Me podría extender en explicaciones y detalles pero prefiero ir al grano: El espacio que tenemos en Madrid cierra a partir del próximo día 15 de agosto. Y no, no son vacaciones de verano. Cerramos del todo. Muchas gracias a todos los que habéis mostrado interés por lo que hemos hecho durante estos 6 años y pico y nos habéis apoyado de una u otra manera.

Aún es pronto para decir si esta base submarina que ahora se sumerge volverá a emerger en estos mismos mares o en otros más lejanos, que continuidad tendrá esta web o cuanto tiempo permanecerá abierta la tienda online. La idea es que Subaquatica siga existiendo como idea, como concepto y que quizás surgan iniciativas puntuales bajo este nombre. Además seguiremos colaborando con marcas, agencias, instituciones y demás en gestión, comisariado y producción de proyectos o de consultoría en torno a todo este mundo del arte que nos gusta y que nos resistimos a encuadrar con otra etiqueta.

Salud,

Sergio

Antes de nada: ¿Porqué, dónde, cómo… te convertiste en un artista?

Me encanta pintar y dibujar desde que tengo memoria. Creo que decidí ser artista cuando tenía 11 o 12 años y desde entonces es lo que vengo intentando. Estudie Ilustración en la universidad porque en ese momento me parecía que ese tipo de estudios eran más cercanos a lo que yo quería hacer que los de Bellas artes pero siempre he estado más inclinado a hacer trabajo personal que de encargo. Después de acabar los estudios me ha llevado mucho tiempo poder dedicarme al arte como dedicación exclusiva. Tenía muy claro que esto es lo que quería pero no como conseguir que fuera mi ocupación de manera profesional. Estuve durante 5 o 6 años con trabajos de media jornada para poder ganarme la vida y dedicar el resto del tiempo desarrollando mi trabajo como artista. Con el tiempo empecé a recibir solicitudes de galerías para exponer mi trabajo porque habían visto algo en revistas impresas u online.

Me da la impresión de que mucha de tu iconografía tiene mucho que ver con la tele, el cine o los comics y estas son artes principalmente narrativas. Debido a esto y a los títulos de tus obras parece como si hubiera un sentido narrativo subyacente en tus obras. ¿Es así? ¿Te gusta la idea de que la gente vea tus obras como una visión puntual de una trama narrativa más compleja y que queda sólo sugerida?

Sí, desde luego. Me encanta el cine y la televisión y la relación que la pintura tiene con esas artes. En el cine las imágenes fijas pasan tan rápido que juntas hacen un todo en movimiento y en la pintura tomas algo que ocurre en unos segundos o en una fracción de un segundo y pasas días, semanas o meses trabajando sobre ello. Ahora mismo no estoy intentando crear narrativa con una historia que se desarrolle en el tiempo pero me encanta la idea de la narrativa implícita en una imagen estática bidimensional y el sintetizar algo en un momento me fascina.

Puede que te hayas dado cuenta de que sobre todo entrevistamos y prestamos especual atención a artistas que vienen del arte en la calle o el Graffiti. No es tu caso pero tus dos principales exposiciones individuales hasta la fecha han sido en dos galerías en el Reino Unido y en EEUU que sobre todo trabajan con este mismo tipo de artistas. ¿Qué dirías que tienes en común con el arte en la calle o al menos con esa generación de artistas que giran en torno a ese trasfondo y que como a tí se les etiqueta como fuera del circuito más tradicional (”Outsiders” como os llama el galerista Steve Lazarides)?

Algo con lo que me imagino que siempre he estado luchando es con el lugar que ocupa mi trabajo. Cuando acabé los estudios sabía que quería hacer lo que me apeteciera y por eso el mundo de la ilustración no era para mí pero las galerías que conocía trabajaban bien con artistas muy conceptuales o con artistas muy tradicionales, dos tipos de arte que respeto pero que no me dicen mucho. Sabía el tipo de arte que quería hacer así que me dediqué a hacerlo sin preocuparme demasiado con el lugar que debía ocupar en el mundo. Últimamente creo que es posible que sea bueno que mi obra no encaje del todo en ningún género o escena. Me gusta el arte en la calle pero realmente mi trabajo no tiene mucho que ver ya que puede ser incluso la antítesis (está construido a base de capa sobre capa y mediante un proceso lento, lo opuesto a la inmediatez que el arte en la calle requiere). Creo que la relación viene de websites como Fecal Face, Juxtapoz, Beautiful Decay etc. que cubren una cosa y la otra. Y también pienso que la similitud viene de cierto interés en determinada iconografía y en desarrollar cosas a partir de ello. Me gusta la manera en que estas webs o galerías se relacionan con la gente y como esa manera de relacionarse es muy diferente a la de galerías más tradicionales pero quizás sea tan sólo mi percepción. Me parecen más… relevantes.

