?

Comencé como diseñadora gráfica y aún hago trabajos de diseño gráfico así que supongo que eso es lo que soy. Parece que la gente tiene la necesidad de ponerme una etiqueta y eso en ocasiones me genera cierta ansiedad. Veo el trabajo de los grandes diseñadores comoAlan Fletcher y Push Pin Studio y como es tan variado. Me pregunto si esta necesidad de definir y etiquetar la disciplina que practica cada cual es algo nuevo. Una de las cosas que me atraía del diseño gráfico en un primer momento es justamente como no eliges un medio sino el briefing lo define por tí. Hago lo que hago y si a la gente le resulta más práctico etiquetarme me alegro por ellos pero a mi que no me pregunten.

Me gustaría que nos hablaras de la importancia que pones en el propio proceso y como es en tu caso el equilibrio entre el propio proceso y la búsqueda de un resultado determinado, sea cual sea el medio.

Cuando trabajo para clientes siempre hay una fecha tope que hace difícil dedicar mucho tiempo al proceso creativo. Es una manera de trabajar diferente en la que tienes que ser rápido, guiarte por tu instinto y pensar que la primera idea es la mejor (a menudo lo es). Cuando trabajo para mi misma sí que pongo énfasis en el propio proceso y disfruto con la manera en que la investigación previa me lleva a descubrir cosas nuevas, a no saber hacia dónde voy y como va a acabar siendo el resultado. Por supuesto hay un punto en el que tienes que tomar el control y decidir lo que quieres pero todo parece suceder de una manera muy natural.

¿Cómo es un día normal en tu vida?

Actualmente trabajo en una editiorial como diseñadora así que un día normal es bastante normal: Me levanto, voy en bici al trabajo, trabajo, vuelvo en bici a casa, cocino algo con mi novio, escucho algo de música y dibujo o lo mismo voy al pub con los amigos.

Tambien has trabajado últimamente con alguna galería de arte. ¿Cómo te encuentras en ese mundo?

Participé en una colectiva en una galería en Australia no hace mucho. Me gustó tener la oportunidad de mostrar mi trabajo por allí. También he hecho un catálogo para una galería en Londres y tuve que trabajar muy de cerca con el artista y fue una experiencia muy buena. Tenía a un escritor para desarrollar una historia inspirada en su obra y yo tenía que ilustrar la historia y diseñar el catálogo. Me gusta ese mundo y me encantaría tener la oportunidad de participar en más exposiciones colectivas o hacer una individual en Londres.¡

¿En qué has estado trabajado recientemente?, ¿algún proyecto interesante a la vista?

Tengo unos cuantos proyectos personales en marcha pero no quiero adelantar nada todavía. Además de eso he hecho algunos trabajos de ilustración para clientes como New York Times, The world of Interiors, Le Cool London guide y estoy trabajando en ilustraciones para un libro de recetas.

¿Y algo que quieras hacer y que no te hayan propuesto todavía?

me encantaría hacer más cosas relacionadas con la música y con perros y animales en general. También me gustaría hacer algo con telas y colaboraciones creativas con gente que trabaje en otras disciplinas. También me interesaría hacer algo relacionado con la moda. Hay un monton de cosas que quisera hacer… hacer un tour por el mundo en busca de inspiración, por ejemplo.

¿Podrías nombrar a algunos artistas o propuestas que pienses que estaría bien que conociéramos

Dieter Roth, Roman Cieslewicz, Angus McBean, Melvin Sokolsky y Le Gun son algunos nombres que me inspiran. Y soy bastante fan del surrealismo teatral.

Añade comentario 02/10/2008 09:36pm Administrador

Jon Burgerman

Supremo “doodler” (del verbo doodle, algo así como garabatear), ilustrador y artista plástico británico, Jon Burgerman (www.jonburgerman.com) es nuestro invitado para septiembre de 2008. Conforme la obra de este creador de personajes evoluciona, se hace más compleja y los seres que viven en sus creaciones se pierden en formas cada vez más enmarañadas, este artista es si cabe más accesible y de hecho se ha dejado someter a la tortura de responder a nuestro cuestionario

Antes de nada, ¿por qué, dónde, cómo, cuando… te empezaste a convertir en un artista?