No sabría decir por tu obra si tu visión de la vida es pesimista u optimista porque la impresión sombría y dramática de tu obra, incluso con monstruos, encuentra cierto equilibrio en el uso del color y en los títulos un tanto sarcásticos. ¿Cómo definirías tu obra en términos de humor, de tono, de lo trágico frente a lo cómico…?

Creo que, a pesar de sus fallos y mi propia visión cínica, me gusta la socidad en la que vivo y no quisiera que se desintegrara. La idea de que las cosas se colapsen y se destruyan me fascina tanto como me horroriza y esto ha acabado siendo un tema dominante en mi obra a lo largo de los años. La manera en que un rango de ideas tan dispar, desde lo profundamente serio a lo llanamente superficial, conviven uno junto a lo otro, en internet o en la cultura popular realmente me llama la atención. Creo que es ese sentido del horror, lo absurdo y la belleza mezclándose es lo que estoy intentando representar con mi trabajo. El mundo se está volviendo más extraño cada día y es difícil saber como reaccionar muchas veces.

Justamente, volviendo a los monstruos, que están presentes en algunas de tus piezas más recientes a juzgar por el título, porque realmente los retratas en ese estilo más suelto y abstracto que usas para los fondos en lugar de usar la técnica más definida que usas para los personajes humanos. ¿Llegaremos a ver la cara de esos monstruos o seguiran siendo amenazas presentes pero borrosas y por lo tanto más temibles y misteriosas?

Viene del sentido abstracto de las amenazas presentes en mucho de lo que leo útimamente. Muchos de los peligros a los que nos enfrentamos son muy reales pero no necesariamente inmediatos y obvios en nuestra vida cotidiana y no tienen una forma concreta y física. Hay algo en la idea de los monstruos en ese sentido abstracto que me interesa. Es una mezcla de lo serio y lo ridículo de la situación. Las formas con las que los represento tienen que ver con los efectos de luz y distorsiones que obtienes en fotografías en particular de cosas como explosiones y edificios que se derruen. Quiero intentar llevar esta idea a mi pintura sutilmente usando formas que sugieran elementos que aparecen de manera recurrente en las noticias de la tele.

Me gustaría que nos explicaras como es el proceso creativo para tí: Si es más importante el proceso en si mismo o este es secundario siempre que te produzca el resultado que buscas, etc…

El proceso es muy importante para mí e intento usar técnicas y soportes diferentes para que formen parte de una manera relevante a lo que estoy pintando. A veces me encanta dedicar mucho tiempo a una parte pequeña y pintarlo con mucho detalle y al tiempo pintar otras partes de esa misma pieza con brochazos, la paleta o directamente derramando pintura sobre el lienzo. Cuando estoy trabajando sobre alguna idea suelo manejar imágenes más que ideas para pintarlas lo cual está bien a veces pero no me soluciona el cómo voy a traducir esa imagen a una pintura.

Ver tu trabajo en un lienzo de ciertas dimensiones y poder apreciar las texturas o el contexto en el que se presenta imagino que debe marcar una diferencia importante pero en la pantalla del ordenador tu trabajo denota esa cercanía con el mundo de la ilustración ya que tus piezas facilmente podrían ser una portada de un comic o una ilustración de un artículo en una revista. En este sentido creo que la diferencia reside sobre todo en que no tienes que responder a una exigencia de un cliente. ¿Te sientes liberado de que no sea así o a veces puede ser un reto más exigente tener que encontrar tu propio tema que ilustrar?

Ciertamente me siento liberado ya que aunque estudie ilustración nunca me he considerado bueno en ilustrar algo. Siempre pinto aquello que me obsesiona en ese momento y que siento que tengo que transmitir acerca de como me siento. A veces es frustrante porque siento que no lo consigo de la manera que quisiera. Tengo mucho respeto por los buenos ilustradores que pueden dar vida a las ideas de otros. Pienso que es un verdadero talento que desgraciadamente yo no tengo. En cuanto a la diferencia de ver el trabajo en persona o en una pantalla me interesa mucho ya que hasta hace unos años trabajaba mucho con Photoshop y no tanto sobre lienzo. Muchas de las piezas que hago ahora son de grandes dimensiones y hay aspectos de escala y detalle que puedes desarrollar en un lienzo grande que no se aprecian en una pantalla en un pequeño archivo jpg. Es mucho más inmersivo observar una pintura delante de tí de manera que casi llena tu campo de visión. A veces siento que no soy un pintor muy experto todavía ya que todavía estoy trabajando en la manera de planificar una composición en relación al tamaño real del soporte.

Una pregunta sobre un tema que me intriga en general de todos los artistas ¿cuánto dirías que hay en tu arte de tu experiencia como niño?