Fui al colegio, luego a la universidad, me licencié, trabajé, viajé, comí, dormí y me desperte y ahora alguna gente me llama artista.

Hay una generación de artistas de diferentes paises que veo que comparte una actitud similar y una serie de referentes estéticos y culturales, al margen de que sus estilos sean muy diversos. Tú cumples dichos requisitos y además has tenido la ocasión de colaborar en proyectos con otros artistas de aquí y de allá. ¿Qué dirias que compartes con otros artistas de tu genración?

Seguramente compartimos una serie de elementos culturales ya que crecimos viendo, escuchando y leyendo las mismas cosas y hemos sido la primera generación en disfrutar de un mundo menguante a través de la evolución tecnológica. Por lo demás pienso que mucha gente comparte la emoción y el placer de simplemente ser creativos y poder conocer a personas que resultan disfuncionales de una forma similar. Yo disfunciono todo el rato.

¿Tienes alguna experiencia llevando tu arte a la calle?

No he hecho mucho arte en la calle. Cuando empezaba ponía pegatinas sobre todo cuando viajaba. Lo hacía por mostrar mi trabajo, de una manera un tanto inocente, desconocedor de que hubiera algún tipo de escena o comunidad de personas en torno a esto de las pegatinas. Más adelante ya era consciente de aquello y me sentía como el primo mocoso de los que hacian Graffiti más tradicional e incluso de los que hacian lo que se empezaba a denominar Street art. Estaba muy bien estar metido en esto y conocer a otros artistas. Esta escena parece haberse aceptado hoy en día y a lo largo de los últimos años he ido haciendo cada vez menos de esto que podríamos llamar Street art sobre todo porque he estado ocupando haciendo otras cosas y quizás porque ya no siento que necesite difundir mi trabajo como antes. La gente podría llegar a cansarse.

Vives en Nottingham, lugar, que al menos desde la distancia, no parece ebullir con actividad artística. Pero en realidad no paras de realizar proyectos y encargos de clientes de todo tipo en el Reino Unido y en otros paises. ¿Encuentras difícil estar en contacto con otros artistas, con los clientes y con lo que pasa en las ciudades más grandes o suples todo eso con Internet y demás?

No me gusta sentirme tocado, presionado, manchado y pellizcado. Me gusta la distancia. Estoy feliz de poder ver las cosas desde esa distancia. Y es que al tiempo soy muy accesible y dispuesto a colaborar pero nunca he sentido que para ello tuviera que moverme por determinados ambientes y estar conectado en ciertos ámbitos (me da repelús de pensarlo). Nottingham ciertamente no es un semillero de actividad. Hay cosas interesantes pero a un nivel pequeño y aislado. Y es que no me importa estar alejado de las escenas más activas ya que demasiado reservado, reprimido y tímido como para hacerme notar en una escena creativa muy amplia. He llegado a la conclusión de que es mejor poner distancia y tener el espacio y el tiempo para hacer mi trabajo sin distracciones ni molestias. En la maravillosa era de Internet y el viaje en avión asequible no me siento aislado. Estoy en contacto con escenas de todo el mundo pero en cualquier momento si me canso y quiero estar solo, me puedo retirar a mi pequeño escondite. No creo que viva en Nottingham toda mi vida pero durante los últimos años ha sido un sitio muy adecuado donde vivir. No he encontrado difícil estar conectado y he podido conectar con otra gente a través de mi trabajo. Es mi trabajo lo que interesa a la gente, no soy yo. No es determinante si estoy en uno u otro lugar sino mi obra.

Trabajas como ilustrador en el sentido de que haces trabajos por encargo pero ¿cómo se diferencia ese tipo de trabajo del puramente personal? ¿Has llegado a tener un reconocimiento como que para justamente no te pidan algo muy diferente a lo que haces en tu trabajo personal sino que incluso te piden más de lo mismo?