No sabría decirte, supongo que mucho pero es algo que un psicólogo posiblemente sabría decir mejor que yo. Tenía pesadillas cuando era niñó y me daba miendo irme a dormir y supongo que ese temor de fondo ha tenido una influencia profunda en las cosas que me interesan.

¿En qué andas trabajando últimamente?

Acabo de presentar una exposición la galería MTV de Sydney y di una conferencia en el evento Semi Permanent en Sydney y Brisbane. Desde que he vuelto me estoy tomando un tiempo y he parado de pintar para simplemente jugar con algunas ideas. Me he comprado una nueva cámara y he estado jugando con ella y haciendo miles de fotos.

¿Algún proyecto para el futuro del que nos quieras hablar?

No, quiero dejar de centrarme en exposiciones durante un tiempo para seguir desarrollando mi trabajo y esto me llevará el tiempo que me lleve y espero que el trabajo resultante será interesante.

¿Algún proyecto que te gustaría hacer pero que nadie te ha propuesto aún?

No sé… podría ser interesante hacer algo para cine pero estoy tan acostumbrado a trabajar yo sólo que no sé cómo resultaría trabajar en un proyecto en grupo.

¿Cómo es un día de tu vida?

Últimamente estoy con unos horarios de dormir y despertarse muy malos pero idealmente me debería despertar por la mañana, ir al estudio, pintar y algo más tarde, después de comer, quedar con amigos o irme a leer a una cafetería para después volver a pintar por la tarde hasta por la noche. Cuando trabajo sobre ideas más que realmente pintar, como ahora, mi horario de trabajo es más confuso y a veces parece que no he hecho nada en todo el día y me siento culpable pero si consigo sacar un par de ideas en claro supongo que es que funciona. Estoy pasándome mucho tiempo leyendo y viendo películas que es parte del proceso también.

¿Puedes recomendarnos algunos artistas o iniciativas que pienses que vale la pena que conozcamos?

Artistas: Fuyuko Matsui, Anna Conway, Alex Kanevsky, Ricky Allman, Yang Shaobin, Kristine Moran, Hung Liu, Rosson Crow, Bruno Dayan, Cai Guo-Qiang and Julia Fullerton-Batten.
Algunos libros que he leido últimamente y me han gustado: “House of Leaves” (Mark Z. Danielewski), “The Boat” (Nam Le), “Remainder” (Tom McCarthy)
Algunas películas que he visto últimamente y que me han gustado bastante: “Last Life in the Universe“, “I’m a Cyborg (but that’s Ok)“, “Suicide Club“, “Survive Style 5+“, “Kamikaze Girls“, “Funky Forest: First Contact“, “2LDK“.

Cualquier fusión suele producir un nuevo todo, una nueva entidad, con personalidad propia y diferente a la mera suma de las partes que lo componen. Esta máxima se cumple en algunos casos más y en otros menos y en unos casos el nuevo todo es manifiestamente menos interesante que las partes por separado. En el caso de Herakut (www.herakut.de), el resultado es claramente diferente y decididamente tan o más estimulante que el trabajo de estos dos artistas por separado. Ella, Hera y él, Akut, ambos alemanes y procedentes del mundo del Graffiti (él del conocido colectivo Maclaim) se conocieron en 2004 con motivo de un festival nada menos que en Sevilla y desde entonces han venido colaborando artísticamente desde entonces. Actualmente andan embarcados en un mini-tour por EEUU con expos en LA y NY y en Subaquatica acabamos de recibir el primer libro monográfico dedicado a la pareja. Sus estilos son tan diferentes como complementarios. Él ha desarrollado una impresionante técnica hiperrealista y ella justamente parece escapar de una también pulida técnica mediante el trazo suelto y el aire de boceto que da a su obra. Juntos han sabido combinar sus talentos para producir un trabajo claramente deudor de la tradición del Graffiti europeo pero tan personal y característica como pocos.

Este libro está disponible en Subaquatica y también aquí en nuestra tienda online.

En Subaquatica somos, por necesidad y por convicción, muy amígos del HTM (Háztelo Tú Mismo) -establezcámoslo como traducción del acrónimo en inglés DIY (Do It Yourself)- Un número de factores diversos han contribuido a que propuestas alrededor de esta dinámica artesanal antes que industrial abunden en todo el mundo: Auge de la conciencia para la sostenibilidad, depreciación de lo masivo y apreciación de lo único o limitado, lejanía de lugares de producción (China) y por tanto dificultad en el control de calidad y de la no explotación pirata de las creaciones… Además, las líneas que demarcan la frontera entre el artesano, el artista, el diseñador… están cada vez menos claramente definidas y muchos creadores optan por desarrollar las habilidades necesarias para elaborar por si mismo aquello que quieran crear: Serigrafías, complementos textiles, muñecos de tela (plush toys) o las propias herramientas o elementos necesarios: Artistas “urbanos” que crean sus pegatinas, largas pértigas para pintar a distancia… o sencillamente particulares que se apuntan a una “nueva” moda: ¡Hacer punto!
Nada de esto es enteramente nuevo ni para encontrar ejemplos de HTM hay que remontarse a los tiempos previos a la revolución industrial. La cultura de los fanzines o la indumentaria de las tribus urbanas en los 70 y 80 ya sin claros ejemplos de esto. Lo novedoso es que, a pesar del abaratamiento de los costes de producción industrial estas tendencias aumenten en lugar de disminuir.
Este libro de reciente publicación, “Handmade Nation”, repasa múltiples propuestas de toda una variedad de disciplinas del género HTM principalmente en EEUU.