Sí, el tener ese nivel de reconocimiento te permite un nivel superior de libertad ya que te encargan trabajos no sólo por lo que han visto tuyo sino también por quien eres. Esto puede llegar a ser un tanto extraño a veces. Esas expectativas pueden ser un problema cuando un director de arte que te hace un encargo piensa que sabe lo que vas a hacer y en realidad su idea se desvía un poco de lo que haces o en un tanto incompleta. He tenido la suerte de que desde hace ya tiempo para los encargos que recibo se me da mucha libertad para hacer lo que quiera. Esto está bien ya que siento que soy un fracaso cuando me planteo mi trabajo como el de un ilustrador al uso, cosa que no soy en absoluto. Y hay también una expectación con las exposiciones que hago para galerías y con los proyectos menos comerciales. Siempre hay determinadas expectativas y por tanto algo a lo que responder lo cual es a menudo desalentador y ridículo. Me interesa la puesta en valor de mi obra en tanto y en cuanto se puede ver desde diferentes perspectivas dependiendo de la forma que toma y como esa forma se ofrece a la gente. Es un juego divertido, juguetear con las expectativas, presunciones y prejuicios. Por supuesto a menudo caigo en la trampa de las expectativas creando obra que pienso que responde a las mismas y a lo que más puede encajar en una galería, una camiseta, etc… y por tanto provocando que se creen más expectativas. Es una contradicción intrínseca a las aspiraciones que uno pueda tener de ser un artista y además ganarse la vida con tu trabajo y cosas que podamos llamar arte.

Parece que, además del trabajo de encargo y el más personal para las galerías de arte, muchos artistas encuentran otras formas de mostrar su trabajo creativo en forma de camisetas, figuras de plástico, etc… objetos accesibles en general por ser más baratos. En tu caso has diseñado una serie de pequeñas esculturas seriadas, camisetas y “designer toys” para las marcas más importantes de ese sector, ¡incluso ahora tu propia serie! ¿Cual es tu planteamiento en este sentido?

Creo que son accesibles también por ser más familiares. La experiencia ha sido buena y la mayoría de las veces he podido hacer lo que he querido pero al mismo tiempo hay una visión un poco más “blanco o negro” por parte de las marcas en el sentido de que esos objetos tienen que ser vendibles. Si hay un pequeño cambio que ven que puedes hacer para que sea más fácil de entender o más atractivo, te piden que lo hagas. En general no es algo que me moleste ya que esto no ha afectado demasiado los resultados. En un proyecto en particular sí que tuve que cambiar todo mi concepto para unas figuras y me resultó muy desilusionante. Los objetos eran tal como yo quería pero la presentación y la manera en que se llamaban no. La simplificación de una idea es lamentable aunque sospecho que el concepto podía llegar a entenderse. Si se hubiera hecho como yo planteaba pienso que lo hubiera diferenciado más y hecho más interesante que otros objetos similares. Así que mi planteamiento es siempre luchar por mi concepto original y tener como objetivo llevarlo a la práctica al 100% pero al mismo tiempo no sorprenderse si luego se ve limitado según vayas avanzando en el proyecto. Siempre hay algún factor que interfiere con tus planes iniciales.

Además, y debido a las muchas marcas e instituciones que han contado contigo para algún proyecto, y por lo diverso de esos proyectos que van desde pintar un camión, una habitación de hotel, diseñar figuras, video juegos… ¿dónde te ves más cómodo y en que punto o en que campos piensas que tienes que marcar la línea que limite el tipo de cosas que ves que se escapan a tu área de trabajo?