Este libro está disponible en Subaquatica y también aquí en nuestra tienda online.

Primero una pregunta que hacemos siempre ¿Cuándo, cómo, por qué… empezaste a hacer arte en la calle?

La curiosidad por las instalaciones a base de esculturas me había surgido tras visitar una exposición de Juan Muñoz en Washington DC en 2001. En 2003, mientras vivía en Rio de Janeiro comencé a experimentar con lo de hacer moldes con cinta adhesiva. Lo de instalar las esculturas en la calle era lo lógico a continuación. Mi vida por entonces era muy de exteriores ya que llevaba un año viajando por Sudamérica de hostal a hostal, en contacto con la naturaleza (y con algunos bares). Ya que estaba tan fuera todo el tiempo quería que mis esculturas estuvieran allí también. Y además esto supuso un gran cambio para mí ya que pasé de ser un turista sin más a aportar algo. Al integrar las esculturas con el lugar encontré una manera de integrarme a mí mismo.

A pesar de lo emocionante que pueda ser la actividad en la calle es también arriesgada y exigente. Ahora que has llegado a tener cierto nivel de reconocimiento y a exponer en galerías, ¿sientes la misma motivación para seguir haciendo instalaciones en la calle o es que realmente tu trabajo en galerías no tiene sentido sin la vertiente exterior?

La calle tiene un efecto amplificador que hace que mi trabajo funcione. Y hay una relación simbiótica entre la calle y la galería. Eso es importante siempre y cuando se complementen y no se hagan la competencia. Pero, tienes razón, lo cierto es que es arriesgado (hacer arte en la calle). Más de una vez han acudido al lugar brigadas de artificieros antibombas por ejemplo. Y aunque su participación hace la instalación más interesante la reacción que causa en la ciudad no es algo que me tome a la ligera. Prefiero que mi trabajo tenga un efecto nutritivo no infeccioso.

Y además tú vienes de Washington DC que debe ser una ciudad muy peculiar para realizar intervenciones públicas no autorizadas…

Sí que es un tanto peculiar. Pero realmente empecé en Rio de Janeiro. Nunca lo habría hecho en Washington, DC. Mi trabajo es una extraña yuxtaposición con esta ciudad donde la mayoría del arte público es bronce oxidado conmemorativo de guerras del pasado. Pero me gusta.

Algunas de tus intervenciones son más poéticas y supongo que sólo requieren ser observadas pero otras parecen estar pensadas para que las personas acaben interactuando. ¿Reacciona la gente normalmente como esperabas? ¿Te decepciona a veces la gente por sus reacciones?

Con las instalaciones hiperrealistas la intención es crear una escena que sea real. La gente, los coches, las palomas, los camiones de bomberos… acaban por ser parte de esa escena. Pero nunca hay demasiadas expectativas o decepción por parte mía porque aunque me gusta cultivar lo surreal es también un experimento en lo social de lo que aprender. Por ejemplo, pongo un par de piernas que salen de un cubo de basura en Brooklyn y normalmente es divertido ver las reacciones de la gente. Pero hice la misma instalación en Belén, en Palestina, y la reacción fue extraña, hostil y por lo general mala así que aprendí mucho de su cultura a raiz de esto.

Entonces, una vez que acabas una instalación es importante ver lo que pasa a continuación. ¿Siempre sientes la necesidad de quedarte a observar o grabar las reacciones de la gente en video?

Intento no quedarme pero sí pedir a alguien que lo grabe para documentarlo. Me fastidiaría mucho que me pillaran y tener que retirar la instalación o que la gente me relacionara con aquello ya que eso llevaría la experiencia a un nivel un tanto aburrido. Es la existencia de la instalación desvinculada del artista o de un espacio de arte y el no tener permisos, etc… lo que hace su presencia en la calle interesante. Es lo que en estadísitica se llama un valor atípico al estar abandonado de esta manera.

En tu trabajo, al ser el contexto tan importante y el hecho de que la gente no espera encontrarse tus instalaciones, me gustaría saber cómo reproduces esas variables en una galería donde el contexto es un espacio vacío y blanco y la gente ya está condicionada y expectante, lista para ser sorprendida.

Es posible hacer lo mismo haciendo uso de ese otro contexto. Por ejemplo, instalando un visitante falso para crear el mismo tipo de efecto.

¿Cómo ha sido por ahora tu experiencia en el mundo de las galerías y del Arte con mayúsculas?

No tengo una opinión formada sobre las galerías ya que las hay muy diferentes. Algunas molan y otras no. Pero sí me siento decepcionado por los museos. Su personal suele tener una gran falta de conocimiento sobre el arte en la calle y su actitud no es buena. Entiendo porqué Banksy no quiere que su obra esté en museos como no sea como una broma.

Me gustaría que hablaras de cómo es para tí el proceso creativo, si es muy racional o es más intuitivo, si no es tan importante siempre que te ofrezca el resultado final que esperabas…

Tengo un tipo de creatividad que surge por si misma con facilidad. Pero lo hace a trompicones. Lo que es importante es tener un boli a mano cuando surge. A veces es después de una noche de beber mucho cuando me duele la cabeza… Mi trabajo es basicamente revisar esas ideas y quedarme con las mejores. Con el arte en la calle esto es más difícil ya que al revisar las posibles ideas tienes que tener en cuenta las que son factibles tras evaluar las dificultades de tipo legal, físico, de seguridad…

¿Qué andas haciendo últimamente?

Últimamente he estado reflexionando mucho sobre los últimos 5 años con todo este proyecto y sobre todo en el año anterior a empezar con esto y quién era antes de adentrarme en esta tangente.

¿Algún proyecto proximamente del que nos quieras hablar?

Me han pedido que comisaríe unos festivales en Francia en 2010 y me apetece mucho.

¿Qué proyecto querrías hacer pero aún no te han propuesto o no has tenido oportunidad?

Me gustaría hacer flotar un montón de cuerpos en las cataratas del Niágara. Estaría genial ver algo así. Para mí sería como observar un tsunami.

¿Algún artista o proyecto que nos quieres recomendar?

Estoy un poco atontado ahora mismo. Creo que todo es reflejo de otra cosa… pero me gusta Blu porque no para. El tio es que no para.

Este pasado sábado 25 de abril inauguramos la exposición colectiva ROJO®OCHO@SUBAQUATICA que se presenta con motivo del 8º aniversario de la revista ROJO® y en colaboración con 9 de los 26 espacios de arte asociados que forman la ROJO® Art Network en otras tantas ciudades de todo el mundo.

Cada uno de los espacios ha seleccionado varios artistas con los que se siente identificado para participar en la exposición que se celebra en su ciudad. En total 140 artistas contribuyen a las exposiciones que se celebran entre febrero y julio de 2009 en Conpenhague, Milán, São Paulo, Barcelona, Rosario, Viena, Madrid, Londres y Los Angeles.

En su sede madrileña el listado de artistas está formado por Nano4814, Therese Vandling, Ezba, Juju’s Delivery, Deno JR, 3ttman, Nuria Mora, Remed y Fefe Talavera. Un total de 9 artistas procedentes de lugares tan remotos como Berlín, Lille, São Paulo, Vigo… y Madrid, claro.

Todos los artistas contribuyen a la exposición con el tipo de obra más habitual en Subaquatica: En papel, sin recurrir a técnicas de impresión digital y en pequeño formato. Con la selección de artistas hemos intentado ofrecer una visión panorámica, heterogénea, de distintas aproximaciones a la actividad creadora visual. Dicha visión resulta tan diversa como los propios artitas y tan dotada o falta de coherencia como el propio criterio de los responsables de este espacio subaquatico.

Hay varios hitos clave que marcan la historia del Graffiti. La publicación en 1984 de “Subway Art” es, sin duda, uno de ellos. El libro era el primero en documentar gráficamente de una manera tan exhaustiva el aún reciente movimiento de Graffiti en la ciudad de Nueva York. Dos fotógrafos inquietos, Martha Cooper y Henry Chalfant, cada uno por su lado, habían quedado fascinados por la intensidad de todo aquello y no habían querido dejar pasar la ocasión de documentarlo. El libro, y debemos recordar que estamos hablando de una era pre-internet, no era un libro de arte más destinado a sesudos intelectuales o gentes de gustos elevados. Independientemente de la intención de sus editores, su publicación permitió a jóvenes de todo el mundo tener una referencia gráfica abundante de aquello que sólo podían vislumbrar fugazmente en las películas sobre Breakdance de la época y contribuyó decisivamente a que este tipo de expresión artística se extendiera como la pólvora por todo el urbe.

Ahora, 25 años después y después de muchos miles de ejemplares vendidos, se reedita en formato gigante, en una edición realmente esplendorosa y con 70 fotografías inéditas a un precio más que ajustado.

Este libro está disponible en Subaquatica y también aquí en nuestra tienda online.