En cierto modo disfruto de estos trabajos y también los odio al mismo tiempo. Bueno, quizás la palabra no es odio, pero si que hay un nivel extra de concentración y energía que tienes que volcar cuando haces algo nuevo. Es incómodo, lo cual es malo pero finalmente bueno ya que inevitablemente te esfuerzas, experimentas e incluso llegas a sorprenderte a tí mismo. Y es que me he dado cuenta de que me aburro fácilmente así que no me va bien hacer siempre las cosas de la misma manera y hacer el mismo tipo de proyectos. Y además casi todos los diferentes proyectos tienen el mismo punto de partida: dibujar. Y eso es algo que me reconforta porque es lo que me resulta más cercano a partir de lo que trabajar. A partir de un dibujo puedo llevarlo a cualquier cosa. Rechazo los proyectos que requieren que haga algo para lo que realmente no estoy capacitado o que realmente no quiero hacer como trabajar para una cadena de comida rápida asesina de vacas. No puedo situar mi trabajo y mis personajes en un lugar en el que no pertenecen. Incluso desde una premisa comercial si mi concepto encaja puedo verme involucrado. No puedo hacer animaciones de más de unos 60 segundos, no puedo hacer webs o programar juegos. No puedo construir estructuras, cortar ropa o hacer moldes para esculturas. Pero colaborando con otros, cualquier cosa es posible.

Bueno y la pregunta acerca del mundo “doodle”: ¿Qué es exactamente esto del doodle y dónde situarías la línea entre hacer doodling, dibujar e ilustrar? A propósito, este término, ¿es una invención tuya o es de tu amigo Sune Ehlers)?

No creo que lo del doodling se la haya inventado nadie. Desde que existe el dibujo y la realización de marcas el doodling, el garabateo, existe. Para mi consiste en dibujar sin una idea clara de que es lo que quieres conseguir. Has de permitir que tu mano y tu cerebro estén conectados sin que los pensamientos se entrometan. Puedes hacer doodling al tocar la guitarra o al bailar pero lo más habitual es hacerlo de mientras sujetas un boli. No sabría delimitar lo que es hacer doodling y lo que es dibujar ya que pueden ser la misma cosa. Doodling es como levantar los pies de los pedales y dejarte llevar por la inercia un poco. Sune lo llama duudling, pero me imagino que se trata de su forma excentrica de danés de llamarlo. Quizás hemos contribuido a popularizar el término y me he encontrado muchas webs y blogs en torno al doodle que no existian hace diez años. Mi estilo de dibujo puede ser considerado a veces un estilo doodle ya que se trata de un estilo suelto, con bucles y líneas entremezcladas. No estoy seguro de que haya un estilo doodle realmente definido como tal de la misma manera que se puede decir que tu estilo de escritura es cercano al garabato o confuso. Yo denominaba mis dibujos ‘doodles’ cuando empezaba ya que no sentía que tuviera el derecho a llamarlo arte o ni siquiera dibujo o diseño o ilustración. Lo de doodle era una manera de protegerlo (y protegerme a mí) sugiriendo que no era una forma creativa cultivada y que por tanto no merecía mucho análisis. De esta manera evitaba cualquier pregunta capciosa y podía continuar haciendo lo mismo sin que nadie me molestara. Si alguien me preguntaba si era un artista yo contestaba que era un “doodler”.

Otra etiqueta que la gente ha inventado y que parece ser tú formas parte de ello es lo del “character design”.Un poco la misma pregunta: ¿Qué es novedoso de lo que se ha querido etiquetar con esta expresión como para que la etiqueta tenga sentido y utilidad y referirse con ella a una serie de artistas?

Bueno, lo del diseño de personajes es tan antiguo como el lenguaje escrito ¿no? No tengo una idea clara de lo que quiere significar el término. Si dibujas personajes, ¿haces “character design”? ¿O es que este término se refiere sólo a cierto tipo de arte con personajes? Si te fijas en los estupendos libros de Pictoplasma, ¿a quién podemos culpar por la confusión? La variedad de estilos es sorprendente así que no puedo pensar en el término como uno que defina a un determinado estilo. Lo más que puedo suponer es que abarca una serie de artistas que no sólo diseñan personajes sino que los arrojan de forma activa al mundo exterior a través de su arte o de objetos de merchandising e invitándote a que dejes tu propio mundo y entres en el suyo. Gary Baseman calls it “Pervasive art”, que es un término que me gusta. Pero realmente esto se refiere a algo más, y deriva de la existencia de un mundo en el que puedan existir… ¿ves? no lo tengo muy claro.

El caso es que entre el doodling y el character design has creado un mundo muy Jon Burgerman. Normalmente es muy colorido pero no sé si se trata de un mundo feliz. ¿Cómo describirías ese universo y a sus habitantes?