Brendan Monroe (www.brendanmonroe.com) es un artista residente en Berkley, California cuyo estilo podríamos denominar surrealismo orgánico o pop microbiológico. Sus obras presentan casi siempre motivos fluidos, orgánicos, con una paleta de color muy característica y a medio camino entre lo bello y lo inquietante como muchos de sus coetáneos. Este es su primer libro monográfico y reune un considerable número de imágenes de su obra más reciente así como una entrevista con el artista.

Este libro está disponible en Subaquatica y también aquí en nuestra tienda online.

Mejor que ella misma nos lo cuente.

Primero, una pregunta que le hacemos siempre a todo el mundo para estas entrevistas: ¿Cuando, donde, como y porqué empezaste a considerarte artista?

Todavía no acabo de considerarme una artista… hago cosas que de una u otra manera tienen que ver con el hecho artístico por pura necesidad, porque necesito coger la cámara de vídeo o el pincel o diseñar y eso me ha pasado siempre… de pequeña tenía muy claro que lo que quería hacer era dibujar. Si eso es ser artista esa necesidad no me ha abandonado nunca.

Tu trabajo es tan diverso que no sé por dónde empezar. Sé que es un poco limitativo o como preguntar a unos padres cuál de sus hijos quieren más pero de todas las disciplinas que trabajas, ¿Con cuál tienes la sensación de estar más cómoda, de expresar más fácilmente lo que sea que sientes que debes dejar salir de ti?

Para mí, las disciplinas no son más que medios, soportes… cada una ofrece algo que la hace atractiva por lo que las otras no tienen, por ejemplo: me gusta trabajar con tinta por lo que tiene de accidental, de imprevisible, de viva. Ofrece una relación directa con el papel que es difícil de lograr con otros medios, es la misma razón por la que me atrae el grabado, la ilustración me gusta por lo que tiene de reto para mí, me parece difícil y tremendamente atractiva a la vez. Es curioso porque nunca tengo dudas sobre como contar algo, cuando surge una idea viene acompañada de su forma. Tal vez, si tuviese que elegir una, probablemente sea el vídeo la forma con la que me encuentro más cómoda. El vídeo me da la posibilidad de jugar con el tiempo, con la puesta en escena, me gusta mucho la facilidad que me ofrece para manejar conceptos, me deja “pintar” de una forma fluida, libre.

Además de la vertiente puramente artística de tu trabajo veo como eres ejemplo de la forma en que una nueva generación de artistas plásticos reciben encargos de marcas y agencias y diseñadores gráficos presentan su trabajo en galerías de arte. Al final la distinción queda no tanto en como se considere cada uno sino en si el trabajo realizado responde a un encargo y unas necesidades de comunicación o puramente a las necesidades e inquietudes expresivas propias del creador detrás de ese trabajo. Además en tu caso realizas trabajos de escenografía y diseño de vestuario para teatro que también responden a un encargo ¿Es para ti el trabajo como diseñadora, escenógrafa o diseñadora de vestuario una vertiente más de tu actividad creadora, algo más bien alimenticio, un poco de ambas…? ¿El tener que responder a las necesidades de un cliente es para ti más un reto o una limitación?

Ufff……. Es una pregunta compleja… empiezo por contestar a la última: depende del cliente y de la relación que se establezca con él, que se convierta en un reto o en una limitación. Es tal cual. En ocasiones, te encuentras con que te proponen un trabajo que resulta estimulante y que te permite probar cosas, crecer… en otras, el único motivo para hacerlo es que te va a permitir pagar facturas. Cada vez más, el coste de hacer el segundo tipo de trabajos es algo que no me apetece asumir, porque es demasiado elevado y porque es difícil de evaluar a priori pero luego pesa y no compensa. La apuesta en estos momentos pasa por evitar en la medida de lo posible, ese tipo de trabajos. Creo que es algo que les pasa a muchos diseñadores. En cuanto a la escenografía y el diseño de vestuario es diferente, para mí, es imposible afrontar el diseño escenográfico como un trabajo de encargo por su propia naturaleza: el proceso de trabajo es mucho más largo y complejo y necesita de una gran implicación. Las veces que he afrontado un trabajo de este tipo como algo meramente alimenticio, ha sido desastroso. Lo que me resulta complicado con respecto al teatro, es encontrar un lugar donde me sienta cómoda en el panorama teatral. Algo que sea afín a mi propio lenguaje, que plantee mecanismos y preguntas que me interesen.

Y para todas esas actividades, desde el video a la ilustración pasando por todo lo demás, ¿tienes un alter ego distinto y un discurso diferente o hay un estilo Cecilia H. Molano que transciende a todo lo que haces? Si es así, ¿es de manera consciente o es algo inevitable?

Creo que es inevitable y que pese a que los lenguajes son diferentes y hay muchos estilos, hay cierta coherencia que subyace… a lo mejor es precisamente, esa incapacidad para definir un estilo, que en sí misma ya constituye una marca de identidad. Pero el caso es que siento que, pese a su diversidad, son fragmentos de un mismo discurso.

De todo lo que uno se encuentra ahí fuera para nutrir de significado la actividad creadora diría que en tu caso por lo general pones énfasis en el referente a la persona y su relación con lo que la rodea (sí, ya sé que es como decir todo que es lo mismo que no decir nada). ¿Dirías que este es al menos uno de los ejes de tu obra? Si no, ¿Cuales otros referentes pretendes que permanezcan a lo largo de todo tu trabajo?

Sí, sin duda hay algo de reflexión personal, de posicionamiento y que se define así mismo como algo que yo llamaría íntimo. Muy pegado al cuerpo y también en ocasiones a la palabra, pero sin duda, personal. Me interesa la idea de mirada, también la de límite, de cómo entrar en contacto con lo que nos rodea y con los que también comparten ese espacio. Me gusta reflexionar desde la plástica sobre conceptos de otras disciplinas que me llaman la atención, de alguna manera, necesito de la creación para pensar y pensar-me.

Después de tanta pregunta sobre la variedad de palos que tocas, me interesaría que me contaras sobre como te enfrentas al proceso creativo. En tu caso: ¿es más importante el proceso que el resultado? ¿es un tipo de proceso impulsivo o planeado, racional o instintivo…? Y volviendo a lo de antes ¿es similar la lógica del proceso, si bien no la práctica concreta, para diferentes disciplinas?

Proceso antes que resultado, definitivamente instintivo y pulsional y esto dicho sin orgullo “artístico”: envidio profundamente los procesos racionales que veo en otros artistas y me interesan mucho los conceptos a los que se llega tras ese tipo de trabajos, su depuración y su coherencia y en ocasiones me fuerzo a seguir un proceso de este tipo, pero en general triunfa lo impulsivo. En cuanto a lógica del proceso, sin embargo, varía. Si me pongo a ilustrar o a pintar en general, necesito más tiempo para probar, me siento más insegura, titubeo y me cuesta encontrarme. Con el vídeo es más rápido, bulle unos días en la cabeza, unas cuantas notas y de pronto, está listo y entonces cojo la cámara y me pongo a editar todo en uno. Cuando se trata de un proceso de diseño gráfico o para teatro, es totalmente diferente, ahí sí es un poco más racional: busco, me busco mucho, me pruebo… trato de encontrar metáforas válidas… araño poco a poco al proceso de creación hasta que sale algo.

Ahondando un poco en lo mismo: Trabajas tanto lo analógico como lo digital y da la impresión de que cuando usas tecnología buscas “ensuciar” con una patina de realidad analógica, mundana, el resultado ¿Revindicas lo analógico como valor en sí mismo o es por contrario una opción en cuanto al proceso?

Lo digital me encanta por el grado de libertad que permite y me horroriza por la apariencia que puede generar: el exceso de filtros o efectos, cierta apariencia de “plástico”. Un amigo me hablaba de un “blanco sucio” que él encuentra en mis trabajos, sí es verdad que siempre hay una calidad en mis trabajos que tiene que ver con la textura, con la piel… no es exactamente que lo relacione con lo analógico pero sí con una manera de manipular los materiales que tiene que ver con lo pictórico, tal vez.

Por otra parte si no he entendido mal eres además de todo eso editora y en tus videos hay una vertiente visual y otra basada en la palabra. Cuéntanos un poco acerca de esta iniciativa y como enlaza con todo lo demás que haces.

Mi faceta de editora se desarrolla dentro de «escrito a lápiz», que es un proyecto editorial muy reciente (acaba de hacer un año) y de carácter pequeño, con ganas de ser pequeño además. Leer es otra de esas actividades inevitables, y mi relación con las palabras es vital. Me interesa la poesía, me emociono leyendo… escribo desde siempre y la palabra, como bien señalas, es algo que siempre está presente en mi trabajo. «Escrito a lápiz» surge un poco de ahí, me apetecía editar los libros que me gustan, autoeditar alguno que estaba en proceso… el libro me parece un soporte privilegiado. En la editorial hago de todo: elijo los textos, ilustro de vez en cuando, maqueto, distribuyo… me recuerda a un taquillero que había en un cine al que iba con una de mis hermanas: el mismo hombre primero te cobraba la entrada, luego aparecía con la linternita y te acomodaba y finalmente: ¡era el que vendía las palomitas en el bar!

¿Cual es tu experiencia en el mundo de las exposiciones en centros de arte, galerías y similares y en todo lo que se refiere a difundir y vender tu obra y que dificultades, virtudes y defectos encuentras en ese sentido?