No es un mundo completamente luminoso y feliz aunque hay mucha despreocupación y diversión tonta. Hay fallos, contradicciones, ansiedades, dudas (todo ello puntos de partida para el humor). El universo es fantástico pero las actitudes son humanas, sin fundamento, a veces hiperemocionales y otras veces completamente estoicas. Pienso en lo absurdo de nuestro mundo, lo extraño que puede ser la gente, como muchas cosas no tienen ningún sentido, el sentir desapego… Quizás crear personajes y sus mundos sirve de ayuda para intentar darle sentido a todo eso. Son reflejos que se mueven sobre la superficie de un charco de tinta.

Hay una cuestión que me intriga respecto de muchos artistas por el tipo de iconografía que presentan y es cuánto de su infancia se refleja en su obra y cuánto de niño hay en su yo artista.

Creo que es un gran porcentaje de quien soy ahora. El arte parte de eso. Me aferro a ello dejando marcas de las uñas para no dejar escapar nada de lo que pueda retener de mi infancia. Y lo llevo de equipaje tanto como puedo en mi época adulta.

Y al no ser artista también me fascina el proceso creativo que cada cual utiliza, si es más digital o más analógico, si lo importante es sobre todo disfrutar del proceso o llegar a determinado resultado… Cuéntame un poco cómo es en tu caso.

Puede ser un proceso muy sencillo. Todo empieza con un dibujo. Seguramente lo escaneo, lo limpio, lo coloreo y lo mando a algún sitio y acaba siendo impreso. No es imprescindible que pase por el ordenador si nos es realmente necesario. Ese el el proceso físico y el proceso de pensar sobre ello y qué es lo que voy a dibujar es más interesante, además de un millón de veces más complicado. La mayoría de las veces el placer está en el proceso físico: dibujar, aplicar color y darle vida a algo, eso es lo divertido. Eso cuando estás planteándotelo como un juego, intentando resolverlo y llegar a una conclusión. Cuando acabas es como el puzzle que ya has terminado, mucho menos interesante. Pero espero que la energía el espíritu del proceso resuenen en el resultado final.

¿En qué andas trabajando últimamente?

Inauguro una exposición individual en Hamburgo, en Helium Cowboyel 30 de agosto así que he estado sobre todo trabajando en lo que estaba preparando para esa exposición. A lo largo de los últimos meses también he participado haciendo “live drawing” en un festival, una portada de una revista, ilustraciones para el mundo editorial, una personalización de una figura, diseños para ropa y algunos diseños nuevos para figuras.

¿Algún proyecto para el futuro del que te apetezca hablar?

Publico un libro monográfico con IdN a finales de septiembre: “Pens are My Friends”. Son 300 páginas y viene con un DVD, un minilibro y un poster. El mismo día salen a la venta mis figuras de la serie que he hecho para Kidrobot que se llama Heroes of Burgertown. Llevo trabajando como un año en el libro y un par de años en las figuras así que es genial que por fin vayan a salir. Más allá de eso he empezado a trabajar en una idea para un videojuego, un projecto de “live doodle sound” y voy a hacer un disco en el que no produzco la música o los sonidos sino que todo procede de contribuciones de gente que ha contactado conmigo a través de mi web. Es una proyecto colectivo en el que me toca dirigirlo todo. Es posible que salga mal. También estoy trabajando en un pequeño comic que será tonto, estúpido y mal dibujado.

¿Y algún proyecto que quisieras hacer pero que aún no te han propuesto?

Me gustaría crear una serie de animación para la tele, diseñar el interiorismo de un restaurante o un bar y hacer un balón aerostático.

¿Puedes hablarnos de algo o alguien que crees que debieramos conocer?

Me interesa, aunque no entiendo muy bien de qué va, el Gran Colisionador de Hadrones (Large Hadron Collider). Si la tierra se tambalea el 10 de septiembre, cuando lo van a probar por primera vez, ya sabemos de quién es la culpa.

30/8/2008 11:36am Administrador