El tema de vender y difundir la obra es complicado, la experiencia de «escrito a lápiz» me ha enseñado mucho en este sentido: es mucho más fácil “vender” obra que no es del todo la tuya. De alguna manera el impulso de la editorial me ayuda a mover otro tipo de obra mía, que tenía más escondida o que simplemente mantenía a un nivel más personal. Es curioso, pero parece que uno no es artista porque trabaja sino porque los demás le ven, es algo que me genera dudas, pero a la vez considero que es necesario que los demás vean lo que haces, yo por lo menos, necesito feedback. El contacto con las salas siempre ha sido bueno, me gusta mucho además encontrarme con gente que está haciendo otras cosas, y las galerías son lugares estupendos para eso. He preparado algunas expos, o alguna sesión de videoarte y con la costumbre cada vez lo llevo mejor, pero es algo que me cuesta. En alguna ocasión he hablado con gente que son diseñadores y que son buenos en promocionarse y venderse y me dan consejos en plan “marketiniano” que no me han valido mucho, la verdad. Creo que en esto, cada cual va encontrando su propio camino y su propia manera de hacer las cosas sin sentirse del todo marciano.

¿Que andas haciendo últimamente?

Ahora estoy dando clases de vestuario para teatro en la Escuela Superior de Arte Dramático de las Islas baleares, en Palma de Mallorca, estoy muy contenta con la experiencia de docente, aprendo mucho y divido mi tiempo entre la isla y Madrid donde estoy diseñando un vestuario para una obra de teatro que se estrena en Abril. A nivel personal, estoy leyendo, se supone que preparando mi tesina, pensando qué voy a hacer con un estudio gigante que me ha caído del cielo y preparando un par de vídeos con alguna idea que me ronda…

¿Algún plan para el futuro que nos quieras y puedas adelantar?

Me gustaría aprovechar mucho este año que voy a tener tiempo para hacer proyectos más personales. ¿Planes de futuro como tales? Nada seguro, tengo ganas de hacer un viaje… estar un tiempo fuera de España y probablemente estudiar algo… pero ¿qué será será?

¿Que proyecto no te han propuesto aún y quisieras que lo hicieran?

Las últimas veces que he expuesto vídeo ha sido en colectivas y dentro de festivales o screenings sessions… tengo ganas de hacer algo de vídeo específicamente para un espacio. Es un proyecto que hay que trabajar y perfilar, pero las veces que lo he hecho ha sido muy bonito.

¿Algún artista o iniciativa que quieras recomendarnos?

En cuanto a artistas, se me ocurren muchos, te comento alguno de los artistas, colectivos o editoriales más cercanos, que a lo mejor hay gente que no conoce tanto y merecen mucho la pena. El trabajo que viene desarrollando desde hace años, Mónica Valenciano, en el marco de la danza contemporánea, la poesía y el dibujo. En ilustración y pintura recomiendo el trabajo de Eduardo Ortiz. Ellos han trabajado también con escrito a lápiz y me parecen dos grandes artistas. Estíbaliz Mintegui, el colectivo Confusión Group, las chicas de Velcroart, que hacen net art o la labor editorial de Pepitas de calabaza o La uña rota. También recomendaría las litografías de Paula Fraile, con la que hace poco tuve ocasión de compartir espacio en una exposición y me encantó su trabajo. Los dibujos gamberros de Delphine Delas y las preciosas ilustraciones de Ana Yael, o el trabajo delicadísimo de Luján Marcos sobre azulejos.

Sí, el enésimo libro sobre Street art. ¿Y por qué nos tomamos la molestias de comentarlo? Bueno, de primeras los autores son nada menos que Liz Farrelly y Ric Blackshaw, autores de los libros “Scrawl” y “Scrawl 2″. Estos dos libros, publicados en Reino Unido en 1999 y 2001 respectivamente exploraban las propuestas de artistas de Graffiti, diseñadores y creadores diversos que iban más allá de los límites establecidos en aquel momento y auguraban una escena que todavía no tenía una visibilidad como tal. Esos dos libros presentaban un momento que de alguna manera enlazaba el pasado del arte más “urbano” con la aún invisible escena del Street art. Ric Blackshaw es, además, uno de los miembros fundadores del colectivo londinense de artistas del mismo nombre: Scrawl Collective. Quizás por eso el enfoque del libro difiere un poco de planteamientos previos ya que la mayoría de los textos son extractos de entrevistas con hasta 60 artistas de todo el mundo (con una aplastante predominante de artistas británicos, claro está). Además de centrarse en la voz de los propios artistas, el libro presta la atención a otras actividades paralelas de los mismos como exposiciones, eventos, colaboraciones con marcas, etc… incorporando también de camino la voz de algunas personas responsables de organizar esas actividades.

Ahora mismo tenemos en Subaquatica la edición norteamericana y en breve tendremos la británica, con el título “Street Art In the Artists’ Own Words” y con portada diferente (aunque interior idéntico)

Este libro está disponible en Subaquatica y también aquí en nuestra tienda online.